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Thomas看看世界:

要真正弄懂调色,首先要理解RGB、CMYK、HSL、互补色等等色彩基础理论。几乎所有的后期调色工具,都是建立在这些色彩模型之上的。

关于色温的经验分享

吕强:


很多人都在问我,为什么我的照片的色彩那么漂亮。不可否认我是画画的,在色彩搭配以及调色的方面我相当有经验。

那么现在,我分享我一些经验。近期照片,我调色已经非常少了,近乎不会去改变照片的颜色,那么这时候就需要通过色彩的明暗以及温度来控制一张照片的气氛了。




直接看图说话,第一张是原片,第二张是调整过色温和饱和度的照片,当然,照片的明暗对比调整也是相当重要的,我这里着重讲色彩。


色温可以控制的东西很多:

  1. 色温控制色彩的整个气氛,这个不用多讲,不同的色彩有不同的情感。
  2. 色温控制画面的饱和度,这个可能知道的人也不少,但是不讲出来可能真没有多少人能认识到这个问题。暖色温会增加暖色的饱和度降低冷色的饱和度;冷色温能增加冷色的饱和度降低暖色的饱和度。例如上图,我增加了暖色温,后面的云彩就变得饱和,这是一个很实用的技巧。
  3. 色温控制画面的通透度,何以这么说,和上面一项控制饱和度有所联系,适当的色彩饱和与搭配,更能突出画面的质感与细节。比如一张图片你已经把色温拉到了色彩溢出,那么细节肯定也不复存在了,这张照片就毫无细节了。就像是为什么闪光灯的色温必须是5500k一样,因为这样的色温最能还原最通透真实的皮肤。
  4. 还有很多要素,这里不做多讲了。



下面看一个实例,我是怎么控制色温来修饰出一张照片的。




原片都为暖色调,主体颜色与画面沾在了一起。



成品,有了明显的冷暖对比。色彩也丰富了。


开始这张照片之前,我想说,所有照片都是在acr里面完成的,如果你是拍的jpg,就可以不用看下去了。


第一步:打开acr,不多说,继续


第二步:调整亮度选项,找回阴影细节高光细节的同时,注意画面整体的素描关系以及噪点控制。我这幅照片上本来就很多噪点,所以我忽略⋯⋯




第三步:调整色温,整体色温,看整幅画面占比例最多的地方,还原那些地方的色温先。注意饱和度、溢出、层次等问题。我现在还原的是灯笼区域,控制好了色温的平衡。




第四步:使用渐变工具再调整其他部分的区域色温,并对该区域的曝光饱和进行简单调整下,使画面统一。这样,一张照片几乎已经处理完成了。




第五步:可以打开ps了,进行可选颜色等操作,我调整了白色选项,是因为我想为白色部分加入更多更饱和的色彩,和右边的暖色进行匹配。




第六步:最后加一点对比什么的,裁裁图,加一点暗角,这张图片就完事了。还是挺简单的吧。


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最后,我想说一下。除了人像创作外的很多作品,建议不要过多的使用主观颜色,这样会让人感觉很怪。调色除了漂亮之外还要合理,这样的图片才会使人觉得有亲切感和现实感。最佳办法就是通过色温控制,在相机上在电脑上都可以加以控制,最主要是先去认识它理解它。无论是风光、人文、人像、婚纱、婚礼、商业、这都是至关重要的。


最后谢谢大家的耐心解读,希望对各位摄影师朋友都会有所帮助。


这算一个经验分享吧,为我要出的专业合成教程做准备,先偷跑一张最简单的合成。





【电影色调】打造完美色彩

Terry F:



不少朋友提过这样的问题“如何调出电影色调”。很遗憾我无法回答,因为不同的电影有着不同的调色方法,同一部电影中也会根据剧情需求在色调上发生变化。但如果就事论事,我今天倒想和大家聊一聊银翼杀手2049这部电影。




更精彩的视频课程:


https://www.bilibili.com/video/av19194180/


之所以选《银翼杀手2049》这部电影,那是因为对于摄影师而言,它简直是一本调色的教科书。它的色调如此出色,以至于影片里激烈的打斗场景都不需要靠倾斜构图来增加动感。



在电影中,我们可以看到大量的逆光场景,高反差场景,我们还能看到冷暖互补色调,浓烈或是清淡的单色调,以及受到许多人青睐的高级灰色调。





首先让我们来到电影中第一个场景,主角K来到Sapper Morton的家中收人头,从一小片高饱和的橙色走进一大片低保和的青绿色之中。



这两个颜色在色环上看起来并不符合色彩和谐原则,



如果是以对等的饱和度出现的话,这种不和谐产生的效果是非常强烈的冲突感。



但处在暗中的青绿色的饱和度非常之低,几乎可以忽略不计,一方面削弱了整体画面的色彩冲撞,让观众看着不会过于辣眼睛,另一方面又可以增加屋内死亡的气息,而且依然起着暗示接下来的冲突的作用。可谓一举三得。





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下一个要聊的画面发生在男主完成一系列调查之后,他决定在红灯区安静地装个逼,乍一看这个画面色彩斑斓,如果要用色环来表示的话,恐怕不便于观看。但是让我们静下心来思考一下这个画面该如何表现。




首先,男主处于人群之中,虽然位置接近画面中心,但所占面积不大,处理不当,存在感就会很低。就像我们在城市中拍摄夜景人像一样,想拍全身的时候,人物很容易被五彩斑斓的环境淹没。那么电影是怎么解决这个问题的呢?仔细观看,我们能够发现画面的颜色虽然丰富,但它们是按照由近到远,从右到左分布的。



近处前景的两位吃瓜群众的头发和衣服都被染成青色,和桌子地面以及右边的背景混为一体。左边远处背景的主色调为高饱和度的橙色。中间区域是主角所处的位置,这也是介于前景和背景之间的中间层,这块颜色染成了原谅色。于是我们可以看到一个这样的色彩渐变。



这个渐变和色环上从橙色到青色这一段是基本吻合的。



当我们感叹这一牛逼调色的时候,千万别忘记了右边隐约可见的橙色出租车,这样一来画面左边右边都有一块橙色区域,让整个场景的色彩分布十分平衡。同时,车身颜色明度和饱和度都相对较低,与这一块背景的青色和谐相处,不会夺取左边高饱和橙色的存在感,也不会改变色彩渐变的大体方向。





这个画面处理的真的相当出色!




