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Thomas看看世界:

要真正弄懂调色,首先要理解RGB、CMYK、HSL、互补色等等色彩基础理论。几乎所有的后期调色工具,都是建立在这些色彩模型之上的。

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Thomas看看世界:

调色是大家学习摄影后期时的一大难题。其根源并不在于我们不明白各种调色工具的使用,而是大家常常缺乏思路,不知道怎样搭配色彩才舒服、好看。其实在色彩的搭配上,美术、设计等学科,早已探索出了很多的规律,可以被我们摄影师借鉴学习。

后期合成教程(一):营造真实感

Terry F:

此教程赠给所有学习后期合成的摄影朋友们,以及爱车之人。



合成应该是后期里面比较复杂的工作,并不在于你对工具有多么熟练或是抠图有多么细致就可以把合成做好。最根本的要领在于不同素材的融合叠加,考验的是你对透视、光影和色彩的把握,另外还需要掌握一定的“障眼法”。


后期合成最基本的能力也并不是扣头发扣衣服扣眼珠子,而是从简单的几何体开始,用各种方法把元素完美融合到一起,把这篇课程的理念学明白了,练到位了,可能你甚至会觉得人像合成缺乏挑战。


那么接下来就让我们用一台车模为案例,从拍摄开始慢慢学习后期合成。



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1. 拍摄


用白色泡沫板拼成一个小盒子,便于产生足够的反光(其实建议大家做成两面封闭,两面开放的,这样更利于布光)。


拍摄的时候有两种选择,要么用手电(或者手机灯)照出漆面的光泽,要么用柔光布裹住盒子,营造柔光,强化车身层次和光影变化。


由于这台变色龙EVO的漆面非常光亮,这次拍摄选择用手电轻度扫光。


剪一张黑色的卡纸放在一边,车身上可以倒映出侧面的暗部(否则侧面全是亮的,没有层次感)



相机参数根据光强来调节,但是请注意,务必使用小光圈拍摄,不然焦平面无法覆盖整个车身。本次拍摄使用135mm镜头,光圈设置为f20。快门速度为5秒,给了我足够的时间把光线扫均匀。


扫光的时候,注意不是直接用电筒照车身,而是用手电将背景和侧面白板适度照亮,来回扫动让光线柔和均匀,然后对准车头部位快速地扫一下,增加一点点光泽感。也可以照亮中冷。



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2. 后期

车模后期和风景人像静物建筑后期原则其实都是一回事:


1.       体现主体最美的一面


2.       环境主体影调上的统一


那么我们就事论事,汽车后期是最基础的,一台车最需要表现出来的地方无非就是“轮廓”“大灯”“腰线”“姿态”以及“改装件”。



首先用钢笔把车辆扣出来,然后选择透视类似的背景(同为长焦拍摄效果)放到背后。


接着来看轮廓,用明暗反差来呈现轮廓是最直接有效的。车身亮的地方用暗背景,暗的地方用亮背景。所以在深色大楼的衬托下,车辆上半部轮廓十分清晰,而下半部较暗的区域则P上烟雾烘托。



大灯可以说是这台车的亮点。根据我拍了这么多车模的经验,车模上的“大灯”“雨刷”“车标”是一定要用真车件取代的。所以我也习惯性地找来了真车EVO9的大灯贴到上面。意外的是,完美贴上去之后,我发现这台车的大灯居然和真车的一模一样,每一条线都完美重合。所以说这个部位可换可不换。


原车模车灯


真车车灯贴上去


车身姿态是另一个重点,也是几乎所有真车和车模存在的问题。拍摄视角越低,车身就会看起来越高,除了少数改了气动避震的车,低角度拍其他车都会有一种SUV既视感。所以为了视觉效果,低角度拍车要养成后期降低车身高度的习惯。


这台车的高度可以说是刚合适,但是为了视觉效果,咱还是让它更贴地吧。


把车轮抠出来,往上移动一点点即可。



然后铺上地面



用曲线配合蒙版画上阴影,车子就和地面完美贴合了。


这一步不可能一步到位,要建立多个曲线图层,分不同区域压暗(比如,轮子下方的小范围区域最暗)