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再后来,男主在调查中发现了自己的出生是一个真实的谎言,但最终还是个谎言,他义无反顾地坑了自己的长官,千里迢迢来到被遗弃的城市坑自己的亲爹,当然,那也不是他亲爹。



抵达亲爹藏身之处的时候,男主缓慢地走过了赌场大厅。这个画面用彻头彻尾的高饱和橙色渲染了一个充满了辐射与污染的险恶环境,也让这个环境变得十分壮美。



单色的照片视觉冲击力非常强烈,感情色彩也十分浓郁,因为它在颜色上没有给观众任何思考的空间,直截了当地把故事情感塞到观众脑海中。但是当我们试图把照片变成单色的时候,又往往出现这种尴尬的情形。



如果一个画面没有了色相的变化,那么我们在色彩上只能调整明度和饱和度这两个选项。而电影正是运用了这种方法让单色的画面变得有立体感。


让我们利用PS里面的混合模式去掉这个画面的光影只保留颜色,此时可以看到电影画面的饱和度变化



再去掉它的色彩只保留明度



然后我们将这个明度图层和颜色图层同时开启就会得到原本的画面,由此可以发现这个画面的饱和度随着明度而变化,亮部饱和度高,暗部饱和度低。



同理,电影里其他单色画面也是运用了类似的方式表现质感与层次。





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在电影的最后,男主为了救别人的爹终于把自己坑了,倒在雪地里奄奄一息。



这里用到了大家所谓的高级灰色调。整体青色偏绿的雪地上,几条青色的线勾勒出阶梯以及男主的身体,除了皮肤上那一点点血色以外,整个画面都充满了寒冷的色调。



整体明度并不算高,饱和度也不高,色彩搭配完全符合高级灰的特征。但是注意了,倘若你想在雪地里拍妹子,然后调出这样的高级灰色调,恐怕画面会显得十分脏,你的妹子也可能变成别人的女朋友。除非你能找到电影里这样没有任何复杂层次的纯粹之景,而且模特穿着打扮上也没有任何多余或不和谐的颜色,而且需要灰暗的画面所带来的情绪。当然,就我的经验来看,这种情况非常罕见。哪怕是我自己这张环境简单,光线昏暗,题材压抑的观念摄影作品也不敢轻易让照片发灰。让所以咱们可以学习高级灰,但是千万不要以为这是个万用色调。





我们对这部电影的分析就暂时告一段落。希望大家对电影的色调有所收获,重要的是学会我的分析方法,对你喜欢的电影片段进行分析和模仿,把精彩的色彩带到作品中去。也请大家持续关注我的LOFTER,不要错过接下来的课程。那么现在就让我用电影里壮美的画面来结束这节课,咱们下次再见!






INS风 建筑调色教程

此圆·FoPoTo·Fanto:



上次尝试着修了一张INS风的建筑,有挺多朋友喜欢的


这次把这张图LR里面的调色部分出一个教程供大家学习参考


首先先介绍下这个楼,它是我们村目前最气派的酒店了


在瓯海大道,名字叫云天楼


当时的拍摄环境还是比较难受的,只能透过斜开窗的一条缝把相机伸出去拍,非常不方便构图,所以这楼还是构图比较局限


现在开始介绍调色


0、基本思路


先看原片,因为原片拍摄的时间是傍晚,太阳已经下山,蓝调时刻马上结束,整体色彩是比较沉闷的,且在raw中对比不够明显整体发灰,而且照片颜色有点杂乱,整体成暖色,因此我调色的思路是偏向黑金的思路,增强对比,同时进行色调同一的后期。


1、基本调整



基本思路是去灰加对比,首先减曝光,提高光,这样亮部不会过曝,提亮阴影,提取暗部细节,提高白色色阶,降低黑色色阶,使画面对比度更强烈,去灰通透,提高清晰度和去朦胧,进一步去灰。


2、镜头的矫正


这步也可以放在第一步,我基本会放第一步进行矫正(这张图忘记了,放在了第二步),勾选删除色差和启用配置文件,可以有效拉直建筑的横竖线,消除镜头畸变。如果镜头色散太过分,我们要进入到手动里,配合放大画面来去除绿边和紫边





3、曲线的调整


曲线的调整就是经典的对比度曲线和提亮暗部曲线,作用是为了增加图片对比图,同时让暗部不会太死黑,让暗部呈现灰度,有种胶片的感觉





4、滤镜调整


这步在完成以上步骤后,使用径向滤镜和渐变滤镜对整体影调进行粗略调整






使用两个径向滤镜提亮了天空和左下地景,这样天空不会太沉闷,而且左下地景不会显得太暗,同时提亮了雨天的路面,显得更有质感


接下来用径向滤镜调整影调。主要强调建筑体几个较亮的区域使其更亮,让建筑更有立体感












有提亮就有压暗,发现屏幕这块因为雨水雾气使得这块区域过亮,整体画面不协调,我用一个径向滤镜压暗处理



这样就完成了整体影调的进一步的调整




5、HSL调色


这步骤是本教程核心关键


思路就是色调统一,将黄、红色往橙色方向统一;绿,紫洋红往蓝色方向统一,使整体颜色趋向同一种色调,画面更加和谐


饱和度方面也是去除了除橙色和黄色的饱和度以外的所有颜色,因为我发现即使使用色相调整,也有一部分色调无法达到我预期理想,直接来个减法,更有效


明度的调整纯粹看你自己的判断,因为我想强调橙色和黄色,因此提亮了这两种颜色





6、色调分离


这步是为高光和阴影上色,同时也有统一画面颜色的作用



我让天空呈现紫色,是为了搭配黑金紫,这样画面会更生动,当然天空也可以去色,呈现黑白,画面会更沉稳。






至此该图的LR调色就完成了,剩下的就是进入到PS里面调整水平,去瑕疵等细节操作,就不在这里赘述了,因为该图的核心调整就是在LR里。


感谢各位的阅读(感谢你们的流量和时间),希望大家喜欢






【看电影学摄影】电影的构图、色彩与光影(综述)

Terry F:

前言:相信大家曾被电影画面感动,想要拍摄一样的摄影大片。
电影里有许多值得摄影师学习的知识,我将在这一系列的教程中尽力为大家详解,希望能对大家有所启发



在看电影的过程中学摄影,真的可行么?似乎在我们眼中,摄影与电影的功能完全不同,除了纯艺术领域的作品,前者主要服务于生活留念以及充实新闻内容的素材,而后者则更多是作为娱乐消遣进入我们的生活。


【本教程为系列课,本篇为综述,课程将持续更新,详细讲解光影、色彩以及构图】


图示来源:网络


但是从本质上来看,电影无非就是一系列静态的摄影照片组成的动态画面。两者在性质上是完全一致的,只不过摄影使用静态画面进行表达的方式自由度较高,不论是抽象派还是堪的派,或者与其他艺术形式相结合,都可以成为完整的作品,但是依赖动态画面的电影则在创意和手段上受着各种各样的约束,缺少一些元素或者内容则不成电影。或许在这个特点之上,我们可以将电影视为摄影在某一方向上的延伸。


不过也正是由于电影制作难度远高于摄影师拍照,它需要高额的投资、庞大的专业团队以及资深导演来确保影片质量,这也赋予了电影极高的门槛,让电影所呈现出来的画面十分专业和严谨,对内容和情绪的表达也更加精确。


这些特点也正是“教科书”所具备的。让尚处在提升阶段的摄影师在电影中学习摄影知识也是十分妥当的方法,大多数成功电影的构图、光影以及色彩,都如教科书一般完美,都可以成为摄影师学习的典范。



在此之前我做过一个分析《银翼杀手2049》电影色彩的视频教程。简单地谈了一下那部电影里有哪些配色方法可以挪用到摄影中来。虽然举例的画面不多,但是在做准备工作的时候,我保存了一百多张电影截图,每一张截图都值得从不同角度大书特书。而以我对电影和摄影肤浅的知识来看,这些见解也只是冰山一角。那么在今天的课程里,就让我们聊一聊电影能够教给摄影师哪些有用的知识吧。