地面完成之后,复制并翻转车体图层,作为地面倒影,用类似碎片的笔刷在蒙版中画出水面范围(油漆涂抹,破布碎片之类的笔刷都行,自行百度)。



接下来进一步调色,环境颜色不能和车身差别太大。把楼房倒影变形叠到车身上,让效果更加真实。



AGU的雨刷和BBR这类高端货一样,用的是金属蚀刻片做的,非常精致。但是不好意思,不管是BBR还是CMC还是AM还是AGU,雨刷是必须替换掉的,1:18的车模,没有哪台车能真实还原真车雨刷的结构和质感。


原车模雨刷


换成真车雨刷


最后一步就是用图章或者修补工具清灰,并且把一些调色过程中导致的色差处理一下。这张图就大功告成啦。



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总结


拍车的时候就要想到后期需要的效果,后期的时候还要想着车辆在真实环境中应有的细节特征。合成并不难,对这一块很感兴趣的朋友可以关注我近期发布的合成后期公开课。




(题外话)选车


最早拍车的时候,选了不少肉眼觉得好看的车,结果一到后期的时候简直是噩梦,几乎每一个接缝处都要重新画,结果车p完了,几乎跟重新画了一台车一样。合金车就没有一台是可以不需要大改车身细节的,AA的算合金车里模具比较好的了,不过他们家银色漆面颗粒感太强,严重削弱真实感。像迷你切这样粗制滥造的东西最好还是留着收个型,别指望拍出来能轻轻松松后期。树脂车里面目前就踩了GTSpirit这一个坑,更便宜的OTTO都做得更好。这个以后再对比着聊了。


目前拍过的车里,不需要怎么大修车身线条的除了BBR,AM这类贵的要死的高端树脂品牌,也就是AUG这个EVO了,何况这车的灯还有惊喜。不过AGU车型少了点,希望以后能丰富一下产品线。


如果你也打算拿拍车模来娱乐或者练习一下的话,请参考下面消费建议。


1.       Autoart,CMC等品牌的合金全开车模并不适合拿来拍照,接缝处间隙太大,磨具和漆面虽然可以满足肉眼观赏,但在镜头下面瑕疵一览无余。


2.       BBR,Am等高端树脂品牌非常适合拍照,拍出来几乎不需要修正bug,但价格非常高,不是土豪没必要为了拍照而入手。


3.       GTS的千万不要碰,车型很多,样子酷炫,但是拍照的时候会给你带来巨大的麻烦,做工太烂,品控差,模具不够平整,刻线很肉,细节随意,几乎没有升值空间,不能把玩。


4.       FA,AUG,IG的千元价位的车性价比非常高,非常好看,做工细腻,漆面平整非常适合拍照。


5.       省钱的话,Topspeed和OTTO也可以考虑,不过后期会更辛苦一些。


再来说说今天拍的这台车:


市面上可以找到的1:18 EVO 9非常少,AA的已经炒成了海景房,SuperA的看样品照片就被烂做工吓到退订,还有的就只有AGU的树脂EVO9了。不过值得高兴的是,AGU出的EVO改装款式特别多,居然还有BBS轮毂的变色龙。果断拿下。



说实话我不是很能接受收一台EVO的素车,这种性能车不爆改一番乐趣何在?


而说到要拿来拍照,也只有AGU的可以达到拍摄标准。AA的车我拍的太多了,原片都是稀烂到惨不忍睹,以至于需要大量特效来遮掩缺陷,现在手上一些aa货都懒得拿出来拍。我也建议喜欢拍车的朋友,直接考虑中高端树脂,所有的合金以及GTs这样的渣渣树脂品牌都可以直接pass。



人像摄影后面的故事

故乡在远方·FoPoTo:

      人像摄影后面的故事


 


     因旅行而结缘摄影,所以我一直把自己当作一位旅行摄影师。有一句调侃旅行的话:“旅行,就是从自己待腻的地方去别人待腻的地方”。确实,从一个自己熟悉的地方去一个陌生的环境旅行,途中常常有不可预知的、好的或者坏的状况发生,然而,从摄影的角度上看,正是这种“不可预知”往往给拍摄带来惊喜。在旅行的过程中会遇到不同的天气、不同的风景、不同的美食、不同的人,所以拍摄题材是丰富多彩的,可以拍民俗、拍建筑、拍静物、拍风光……,其中,人像的拍摄是我旅途中最主要的拍摄内容。


     怯以为,人像的拍摄不完全等同于肖像的拍摄,两者之间有太多的相同之处,似乎又有着某些不同之处。打个比方说,同样是进口的某SUV,只有通过仪表盘上的时速刻表才知道哪个是中规、哪个是美规;又如美国白人与英国白人,都是央格鲁﹒撒克逊民族却分别说着美式英语和英式英语。再回到摄影上来,人像与肖像,无论从主体、构图、影调、曝光等等各个方面上看,大部分时候我们都傻傻的分不清,但隐约又可以感觉到二者之间有着那么一丝不同。如果硬是要“来找茬”这一丝丝的不同!是不是可以这样区分一下?用光上,肖像摄影多数运用人为布置的光线,人像摄影多数运用自然环境下的光线;构图上,肖像摄影大多拍摄特写与近景,人像摄影不仅仅有特写、近景,还有照顾到环境因素的远景;拍摄过程上,肖像摄影有与被摄对象反复沟通、交流的可能,类似于摆拍,而人像摄影则追求自然发生、原汁原味,讲求抓拍。也许没有必要来区分他们之间的不同,这仅代表我个人的一点看法,是否显得多此一举?供大家参考、讨论。


     人像摄影亦或是肖像摄影,拍摄的主体是人,对人物肢体语言和表情的抓取显得尤其重要。影棚里拍摄的肖像拍摄,有充分的时间去构思画面,可以与被摄对象有充分的沟通,再通过精心的环境布置和光线布置,反复多次的去拍摄,相对容易可以拍摄出精美的照片,肖像作品的难度应该是如何拍出新意。区别于影棚拍摄,在自然环境里拍摄的人像,选择什么样的光线、以什么样的角度拍摄,能否准确抓取人物肢体语言和面部表情,对于拍摄的成败起着决定性的作用,机会往往只有一次,难度在于如何把握稍纵即逝的精彩瞬间,正所谓“决定性瞬间”。


     业余时间我喜欢拜读一些大师的著作,尤为喜欢人文、人像一类的作品,其中受格雷戈尔﹒海斯勒《50幅人像杰作背后的奥义》的启发颇深。今天让我做一次尝试,沿着大师的足迹,结合我在旅途中拍摄的图片,来解读人像摄影背后故事,以致敬大师!




1:《雪中》拍摄于四川阿坝县。




     照片拍摄于川西阿坝县。每年正月的莫朗节是阿坝藏族一年中最盛大的节日,起源于宗喀巴大师的宗教改革,是为了纪念佛祖释迦摩尼而创建的节日,距今已经有一千多年的历史,节日期间举行瞻佛、跳法舞、盛装巡游等活动。照片取材于节日的活动现场,在一场不期而遇的大雪中,记录了无法观看盛装巡游的祖孙三代无奈躲避在门檐下的情景。


     光线,在摄影中的重要性无需赘述,摄影师选择光线的角度,以逆光、顺光、侧逆光等来进行拍摄。在所有的光线中,散射光是非常独特的一种光线,太阳被云层遮挡,仿佛套上了一个柔光罩,光比明显减小,物体因为没有明确的投影而缺少立体感,然而,相对于强烈光线下的生硬,在柔软的散射光下拍摄出的照片,则可以得到更为丰富的细节。


     就这张照片而言,散射光下的拍摄由于缺少立体感,构图上对于整体架构的设计显得更为重要。画面中以土墙中间处,恰当出现的门来勾勒画面,门的造型、色彩、“各莫寺57号”的门牌、以及人物鲜明的服饰明确了地域特征;门里的丰富的元素和相对厚重的色彩则强化了主体的突出。层次上似乎平了点,但从灰白的天空到土黄色的墙、再到红色边框的门、再到人物,在区块上、色彩上通过这种渐进式的过渡丰富了画面层次,使画面的层次感并不显得过于平淡。祖孙三代以群像的方式出现,或坐、或站、或回眸、姿态各异,表情落寞,技巧上对于快门速度的控制,为了着重表现雪花飞舞的景象,营造出冬季天气“冷”的氛围,强调了人物无法参与节日活动无奈的“冷”的情绪。