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 1. 构图


许多电影在构图上可谓十分严谨。许多成功电影在构图上可谓做到了每一帧都有理有据。这里用一个很常见的手法来进行讲解。在《银翼杀手2049》中,大量场景都巧妙地运用了消失点这个概念。



所谓消失点并不单纯是画面中的点,而是线条由近到远消失在画面内某一处的透视现象。利用好线条的这种特征可以让画面充满景深和立体感。



实际构图中,消失点需要和其他元素合理搭配才能产生强烈的效果。


下图中,建筑物内部的线条消失在画面左边的黑暗中,三个人物的站位也和线条走向保持一致,呈现出由大到小、由近到远、从右到左的排列顺序。让观众顺着线条把注意力放在最远端的人物身上



下面这个场景也运用了同样的处理方式。两个人物和远处的门形成了三个点,与房间里的线条和谐相处。当然这一次导演不希望大家盯着远处的门不放,因此门的颜色和墙壁一致,降低了存在感,只是作为消失点的区域存在于背景中。



下图这个场景也是如此。将消失点置于画面的一端,近处的主角和远处的人群顺着灯光产生的线条方向分布,让画面纵深感十分强烈。



在摄影的过程中,我们也可以运用电影里的方法,在合适的场景内寻找消失点,并将消失点置于合适的位置,展现场景的纵深。我拍摄的下面两张图都用到了这个构图技巧。


 


第一张风景图,调整相机高度,让两条铁轨产生的线条指向画面中心位置的隧道。



第二张是环境人像,人物作为主体同样出现在画面靠近中心的位置,栅栏以及水面形成的曲线同样可以制造消失点,让人物出现在消失点的位置,可以让线条引导视线走向,突出主体的地位。



除了消失点的运用,电影中还有许许多多值得探寻的构图方式,譬如画面中各个元素的平衡,以及将人物放在边缘或者角落的极端构图方式。这些内容都会在之后的课程里逐一展开。


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 2. 光与影


光影能在电影中产生强烈的视觉效果,表达各种情绪,巧妙对光影进行布置,可以让场景和人物更加立体,也能增加氛围。电影中的布光方式在摄影中也有着同样的作用。我们不妨以《海蒂与爷爷》这部电影中的布光作为案例进行分析。之所以选择这部电影,是因为其中布光简洁有效,同时非常细腻,以至于难以察觉人造光对画面的影响。


下图看似只是简单的室内场景,画面中间靠右窗外射进来的温和的阳光照亮了室内,也衬托出了人物的轮廓。但是实际上当镜头、主体与光源成一直线排列的时候,主体会挡住光源而完全成为黑影。



虽然在某些场景下,剪影的确别有一番风味,但是当环境在光照下十分立体的时候,主体倘若变成剪影了,就会导致地位下降,也不能很好地融入环境。



但是仔细观察一下电影画面,人物并没有变成剪影,反而在左侧出现了轮廓光,十分立体,也在画面中偏暗的区域凸现出来。或许细心的人已经发现了人物的影子方向与窗口光源方向不一致的现象吧。显然,画面以外的左上方还有另一个光源,单独照亮了人物。避免了将人物变成剪影,导致质感降低并且融入黑暗的背景中的问题。



电影中还有其他许多地方都用到了多个光源,或者用人造光模拟环境光来塑造人物立体感,以及烘托主体。上图的片段中,剧组同样使用了画面以外的光源照亮人物正面以及模拟人物身后的蜡烛光源(很显然,蜡烛光强远远不足产生足够的补光)。



这些技巧可以给我们在摄影布光上给予重要的启示:


布光需要立体,需要突出主体,并且要用合适的光比让人造光融入环境光。


(圣诞树作为主光源,外加两灯补光,控制光比)


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 3. 色彩


电影中的富有质感与诗意的色彩似乎一直是许多摄影师所梦寐以求的效果,以至于许多人做了许多电影效果的LUT以及Lightroom预设。但是很遗憾,不少套用这些预设的片子并没有电影效果,反而比原片逊色不少。这是因为对电影本身的配色思路不够了解,盲目套用后期预设所导致的结果。


 


那么学习电影色调,最基本的就是要学会分析电影中的配色和调色思路。我在之前发布的视频中解释了《银翼杀手2046》中灵活运用的配色方式,其中最重要的不一定是后期如何调色,而是利用布光和场景中各个色彩的搭配营造出合适的色彩。感兴趣的朋友可以去看一下我制作的视频课程:


https://www.weibo.com/1575333582/G1TPzlPXe?from=page_1005051575333582_profile&wvr=6&mod=weibotime


以及相应的文字教程


http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_1230c9db


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 4. 形式与内容


我们经常感慨电影中巧妙的构图,绚丽的色彩以及震撼的光影,却容易忽略这一切形式上的安排都是为故事服务的。没有故事内容,一切形式都显得空洞无力。许多摄影师由于太注重作品的形式美,让他们的作品看起来十分“糖水”,缺乏内涵。


 因此我们在讨论电影的时候,一定要将构图、色彩和光影等形式上的技巧与具体的内容相结合,分析清楚了内容对形式的需求才能有效地把握形式美。


 例如在电影猩球崛起3中,为了表现人类的冷酷无情,使用了强烈的分割光将反派人类半张脸完全放进黑暗中,甚至连眼睛都看不到。相反,在他对面人情味十足的猩猩却获得了较为柔和的布光,也能清楚地看见充满人性的双眼。此外,人类在构图上处于画面偏右而猩猩则在正中间,这也是为了在对比中突出猩猩的主角地位而巧妙安排的。




一个看似简单的电影对白画面包含了大量技巧与思路。摄影也是如此,不论采用何种布光,构图,还是色彩,都要和内容紧密结合。


这也就意味着我们在摄影的时候,一定要先明白自己试图在照片中想要表达的情绪或者观点。譬如在上图中,我需表现人物情绪的安静,那么重点就是人而不是景,大环境中突出人物的最基本方法就是把主体放在画面中间,因此使用中心构图。通透明亮的环境可以带来清新的感觉,也能够烘托安静这一情绪,因此选择在太阳落山之前,在逆光方向进行拍摄(太阳落山后光线太柔和,缺乏方向性,情绪略显压抑;太阳角度太高,直射光太强烈,情绪感较强,不符合安静的题材)。最后考虑到表达安静情绪的色彩往往是低饱和度的冷色调,因此在后期调色的时候选择了蓝色和青色为环境色调,渲染气氛。



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 总结


总而言之,我们在摄影中所做的每一个选择都需要有强烈的理由,摄影师需要知道他们的理由,并和画面所需要表达的情绪与观点联系起来。恰好电影中每一个画面都有着很强的故事性以及情绪感,拍摄过程中也非常注重利用各种元素讲述故事,强化情绪。因此在分析电影的过程中,我们可以了解到专业拍摄团队选择构图、光影和色彩的理由,给我们摄影以巨大的启发。


 最后,希望大家在这篇文章中也能有所收获,意识到电影对摄影师的巨大帮助,在今后的课程中,我也会有选择地为大家推荐一些值得学习的电影并讲解其中的摄影奥秘。


这篇教程的视频版将发布于b站(因为时间太长,无法上传微博)




欢迎大家关注我的公众号,一些零碎的摄影心得会发布于公众号:Maybephotography





【看电影学摄影,构图的层次感】《猩红山庄》

Terry F:




电影,是大众的消遣,却可以成为摄影师的教科书。电影的艺术性和严谨的制作让摄影师可以从中挖掘源源不断的理念与技巧。除了我在上一讲中提到的电影配色以外,电影里还有许许多多值得我们学习的地方。今天就让我们来看看《猩红山庄》这部唯美的电影能为我们的摄影带来什么构图上的启发。


那么就让我们打起精神来,好好研究一下电影是如何让构图既满足剧情需要,又满足观众的视觉需求的吧。不过需要提醒大家一下,电影的构图往往处于运动的状态,有时候需要一系列视角的变化才能完成内容的呈现;而摄影则是用一个静止的瞬间来传达内容,因此我在用电影谈摄影的时候,只会选取一组连续镜头中最具有代表性的一个或多个画面来进行解析。


 


在夫妻二人乘坐马车抵达男主托马斯的庄园的时候,镜头从贴近地面的位置开始拍摄,随着马车的出现与前行逐渐抬高,一直越过大门顶部,最终完全越过大门,目送着马车远去。这一组镜头里面的构图方式十分有趣。


 


在进行详细分析之前,我们先得谈一下视角的高与低产生的构图特点。这里有两张我曾经拍摄的照片。



同一个场景,同样是齐腰高的植物和漂浮的气球,如果把相机位置放低,镜头角度抬高,那么画面中天空比重就会增加,而地面的内容就会被压缩到一个狭窄的区域里,远处的景物基本消失,许多同样高度气球也会重叠。这时候画面景深变小,层次感减弱,而主体更加突出。相反,如果举高相机,压低镜头角度,那么天空范围缩小,地面的内容得到展开,原本融为一体的地面内容互相分离并拉开距离。此时景深增加,层次感加强,更利于呈现环境或者讲述故事。


 


电影中利用了这个原理,用低角度产生的构图突出大门的高大,让大家跪着看看土豪的门是什么样的





然后随着马车在画面中的移动逐渐将视角抬高至正常站立观察视角,让观众舒服地看一看土豪的车是什么样的





最后让镜头飞到空中俯视全景,展现大门到建筑之间遥远的距离,让大家上天看看土豪的院子有多么广阔。


 


用低机位突出主体或者展现宏伟的景观以及用高机位呈现环境内容或者阐述故事的构图技巧在电影中比比皆是。


比如女主伊迪斯在遛狗的时候,低机位的镜头把人物置于天空的背景之下,压缩杂乱的地面,降低层次感,突出人物。


 


而在女主检查偷来的录音的时候,用了高机位的俯视镜头交代环境,增加层次感,展示了空旷的室内,似乎每个角落都会有新的故事即将发生,增加紧张的情绪。


 


在影片的高潮中,低角度镜头排除了室内大部分环境信息,放大了将两人之间激化的矛盾所产生的压迫感,也让人物在明亮的窗前更加突出。


 


而当伊迪斯在采矿机械旁寻找杀父仇人的时候,又短暂地采用了高角度俯视来交代环境和故事。


 


因此我们从中可以学到在摄影中,尤其是拍摄一组故事性的照片的时候,可以交替使用低机位和高机位的构图来呈现不同的内容。


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电影中另一个值得我们关注的构图方法就是尽可能在纵向上营造三个或更多的层面,将需要突出的主体置于画面的中间层。电影和摄影一样,都是用平面来表现立体世界,那么让人产生立体感的方式就是增加纵向上的内容。让前景和背景把主体夹在中间,可以让观众产生主体置身于场景的感觉,也可以更大程度地交代环境,强化氛围。


 


这一点在利用长焦大光圈拍摄半身的时候更为重要,有时候画面没有体现人物和地面接触的位置,就容易让人物看起来像p上去的。


那么此时我们可以像电影中一样让一些前景进入到画面中,不论是桌上堆积的书本,还是挡住人物的枯枝,包括手中握着的蜡烛,还有下了毒的茶杯。所有可以和环境或者人物产生关联的内容都能够作为前景,大幅度增强画面的层次,让人物更加完美地融合进场景。


 








电影中有着成许许多多巧妙的构图方式,它们的理念和方法大多都可以用于摄影。今天我们在电影中看到了不同高度的机位所带来的效果,也强调了构图所呈现的纵向内容决定了画面的立体感。希望大家有所收获,在接下来的视频中,我们将谈到构图中最重要的两个要点:极端与平衡。欢迎届时关注。


 


再次感谢大家的阅读!




欢迎提问讨论~



愚蠢的构图:黄金分割与三分法!

Terry F:

前言:


“成功的构图就是强烈的观察方式”,黄金分割和三分法是完全错误的。


这不是哗众取宠,


愚蠢就是愚蠢,没有灰色地带,不要给自己找理由和台阶。



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愚蠢的黄金分割

一切以画面中不存在的线条来控制构图的行为都是愚蠢的。用数学领域的黄金分割法来控制构图更是可笑至极。


相信大家在刚开始学习摄影的时候已经接触了不少的教程和文章急切地向你灌输黄金分割或者三分法的妙用,鼓励大家把主要内容放在这些横竖的线条交点上。他们还会告诉你古希腊人在研究数学的时候发现了这一特性,可以表现和谐,是广泛存在于自然界的一种现象,是人体各个部分的比例也是人类的视觉焦点。


来源:影视工业网(百度百科)


按照这个理论,你吃鸡用的八倍镜应该设计成这样才对:



然后还有一些教程再列举说明《蒙娜丽莎》的脸是黄金矩形等等。



来源:手机摄影构图大全(简书)


按照这个理论,达芬奇对蒙娜丽莎的鼻孔最感兴趣。


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黄金分割是怎么成为“真理”的

但是他们在教程中夸夸其谈的时候却浑然不知黄金分割是作为一个数学现象被发现的,也仅仅只是一个数学现象而已,或许自然界中有些东西恰好落在了黄金分割的位置附近,但大自然在万亿年的演变中并没有哪位造物主用尺子量着去修正生物的进化方向。


最初将黄金分割应用到艺术上也只是源于一次误解。1799年马里奥•里维奥他写了一本关于黄金分割的书,将黄金分割与方济会修士卢卡·帕西奥利的学术发现联系在了一起。而在帕西奥利本人并不赞同将黄金分割运用到艺术上,他于1509年编撰的《神圣的比例》反而更加推崇公元前一世纪的建筑大师维特鲁威的系统合理比例。只是因为帕西奥利与达·芬奇是好朋友,而达芬奇的一幅名为《神圣的比例》的插画让人们以为达芬奇就是因为使用了黄金分割才能创造出这样优秀的作品。



达芬奇《神圣的比例》


在论证黄金分割的过程中,人们的分析方法也存在巨大漏洞。很少有人去问艺术家:嘿,你这张图是用黄金分割画出来的么?反而抛开因果联系,用统计学的方法去计算黄金分割的使用率。在十八世纪之后更有一些人用统计学的方法将黄金分割比例关系扩散到音乐、绘画、雕刻、建筑等各个领域,在这些始作俑者的人里面难以找到真正的艺术家。说白了就是一群数学家用数学的方法将数学理论强加在艺术上。如此荒谬的理论和做法却像流感病毒一样飞快地扩散开来。