     由于散射光这种柔性,弱反差、不生硬的特质,更利于表达安静、纯美的画面,虽然层次感上有所弱化,但更为丰富的细节则弥补了一些缺憾。


 


  2:《母亲》拍摄于埃塞俄比亚。




     这幅作品拍摄于埃塞俄比亚南部的原始部落。当我们抵达这个部落时已经是正午时分,车子刚一停稳,男人、女人和小孩纷纷从树林与茅屋里走出来,虽然这里与世隔绝,但他们对我们的到来并不感到惊奇,显然,我们不是第一批过来的客人,无须太多的交涉,拍摄就在村寨里开始。


     这位母亲好像不喜欢掺和,躲的远远的,一双眼睛冷静的注视着一切,透过她的眼神,可以看到她对别样世界的注视,我怀疑她真是把我们当成奇怪的人,惊奇我们这些举动的意义所在。襁褓中的小孩正满足的酣睡着,乳头上似乎还残留着没有吮吸干的乳汁,这种温馨且富有亲情的姿态让我们有一种似曾相识的感觉,母爱是一样的,不管是来自现代社会还是原始部落。她很美,五官精致,细长的脖子上缠绕的一串串珠链,或许是财富的象征;披在身上的羊皮衣挂着各种挂饰,脸上的纹面以及穿破下唇的树枝,代表着部落的风俗与传统。拍摄这样的眼神不需要前去沟通,哪怕是极短暂的打扰都会被破坏掉,所要做的就是准确的抓取。


     现在有一种现象,发达地区的摄影师喜欢去欠发达地区拍摄“原生态”的人像,我也是其中一员,但是我厌恶那些刻意的去表现贫穷、丑陋、肮脏、悲伤……这种“冷”的照片,更不喜欢像拍摄模特一样的去摆拍,总是想以自然的且富有情感的方式去拍摄,通过抓取人物的表情、眼神来传达一种生活方式、一种处事态度、乃至一种文化。


     这幅照片,人物的姿态自然、不做作,以天空为背景干净而纯粹,低机位拍摄表达对被摄对象的尊重。原片,蓝色的天空、绿色的树林、黄色的皮衣、多彩的珠串,色彩混杂弱化了对于眼神的关注,照片以黑白的效果呈现,突出肤色的质感,有利于强调主体,增强作品的表现力。


 


3:《吸烟的老者》拍摄于成都。




     2016年拍摄于成都双流老茶馆的“半摆拍”人像,为什么称之为“半摆拍”?其实是一种诙谐的说法。在旅途中遇到伦勃朗光的机会不是很多,遇到了就一定要拍下来。当我举起相机准备拍摄时,老人自然的摆出了经典造型,无论从姿态、表情、眼神都非常到位,可以说这是一次成功的摆拍,然而又不是按照我的要求来刻意摆拍,所以,我称之为“半摆拍”。在国内类似于双流老茶馆这种经典的拍摄场所,像这样半职业、半专业的群众演员还有很多,之所以有这种“半摆拍”的出现,或许是“摆拍”现象严重后的溢出效应吧。


     对于伦勃朗光的运用普遍出现在人像摄影里,“伦勃朗光”是因善于捕捉光影明暗变化的荷兰画家伦勃朗而得名。光线从侧面照射被摄对象的二分之一至四分之三处,使画面更有立体感,更具戏剧性。这张照片在运用伦勃朗光上无疑是成功的,光线透过窗户照射进来,勾勒出人物的轮廓、丰富了层次,大光比隐去了背景的杂乱而纯粹了画面。


     都知道摄影是用光的艺术,一次对于光线的恰当运用,原来摄影也可以如此的简单。


 


4:《欢乐少年》拍摄于尼泊尔。




    在通过“景别”的线索来解析构图时,对于“距离”有着多角度的的解读。同样,人像摄影里“距离”也是非常有趣的因素,它可以说是一把双刃剑。在拍摄实践中,如果我们距离被摄对象很远,就会失去了与他们的联系,拍摄出的画面往往缺少情感;如果我们与被摄对象靠的太近,则有可能让他们感到拘谨,拍摄出的画面也许会感到矫情而做作,由此可见,拍摄距离对于人像摄影的重要性。