因为人的本性就是想走捷径,想偷懒。


人类是懒惰的生物,总是想着用简单的定律去理解自身复杂的现象:网络上随处可见试图用一两句话概括大智慧的“大师”,现实中也不断有人用几个词语来给别人打上标签,从日常生活中的818到算命先生提出的弦理论都是如此。难得有一些具有探索精神的人用科学的办法去理解现象,但他们的论述却再次被淹没在懒惰和无知之中。因此,黄金分割这个“懒惰”的方法顺理成章地被世人所认同。



或许对于一些人而言,(√5-1)/2≈0.618 这样的黄金分割表达式都难以理解和应用了,于是干脆进一步简化成三分法,也就是将画面分为横竖三等分,利用这样四条线来进行构图的方法也被称为井字构图,线条交叉的位置被认为是视觉的兴趣中心,应当把焦点放在此处。介绍到这一步,可能聪明的你已经发现黄金分割并没有和三分法的线条重合,如果黄金分割是视觉兴趣中心,那么三分法则不是,反之亦然。可笑的是,就是这样两个互相矛盾的理论被许多人认为是同一件事。大量的文献中都充斥着“黄金分割又名三分法”这样的开篇论述,可见作者完全没有去考究这两个名词的真正意思,盲目地承担着一个错误理论的传教士。


来源:百度经验文章 发布者:lvyu87816


用黄金分割或者三分法来解释视觉兴趣中心毫无根据,那么人眼的视觉中心到底在哪呢?我们不妨做个试验



如果给你一张这样的卫星地图,请问你最先看到哪一部分呢?



是黄金分割的四个点?



还是画面正中心?



还是画面里,明度反差较大,色彩反差较大,或者纹理有特殊规律的区域呢?


如果画面没有明显规律,我们的视线首先会落在画面中心点,找中点是我们的视觉习惯,也是我们很擅长的事情,现代枪支使用觇孔式瞄准器也是源于这个道理。



当我们看的物体能够让我们察觉到它们某一部分比其他部分更重要的话,我们首先会去找到这个重点(或者画面异常区域)。在地图上湖水和海水的色彩和明度都和其他区域大不相同,中间有一些有规律的纹理线条,这些都是吸引我们目光的区域。


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放弃了黄金分割,我们该如何构图?

千万不要以为我这篇文章是为了打破规矩而写。


要知道,任何打破规矩的行为,都是有着更高级的规矩来给予支撑的。


那么请大家切记:一切以画面中不存在的线条来控制构图的行为都是愚蠢的。


我们理所应当以实际的内容和主题情绪(作为规矩)来进行构图。



以上图为例,我在拍摄的时候,将人物放在中心区域,原因并不是单纯是为了利用“视觉兴趣点”来提高主体地位,更主要是为了平衡画面左右的“分量”。



画面有三个元素:鸟,人和裙摆。其中裙摆画面占比最大,但是明度较低,与背景没有太大反差,存在感低;鸟画面占比最小,但是明度高细节多,与背景反差也很大,存在感最高;这两者在面积与存在感的权衡下,已经让画面左右达到了某种意义上的和谐,因此主体理所应当需要放在中心位置来维持这个平衡。


照片的地平线没有像某些教程说的“放在黄金分割线上”。因为在这张照片中,黄金分割地平线会让上部太“轻”或者底部太“重”,打破原本的平衡。


希望上述讲解能够让大家明白构图的复杂性,我们不能只通过考量画面中的一两个要素做出最终的构图,必须综合考虑画面中的焦点、线条、光影和色彩各自所处的位置,根据主题和情绪的需求,要么让画面元素要么以某种方式在视觉上平衡,要么发生冲突产生矛盾。


下面两张电影截图,大家不妨用上述思路分析一下构图原理吧。



切记:

用画面中不存在的线条去规定构图方式是十分荒谬的做法。


但是我们一定要找到更高级的“规矩”来打破低级和错误的“规矩”。


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写在后面的话

我第一次提出上述观点的时候,受到了许多强烈的反对意见。似乎一些人觉得有些名作里使用了黄金分割,就说明这个方法一定是对的。


这种态度就等于重蹈统计学的覆辙。许多作品中的主体,是因为其他原因恰好落在了黄金分割或者三分线上,另一些则是作者本身已经受到了这些规矩的误导,由于他们本身有着一定的地位,让他们的错误看起来是对的。


三分法这些东西,不会毁片,所以大家容易觉得这是对的,因为我们找不出什么毛病。但是用一种错误的方式去思考构图,只会限制摄影师对画面的理解,制约进步。


这就像当年大家都觉得喝板蓝根可以预防“非典”一样。没什么坏处,但也没什么卵用,有这抢购板蓝根的精力,不如做好其他更有价值的预防工作。


不过好像喝板蓝根比其他预防工作更简单呢


所以还是去抢板蓝根吧。



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微博上的一些提问(建议)以及回复:




留言:这么说简单点 很多经典三分构图的呈现是多种因素综合的结果 而不分素材从一开始就把三分作为目的是愚蠢的


回复:比我总结的还要精辟




留言:三分法本身就只是让一些还没审美的新手,减少犯错。如果有经验的摄影还是应该打破限制,根据表达内容来构图。我是这么认为的~


回复:如果是一个可控的教学环境,给新人介绍三分法一类的东西可以帮助避免犯错,但前提是可控的教学环境,因为之后还是需要用更先进的构图法去取代三分法。不过这个问题与本文无关,本文只讨论对与错,不聊教学法。




留言:其实这些构图上的技巧,本质上都可以用提高拍摄者的审美来代替。当审美上去了,取景的时候会很自然去寻找一种画面中的和谐,而不是照本宣科的把画面去匹配记忆中构图的点


回复:说的很好,的确可以从审美角度去谈构图,不过我感觉会把事情复杂化,聊构图还是可以稍微具体和实用一些的。




留言:存在即合理,三分法更适合基础较浅的入门者,毕竟构图最重要的是追求稳定和平衡,通过三分法能尽量减少犯错的几率。当然有一定的经验之后就需要打破这些规矩,根据实际情况去创作。我是这么认为的


回复:从哲学的角度去说,存在就是存在,合理有两层意思,一层是“合乎人类之道”,此时合不合理是人来定的。比如说防火烧山,曾经合理,如今不合理;三分法曾经合理(因为缺乏论证),如今也不合理(因为有了新的论证)。另一层是“合乎自然之道”此时实际上这是个废话,因为存在就是存在,万物皆自然之道。


不过话说回来,你讨论的东西是教学法,而不是对与错,所以与本文无关。




留言:“算命先生提出的弦理论”……额……大概我理解错了


回复:当爱因斯坦提出的广义相对论与量子物理发生冲突之后,物理出现了两套法则,一套是宏观宇宙的广义相对论;另一套是微观世界的量子物理的理论。人们一直在努力统一这两个理论,想找到一套能应用于所有情况的理论。于是就有人用数学的方法算出了“这个世界是由震动的弦组成的”。这个结论是无法实验论证的。所以充其量只能算一个哲学理论,就像二元论一样,你说人类有没有灵魂?这也是无法实验的。


黄金分割和三分法也是出于这样的目的,想用一套规律去总结所有构图。这种行为很天真。因为我们还没有强大到能够给所有现象都找到同一个规律。许多看似高大上的“一句话”总结行为,都挺幼稚的。



谈摄影师审美:提升作品水准的第一步

Terry F:


前言:


审美是摄影师的必修课,是拍摄任何一套作品的起点,也决定了这套作品最终的高度。如今这个急功近利的社会逼着摄影师追求速成和营销而不注重作品本身的价值和个人提升,这也最终导致许多人的摄影生涯止步不前乃至一落千丈。


那么让我们从批评当下审美误区开始,逐步了解摄影师需要如何看待审美,培养审美以及如何去评价一个作品的好坏,进而介绍提高审美水平的方法,帮助大家寻找追求与努力的方向。


目录:


1.       审美自满与审美偏执


2.       审美水准的高与低


3.       审美的局限性


4.       作品好坏的判断依据


5.       如何提高摄影审美


 1.     审美自满与审美偏执


或许摄影师最喜欢给自己找的借口就是“每个人都有自己的审美”。这句话仿佛也变成了烂片的免死金牌,为我们当中不少人挡住了同行的质疑、客户的不满、观众的嘲讽乃至朋友的建议。



我们是如此害怕别人质疑自己的审美啊!


我们会敢于在摄影工作上玩命,会勇于承认自己技术上的缺陷,我们毫不犹豫地自嘲行业前途,甚至改变自己的性取向来结交摄友。


谦卑的我们对自己的审美却有着绝对的自信!



我刚入行不久的时候,曾有朋友在看过我的片子之后说“我怀疑你的审美有问题”。我听了之后非常愤慨,仿佛自己存在的价值受到了鄙视,以至于后来很长一段时间都耿耿于怀。


过了很多年以后,当我无意间翻到之前自己拍的照片,却不禁感叹“我当年的审美是不是有问题?”


作者:幼年的Terry F





出镜:幼年的Terry F


这就是我们根深蒂固的“审美自信”。正是因为我们当初又聋又瞎,自命不凡,才敢拿起相机自称“摄影师”“自由摄影师”“新锐摄影师”。


比“审美自信”还可怕的是“审美偏执”,前者只是阶段性疾病,学的越多,自信越少,时间长了大多自愈了。而后者基本上是无药可治,他们对具有某一种特征的作品如痴如醉,却对其他的形式与风格嗤之以鼻。他们自以为有所追求,而追求带来的满足感只会进一步使之膨胀。



不论是“审美自信”还是“审美偏执”,我们在感受到威胁的时候,都会条件反射一般地掏出“每个人都有自己的审美”这句话,强行结束争论,反弹伤害。我们似乎永远都不敢承认:


 2.     审美是有高低之分的


但是,我们讨论审美高低,只能在某一领域之中进行。一个时装设计师不一定欣赏的了重金属音乐,一个作家不一定能看懂行为艺术。


不信我们来做个试验:


图片来源:第一车网


相信大多数女性都会认为上图两辆车,除了颜色以外没有任何区别。


图片来源:拍信网


相信大多数男性都难以答出上图中各个物件的名字,因为在他们的词汇表中只有“化妆品”这一个统称。


因此我们在讨论摄影审美的时候,不建议去咨询对视觉艺术这行一无所知的人,不论他们在文学、科学亦或是经济政治上有多大贡献。


似乎批评外行是非常容易的一件事。但我们自己的审美就毫无问题了么?


我一直有这样一个观点:一个摄影师,如果他没有惊人的天赋或者对其他视觉艺术领域颇有研究的话,他的摄影审美水准只比他当前的摄影水准高一两个等级而已。


我从未严谨地考证过上述观点,但从我的经历和对旁人的观察来看,似乎的确如此。(当然,我也非常欢迎大家在评论里为这一观点提供支持或反对的数据)。


例如:我在2009年拍摄下面这样片子还引以为傲的时候,是绝对无法欣赏一些看似无聊却很有内涵的作品:


作者:幼年的Terry F




左图:Milan Vopalensky;右图:墨迹


在刚刚入门的时候,左边这张图会让当时的我感到莫名、无趣和缺少光彩。而右边那张图上浓厚的后期色彩和酷炫的光效却会深深吸引我的眼球。


而当我能够拍出下面这张作品的时候,我的欣赏和理解能力只是扩展到了观念、超现实或是抽象摄影这一类我很感兴趣的流派,我对达达派依然充满不解,对立体主义依然充满畏惧。


作者:年迈的Terry F


左图:毕加索;右图:Oprisco


大概造成这一切的根源就在于我没有超人的天赋,也在很久之前就放弃绘画的缘故吧。


我就像大多数摄影师一样,需要靠持续的努力和学习来一点点进步。


必须强调,审美其实就是个人的评价标准,标准在你对某一领域的知识经验上建立,这个标准的有效程度是以你在这一领域拥有知识经验的多少决定的。也就是说,你看的摄影作品越多,学的摄影知识越广泛,实践拍摄后期操作地越长久,与同行交流的越频繁,那么理论上你的摄影审美水平就会越高。


你只看某一种固定风格的作品,只去理解某一种特定的思潮,只学习那么寥寥几个大师的话,那么你就容易产生“审美偏执”。



倘若你刚刚入行不久,对艺术史一无所知也没深入学过绘画之类的艺术,看片范围停留在贴吧微信和qq空间,那么切莫对自己的审美抱有太大希望,切莫急于评判他人作品,也切莫随意与人争辩。



 3.     审美的局限性


我们都知道,让一个长期拍人像的摄影师来拍风光,他拍出来的很有可能只是“到此一游照”,让一个执着于风景的摄影师来拍人像,可能作品会显得十分平庸。虽然大家都是摄影师,但是钻研方向不同,获得的经验也就不同,审美标准也会有很大差异。


我一直是人像摄影师,当我刚开始拍风景的时候,效果是这样的:


作者:不会拍风景的中年Terry F


当时信心满满地把照片发到500px上,却一举获得了0分的殊荣。


而当时我的人像作品是这样的:


作者:拍人像的Terry F


这两张图在水平上的落差相信一眼就能看出来。


我刚开始拍风景时的照片就像我拍的无数扫街照片一样,毫无价值。


Deep Dark Fantasy



虽然后来我在朋友的帮助下逐渐找到了风景摄影的节奏,但照片水平绝对无法赶上自己同时期在人像上的作品。


作者:Terry F


我更多的只是利用学习风景和扫街的这段经历去丰富自己人像创作的手段和审美而已。


因为人像是我的激情所在。


我的天赋是如此普通,这也就赋予我的故事更广泛的参考价值。倘若你已然是一位人像大师,那么切莫像我当年一样,狂妄地以为自己在的风景和人文上的审美也可以达到同等水平。


或许有人要反对我的观点了,因为他们会认为的确有不少摄影师的人像、风景、纪实乃至其他方向的作品都同等优秀。那么请务必确认,这些摄影师不同领域的作品到底是“同等优秀”还是“同等平庸”