     照片使用了一只35mm定焦镜头以f2的光圈来拍摄,之所以没有放大到最大光圈拍摄,是因为最大光圈会出现像差与衍射现象,从而会对画质产生重大影响,适当的缩小一、两挡光圈,这种影响可以得到改善,况且f2的光圈已经足够的大,能够满足拍摄的需要。35mm镜头的视角接近于人的双眼视角,拍摄出的照片是最真实的所见,适合人文纪实一类的拍摄,这样,既可以保持与被摄对象的适当距离,又可以有足够广的视角来容纳更多的元素。


    故事发生在加德满都郊外的一个村庄。下午,与一群放学的小孩相遇在小路上,本没有打算拍摄,不知道是我太具有亲和力还是小孩们太过热情,简单的肢体语言交流,我们似乎已经很熟的样子,赠送他们几块随身携带的饼干,又拉近了我们的距离。这个中国叔叔真的太好了!这样一个画面是值得记录下来的,于是我端起相机拍摄,是否因为有之前沟通的铺垫,相机的出现反而激起了他们更大的热情,于是,欢乐的画面就出现了。


 


5:《岩石教堂里的神职人员》拍摄于拉利贝拉。




     世界上最具特色的基督教教堂--拉利贝拉岩石教堂。岩石教堂始建于12世纪后期的拉利贝拉王朝统治时期,有非洲奇迹之称,是12至13世纪基督教文明在埃塞俄比亚的非凡产物。照片拍摄于最大的梅德哈尼阿莱姆教堂,伦勃朗光的运用使神职人员的形象更为突出。然而,最为惊奇的是挂在岩柱上的一幅圣母像,这与我们以前所见到的圣母像截然不同。


     基督教源自犹太教,基督教信仰以耶稣基督为中心,圣经为蓝本,核心思想就是上帝的救赎。基督教最基本的教义,主张人“本着恩典,因着信仰,被神救赎”,这个教义的基本逻辑是,因为人的本性不可救药的堕落,所有的、人的行为都带有罪性,甚至于做好事也是出自于人的自利、自满、自傲的罪性,所以需要来自上帝的救赎。那么救赎怎样体现?教义说,救赎体现在这样一个事实上,上帝作为人子降临于世,在十字架上替他们死了一回,替他们赎罪,并将圣灵赐予“信仰上帝本身替人赎罪这一事实”的人,让他们依靠信仰得到来自上帝的圣灵,使身体与灵魂获得救赎。圣母玛利亚是耶稣的生母,她怀孕、生产、养育了耶稣,在圣殿里将耶稣奉献给圣父,并与死在十字架上的耶稣共受痛苦,所以圣母常常以怀抱耶稣的形象出现。


     当基督教传播到东部非洲的时候,圣母、耶稣的形象似乎本土化了,在岩石教堂的圣母像俨然是以非洲黑人的形象出现,黑色肤色的圣母、黑色肤色的耶稣,宗教在传播过程中出现的变异。这种现象也如同佛教一样,从古印度传入我国中原地区而发展成大乘佛教,传入中南半岛而发展成小乘佛教,传入我国西藏地区而发展成藏传佛教一样,这种宗教在传播过程中本土化的再发展,值得研究。我不是这方面的专家,甚至不是任何一个宗教的信徒,所以没有发言权,只是惊叹于这种现象的神奇。


     回到旅行、摄影上来,旅行的目的就是感受不同地域、不同文化、不同宗教的差异,并把这一切通过相机忠实记录下来。旅行中拍摄这样的题材,不会有充足的时间来熟悉环境,即便带上灯光、脚架等设备,最终可能没有条件使用上,所以,在边走边看的过程当中,需要敏锐的观察与准确的把握。就岩石教堂这样的场景而言,在各个空间里游走,穿梭于乎强乎弱的光线里,需要特别娴熟的调整拍摄参数来捕捉复杂光线下的人物,这对于成功的拍摄尤为重要。


 