不同领域里面有着不同的审美标准,不同时代和文化也会产生不同的审美,从早期的绘画主义摄影到当代的快照美学,都饱含着艺术家在各个时代下寻找摄影存在意义的努力。(参见我的另一篇文章“摄影创作系列(上) 摄影大师们的创作思想”)假设我们跨越时空将各个时代的大家聚在一起喝茶,恐怕他们会因为理念不合而大打出手吧。因此我们讨论个人审美高低,最好在我们当前的时代背景下进行。


 4.     作品好坏的判断依据


任何一张作品都包含了摄影师两方面的努力:技术方面和内涵方面。我们在判断一张作品优劣与否也需要从这两方面入手分析。但是这二者在一张作品中所占比重绝对不是1:1。请看接下来的分析:


4.1    技术决定下限


引用一下自己在其他文章里提到的一个概念“你可以用一大堆技术拍出(拼凑)一个笑话,也可以用最基本的手法拍出一个经典”。但是这样说,或许会让一些人误以为技术并不重要,大作的诞生都是瞎拍乱拍产生的偶然事件。


下图或许是我在观念摄影里面拍摄的最平庸最无趣的作品之一吧。为何这么说呢?因为我在构思之初试图探寻时间与空间的关系,却用了最生硬的方法将代表时间的时钟和代表空间的宇宙随意拼凑在一起。没有明确内涵的表达也没能引发观众的延伸思考。


张照片无法呈现我所期望的概念,因而不论在技术和后期上如何弥补,都只能是使之达到“技术上合格”的程度。


作者:Terry F


首先是在拍摄上运用景深合成的技术。


拍摄前景:



拍摄中景:



拍摄背景:



三张照片参数均为:


焦段:16mm


光圈:f3.5


快门:25s


ISO:4000


由于镜头呼吸效应,三张照片并不能很好地对齐,此处需要在PS中进行调节。



更换表盘数字


最后分区调节曝光和色彩,进行锐化和氛围渲染,让前中后三张照片完美融合、各个区域曝光度合理,暗部细节可见,光影有质感且色彩符合夜晚氛围。



以上所做的一切,都是为了让照片在技术上合格,让观众不会觉得作者拍摄和后期存在严重缺陷,至于为什么要把时钟放进画面,观众不知道,我也不知道。作品在内涵上并没达到预想的深度。


但这至少应该是摄影师对待任何一张作品最基本的态度,也是对观众负责的态度。我们提升摄影和后期的技术,更多的只是为了提升作品的下限,减少作品中不和谐的光影、难看的色彩亦或是碍眼的bug,进而让作品最终的效果接近我们的期望。


然而我们每个人脑海中所期望的最终作品都是不一样的,因为“期望”的高度由审美决定


4.2 审美决定上限


审美水平决定了你对一张作品最终结果的“期望”,进而决定了你在达到这一期望过程中会做怎样的努力。


譬如,都是拍男女题材,可能影楼摄影师拍出来的效果是下图这样的,因为这样甜蜜的笑容,奇特的道具以及浓厚的色最能吸引外行的稚嫩的目光,这就是客户审美的“期望”,进而难免会对影楼摄影师的“期望”产生影响。


来源:网络


而一位品味独到的创作型摄影师拍出来的效果可能是下图这样的,因为简单的糖水早已不能满足他们创作的追求,虽然无意在男女这一话题上挖掘太深刻的内涵,但是表现形式却充满创意。


作者:法帝斯丁


那么一名艺术摄影师在着手这类题材的时候,固然不会拘泥于画面和表现手段,她会努力寻找人物之间的故事和联系,利用画面来提出疑问、思考人性乃至上升到阐述哲学立场。


作者:Oprisco


这三张图从技术上而言均为合格品而且拍摄和后期都不算困难,但是他们在作为摄影作品的价值上却有着巨大的落差。我们虽然拥有一定的技术却拍不出Oprisco那样的灵魂大片,因为我们审美不足,“期望”达不到她的高度,固然也不知道该如何去组合运用技术才能达到如此效果了。


 5.     如何提高摄影审美?


正如许多人说的“每个人都有自己的审美”,但是他们忽略了庸俗也是一种审美倾向,不论他们如何在言论上狂妄地将庸俗的审美与高境界的审美平等化,都无法提高他们作品的实际水平。


大家可能或多或少地从上文感觉到了,培养审美是一个长期积累的过程。大脑中关于各种摄影的数据信息储量越大,你的审美标准就越高,对好坏的判断能力会越强,对不同风格作品的包容性也会越好。那么提高审美的最佳方法就是积累更多的“数据”。


“数据”来源不外乎:摄影媒体,摄影平台,理论书籍以及相关领域的知识。而单纯地拥有“数据”也不能让你产生优秀的审美,我们还需要将这些数据归纳整理,并努力寻找不同“数据”间的联系。


当经过你整理和分析的“数据”积累到一定程度之后,相信较高水平的审美会自然产生。


积累的方法有很多,可以选择像背英语单词一样综合浏览,然后再找到自己的方向,也可以用我更喜欢的一种方法,由点到面。


例如:


假设我在1x上看到上面这张图,觉得很有意思,于是去看分类标签,该图被分类为“观念摄影”,那么我会去谷歌搜索相应关键词浏览更多相关图片。



然后也会找到许多图片作者的名字,进而根据名字去浏览他们个人网站或者主页上的照片。



很快这些人的照片会让我产生困惑和不解,那么我就意识到可能我对这个流派了解不足,那么就会去进一步搜索相关艺术摄影或摄影史的书籍和文献。


进而阅读许多相关书籍,总结出最好的几本:


Surrealism: Key Concepts, by Krzysztof Fijalkowski (Editor), Michael Richardson (Editor)


摄影的艺术,  Bruce Barnbaum(必读)




也会发现艺术摄影史的书籍非常难找,


国内有些相关文献质量又非常的低,如《艺术摄影》中国摄影出版社


于是转而在艺术史或者观念艺术领域里面寻找答案:


剑桥艺术史:20世纪艺术


Conceptual Art (Movements in Modern Art), by Paul Wood




但是这些书籍依旧难以解释艺术其本质,那么就会自然而然地上升到看哲学领域的书籍:


艺术哲学,江苏人民出版社



在学习的过程中,我发现早期观念摄影或超现实摄影艺术家深受心理学家弗洛伊德《梦的解析》一书影响,在阅读后又难以认同弗洛伊德研究的方式和结论,于是继续寻求新的解释:


Art and Visual Perception: A Psychology of the Creative Eye, by Rudolf Arnheim



那么从一张图片开始,经过一段时间的学习,我们既可以宏观地了解摄影以及视觉艺术领域的发展历程,也可以深入的学习某一领域的艺术观念、哲学以及心理学。


当然,还有网上和文献里面涉及到的海量图片。


此时你脑子里的“数据”和其他专家的思想已经足够支撑一个较高的审美评价标准,而你对自己作品的“期望”也会随着学习不断提升档次。


更重要的是,你在看过世界上如此之多的大师的作品和思想之后,或许会产生摄影师最重要的一个美德:谦虚


我现在还不够谦虚,一定是因为学的还不够多。




希望我的经历对大家能有帮助,祝大家拍出大片!