6:《对话》拍摄于埃塞俄比亚。




     人像摄影尽量避免证件照一样的拍摄,而是多去捕捉一些具有人文关怀的瞬间,旅途中,除了拍摄一些优美的照片,还要用镜头来关注社会、关注生活、关注周边的人和事,通过有温度的拍摄来感染观者。摄影师的最终追求,是拍摄出一张照片可以阻止一场战争、拍摄出一张照片可以引发社会变革,拍摄出一张照片能够引起社会共鸣,这才是摄影的真正价值所在。摄影师大都带着情感去拍摄,有人善于拍摄美好的“善”的照片,歌颂美好;有的人善于拍摄丑陋的“恶”的照片,鞭挞丑陋,这一切都是源自摄影师的创作态度与价值判断。


     话题好像有些沉重、宏大了!有时候,这种人道主义和人文关怀的价值体现就悄无声息的发生在身边,只是你没有注意而已。


     如图中出现的,同行的摄影师与非洲男孩的“对话”,是一个摄影人对于真实所见的内心表露,她说了什么他不会听懂,但她的肢体语言、她的眼神都表露出了对他的关怀与怜悯,他似乎也看懂、听懂了这一切,我们能够从男孩忸怩的姿态上看得出他发自内心的感应和相通。跨越地域和文明的交流如此神奇,让人感觉到一种温暖情感扑面而来。观看这样的照片无需在拍摄技巧的细枝末节上去纠结,也无需在艺术表现力上去反复推敲琢磨,只要能看到人道情怀的最直白表达就足够了。


 


7:《赞》拍摄于摩洛哥索维拉。




   “人像不给脸”还能称之为人像吗?这是个有趣的话题。


     记得前不久,图片网站--图虫网举行过一次“人像不给脸”的图片征集活动。内容介绍是这样的:


    如果“不要脸”还能拍出一张好的人像吗?子曰:我看行。


    没有脸的人像,就是没有窗的城堡,其中的情绪往往是收敛不外露的,窥探这样的情绪,也往往雾里看花。模糊,需要细腻的心肠。


    然而,身体却是很少撒谎的,所以身体传达的情绪,往往更真,更纯。


     借用组织者的这段话来描述我的这幅图片---《赞》!


 


     拍摄人像,我相信:“‘像’由心生”,你拍到的不一定就是你看到的,却一定是你感知到的。


 



以九种构图样式来聊聊摄影构图

故乡在远方·FoPoTo:

     说到摄影构图,就又和绘画联系上了,必须承认,摄影构图理论是从绘画构图理论发展而来的。在摄影实践中,我们常常会听到“构图安排”这样的说法,这实际上是生硬套用绘画的构图理论来指导摄影构图,往往忽视了摄影本身的特点,把摄影搞成了绘画的替代品。摄影,一个最重要特点在于现场环境里的真实性和突发情况下的戏剧性,这种真实环境里、不可预知情况下拍摄出的图片,从绘画理论上讲往往是不够完美或者是失败的,然而正是这种原生态、未经修饰的构成样式,才应该是摄影的本源与魅力所在。这里不是说借鉴绘画的构图理论来摄影就不可以,而是强调以摄影本身的方式与规律来进行的重要性,要做到有别于绘画,所以,这种“有别于”在构图上讲,最少应该理解为“选取”而不是“安排”。当然,“安排”着来拍摄也不是不好,这也是摄影的一种样式或者是一种摄影分类,比如“商业摄影”、“静物摄影”、“肖像摄影”等等,常常按照构图的一惯理论来布置拍摄环境,是为了达到绘画一样的完美效果或是为了符合某种要求。在没有人为干涉的、自然发生的环境里去拍摄,是有别于以上一些摄影分类的,构图上的“选取”是其最重要的特点,这种“选取”不是简单以“虚化”、“减法”、“剥离”等理念去拍摄,而是在纷繁无序中重新构建次序。“选取”式的构图是一种视觉设计,这种设计不是人为的、生硬的去“安排”,而是在自然发生的环境里来构建,这就需要发现的眼光和一些拍摄技巧。这种眼光和技巧是通过无数次快门闪动来积累的,当然积累不是盲目的,而是有规律可循和有理论指导。


     现代社会是信息爆炸的时代,有关于构图法则的书籍和链接轻易可以找到,诸如:三分构图、对称构图、对角线构图、框架构图……等等不一而足。以下,以我拍摄的图片为实例在构图上做一些解读。在解析这些构图方式前,再简单的了解一下“封闭式构图”与“开放式构图”这两种构图观念。


     封闭式构图和开放式构图。当摄影师用框架去截取生活中的形象,并运用空间、角度、光线等手段重新组合框架内部的新秩序,把框架之内看成是一个独立的天地,追求的是画面内部的统一、完整、均衡等视觉效果,这种构图方式称为封闭式构图。与之相反,开放式构图是把分割与外界联系的框架“切断”,画面注重构建一个可视空间外的虚空间,给观者以无限的想象空间。开放式构图的特点综述以下几点:(1)画面主体不一定在画面的中心,而是强调主体与画外空间的联系。(2)画面形象不完整,以强调外在空间的存在以及与画外空间的联系。(3)故意构建不平衡、不协调,使画面处于从不均衡到均衡、不协调到协调的变化之中。总之,开放式构图不是把观者的视觉感受局限在框架以内,而是引导观者联想画外空间,从而增加画面的容量,因此,封闭式构图相对的保守、规范一点,开放式构图则相对的大胆、激进一些。以上提到的“三分构图”、“对称构图”……等等更多的遵循“封闭式构图”的观念;“开放式构图”的理念则是“没有规则就是第一法则”。 


      不管怎么说,我们终究是为了得到一张好照片!虽然单纯从构图上来解读什么是好照片非常片面,但构图好坏确实是好照片的基本要素。以下我们做一些图片实例来直观的解析构图。




      (1)关键词---对称。对称式的构图是以一条线或一个点为中心,两边形状、大小、影调基本一致的构图样式,这种构图在拍摄风光、建筑、人文都有运用,有工整、严肃、安静之美,但往往缺少变化而略显单调。所以,需要一些元素的介入来打破这种格局,从而使画面内容丰富而更具可读性。下面这张照片拍摄于印度阿格拉红堡,基本符合“对称式构图”平衡、稳定的要求,如果单纯表达图表式的平衡、稳定则没有问题,但终究显得单调呆板。出现在“三分法则”左下黄金点位身着纱丽的人物,既点出了地域特征,也打破了画面这种木纳的平衡,从而使画面生动了许多,这样的构图样式比单纯的对称构图来得鲜活,个人也比较喜欢这种构图样式。




      (2)关键词---框架。框架式的构图是较为常用的构图样式,是运用现场的景、物做一个“框架”,形成某种包围、遮挡、分割,来增强内容的戏剧感、画面的纵深感,引导观者关注“框架”内的主体,来解读作者所要表达的主题。这个“框架”可以门、窗、桥洞……,也可以是树、网、光影……,运用“框架”来构图,需要注意主体与陪体的主次关系,防止喧宾夺主。在拍摄过程当中,当遇到好的“框架”结构时,可以对场景做一定预判,耐心等待“框架”内出现的事物,往往会有惊喜。下图拍摄于蓝色之城---舍夫沙万,下午阳光照入古城狭小的街道,一户人家打开了一扇门,是一个非常好的“框架”,遗憾的是“框架”内没有事物发生。于是,耐心躲在角落预设好场景,期待“框架”内有不可预知的事物发生,不久,当一个奔跑男孩出现时,果断按下快门,完成一张悬浮男孩的照片。




      (3)关键词---虚实。构图中常常运用虚与实的手法来突出主体,一般理解为长焦或者大光圈的虚化效果,达到主体剥离的目的,以至于人们追求镜头的光圈越来越大,以期待焦外得到如奶油般丝滑效果,这实质上是对虚与实关系的简单理解。另外一个方面,从构图的表现手法上也可以做到虚与实的表达。下图拍摄于撒哈拉沙漠,一只驼队逶迤行走在红沙与蓝天之间,如剪影一般的清晰明了,而在夕阳照射下另一只驼队的影子印在沙丘之上,让观者跳出画外想象出另外一只驼队的存在。这种虚与实的对比突破了画面的局限,给观者无限的想象空间,这样增强了图片的可读性,是不是属于开放式构图的一种样式。