作者:Terry F


写在后面的话:


“审美”这个话题一直是我不敢触及的,因其中的批评话语具有很广泛的适用性,不管如何回避如何委婉,都无法避免一些人对号入座,甚至引发毫无意义的争执。在此我必须向各位观众说明,在构思和码字的过程中,我的脑海里绝对没有浮现任何一个特定摄影师的名字,更多的是对自身经验的总结。在此也向所有读完这篇长文的人表示敬佩。


由我主讲的系列课“十节摄影审美课:治好你的审美硬伤”将在11月底上线,欢迎关注~~



【PS教程】塑造耐看的影调:高级灰后期攻略

Terry F:



深入解析高级灰的概念以及后期方法


目录


认识高级灰...


高级灰不是灰...


高级灰与题材选择...


如何后期调出高级灰色调...


结语...


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 1. 认识高级灰


相信许多摄影师或者爱好者都听过“高级灰”这个词眼,对于好学者而言,倘若稍微搜索一下关键词,就会发现大量美术上的专业解释,例如“色相偏离原色数值”“IV区与VII区的灰度”,让人看着一头雾水。继续搜索,又会发现许多近乎玄学的解读如“纯度降低,不生不火,柔和,平静,稳重”。对于没有美术功底或者刚拿起相机不久的朋友来说,恐怕看完会对“高级灰”产生畏惧感了。


那么在我们给高级灰下定义之前,不妨先来了解一下运用了这种色调了作品吧。


作者:Ricardo Da Cunha


作者:Ricardo Da Cunha


作者:teddy hariyanto




相信大家不难发现上面一组作品都具有一些共性:



  • ·饱和度低




  • ·色彩纯净




  • ·反差不高




  • ·经久耐看



而这些共性也可以说是高级灰的共同特点了。




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2. 高级灰不是灰


见过一些讲解高级灰后期的教程,利用胶片曲线和降低鲜艳度等方法让照片变得“发灰”。笔者这里按照某高级灰教程介绍的流程对自己的一张照片进行了调整,得到了与原作者类似的画面效果。然而和原片相比,调完之后的图片虽然饱和度低,但显得发闷发灰,暗部看起来很脏,细节损失严重,更不耐看。


这一情况也反映了大多数人对高级灰的错误理解,以为高级灰就是把画面往“灰”里调,把人物调得“灰头土脸”“灰不溜秋”“灰容土貌”“灰飞烟灭”。如此操作,其结果也容易事与愿违。






即使是原片清新通透,用这种手法调整都会变得很脏。





那么高级灰到底是什么呢?


通俗地说,高级灰是一种调色倾向:颜色可多可少,但画面中各种颜色饱和度趋于一致、搭配和谐且过渡自然,不鲜艳刺眼,也不丧失光彩。


换言之,高级灰也不是简单的几个特定颜色,而是一种追求和谐的审美标准。





除此之外,决定高级灰调色成败的另一个要素就是,降低色彩纯度的同时要确保画面不会变脏。这个难点让很多人都栽了跟头,虽然画面变灰了,但是也变得很脏不通透。




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3. 高级灰与题材选择


然而并不是什么片子都需要用高级灰的思路来调色。


譬如清新的糖水人像:


作者:李小蕾


或有主题或者情绪上特定色彩需求的作品等。


作者:Charles Brooks


高级灰给人以“柔和,平静,稳重”之感,或者展现严肃和高贵气质。作品的思想和题材决定了在后期上是否需要高级灰调色。以笔者在同一场景拍摄的两张图片为例:





上图中轻松愉悦的情绪使用的色调更加鲜艳夺目



同一场景拍摄,但是思想更沉重,此时使用高级灰调色会加强图片情绪的流露。




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4. 如何后期调出高级灰色调


通过上文,相信大家对高级灰这个概念已经有了一个初步的认识。那么我们就来选择合适的题材尝试将其调出高级灰的效果。


此次选择笔者之前拍摄的“雨·伞”这套作品来做演示,因为在拍摄的时候特意选择了阴天,减少阳光直射带来的光影冲击力,加之道具与动作的搭配,让这套照片的情绪在压抑中透露着严肃和安静。鲜艳和明亮的色调都与之难以协调,而灰调则非常合适。


首先,将拍摄的人物和雨伞叠放到一起。(在拍摄完成人物之后,分别在场景内拍摄了400多张透明伞飘在各处的照片)







初步分析一下图片的色彩分布:


主要由:绿色(草地),青绿色(树林),蓝青色(衣服黑伞)


如图所示





由于前期拍摄为阴天,画面中各个部分饱和度都相对较低,但是色彩还谈不上和谐。那么我们在调色过程中要做的就是:




·让色彩和谐(色彩和谐方式有很多,此处环境上运用相似色和谐,与人物肤色形成互补)


·找到色彩饱和度的“节奏”




首先处理绿色


由于草地属于绿色饱和度最高的区域,我们一方面要降低其饱和,让这一部分不要那么显眼;另一方面需要改变其色相,让绿色向青色靠拢。


1. 调节绿色色相和饱和度以达到上述效果。



2. 用色彩范围选出草地区域。



3. 用色彩平衡调节该区域的颜色,加入青色、杨红和蓝色,让草地色彩进一步向青色靠拢。



4. 用可选颜色进一步改变绿色色相,让绿色的草地和树林靠近青色。



5. 调节色相饱和度中的青色(树林主色调)让其变蓝变暗。结合蒙版擦掉草地和天空,使之不受影响。





上图的蒙版


6. 利用色彩平衡调节高光(天空)的颜色,让原本几乎无色的天空呈现出蓝青色。(这一步可以和之前调节色彩平衡一起做好,但是为了呈现分区调节的思路,这里调色按照图片区域分开说明)。



7. 利用色阶提升画面反差,但是此时画面的明暗和谐关系被打破了,也出行了过曝的区域。



8. 那么我们可以用黑色画笔在蒙版上擦除过曝和头发较暗的区域,只让中间明度区域的反差得到提升。



9. 用曲线和蒙版压暗四周,做一个口味清淡的暗角。让中间区域更加显眼。



10. 在降低了环境饱和度之后,人物的肤色显得过于鲜艳,而且肤色偏橙色,与环境中的青和绿并不和谐,此时需要改变肤色色相,降低皮肤饱和度,提高明度(调节红色和黄色)。



后期修到这一步基本算是完成了,那么我们来对比一下以上那些步骤达到了什么效果:





思路回顾:


1.       整体色调变冷,视觉上更符合“雨”这个主题。


2.       草地饱和度降低,天空饱和度提高,缩小了画面中各个区域饱和度的落差。


3.       让环境颜色从之前的“绿”-“蓝”这个很大的色彩范围变为“蓝青”-“青绿”这一相对较小的范围,正好与调节之后的肤色互补。


4.       调节之后,画面并没有变得“雾蒙蒙”,反而增加了少许通透感。




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 结语


达成高级灰效果既不是依赖数据的堆砌,也不是靠着无法理解的玄学,而是从构思到拍摄到后期的一整套工作。我们需要学着将这三者视为一个整体,而不是分开理解,企图利用后期魔法拯救一切。


而在学习摄影和后期的过程中,我们更需要掌握本文的一个工作流程:


广泛浏览→总结归纳→思索准备→实践尝试


如此以来,相信大家都能够通过自己的努力攻克摄影和后期上的每一个难关。