      (4)关键词---焦点。每一张照片都要有焦点,而且这个焦点对观者而言也应该是非常明确的。相对于文本阅读自上而下或者由左及右的阅读方式,人们观看照片则来得更为直接,焦点可以通过引导线引导、色彩的对比、明暗的反差等等直入主题,不需要观者盲目地寻找。另一种情况,焦点并不因为出现在画面中间或者黄金点上才突出,在主体不是十分明确的情况下,一些打破平淡的元素则会起到刺激、提醒的作用。如这张“万众之尊”拍摄于川西阿坝莫朗节瞻佛仪式,山脉绵绵,苍穹下万众之尊的活佛淹没在如潮人海中,并不显得突出,一把象征神权威严的伞盖打破了画面的平淡,从而把观者的视线重新吸引过来。




      (5)关键词---图型。生活当中有很多我们忽视的图案,如果运用得当会有不同寻常,具有意想不到的抽象之美,如沙漠的纹理,建筑的结构、大理石的花纹、森林的树影……。拍摄的实践中,在一些有序或者无序的纹理、结构、图案中安排拍摄主体,会更加强化观者对主体的关注,从而提升了整个画面的质感。下图“乌本桥下的另类钓翁”拍摄于曼德勒,夕阳下拉长了桥杆的影子,形成了一张极具韵味的图案,在左下出现的一位站在河里垂钓的钓翁,有一种荒诞、另类、幽默在里面,想想如果平静的水面没有桥杆的光影,画面是不是很平淡?正是因为有了桥杆的影子存在才增添了许多趣味性。                                                                                


 


      (6)关键词---引导线。照片是二维平面通过透视关系展现三围空间,引导线是最能强化这种透视关系的,可以通过一条或者多条具有明显方向性的线条引导而导入视觉中心。这种线条产生于自然环境里,如:河流、沙痕、山脉……;也可以产生于人造环境里,如:回廊、栏杆、道路……;可以是直线、曲线这样的显性线条,也可以是散落在画面里的点,规则或者不规则的隐性线条。下图“聆听圣音”拍摄于埃塞北部城市拉利贝拉的岩石教堂,观者视觉的第一印象应该是树下唯一身着黑袍的妇女,但真正的视点却是画面右边伞盖下颂读圣经的神父,非常靠边的主体之所以没有被忽视,是因为经过众多信徒目光的引导而重新被重视起来,增强了画面的故事性、可读性,这种目光的引导就是隐性的引导线,拍摄实践中往往会忽视这种隐性引导线的存在,而错过一些精彩的画面。发现隐性引导线,需要敏锐的观察与艰难的取舍,运用得当会得到一张与众不同的好照片,这样的构图也符合开放式构图的一些特性。




      (7)关键词---地平线。运用地平线拍摄照片的原理与概念不难理解,尤其是拍摄风光片。地平线就是一条分割天空与大地的分界线,如果天空占主体,画面表现高远或者恢弘;如果地面占主体,画面表现凝重、壮美;地平线居中则画面平衡、缺乏活力,但如果安排一些鲜活的事物,画面会充满生机。下图“赶海的人”拍摄于有“天空之镜”美誉的东海滩涂,超广镜头拍摄,海平面居中显出天空之高远、大海之辽阔,如果没有赶海人的介入,画面平淡无趣,正是因为出现了辛勤劳作的赶海人,如此壮美的天地为歌颂劳动人民的伟大而增加光彩。




     (8)关键词---对角线。对角线不管是直线还是曲线,都是具有几何形状的构图样式,虽然与引导线有一定的联系,但对角线的分割作用大于引导作用,这种分割有贯穿性的也有边缘性的。一些图片在统一背景下的对角线构图,比如:红墙下的梅枝、或者草原上的栅栏,再或者桥梁飞渡……等等的对角线构图,更具有一些引导和框架的属性。而对色彩的分割或者对明暗的分割,所起到的效果则来得彻底和畅快。如下图,沙丘与天空在色彩上形成了反差,沙丘的边缘是一条分割线,对角线的构图样式把图片分割成两块,给观者带来强烈的视觉刺激;努力攀登的人在巨大的沙丘与高远的天空映衬下格外渺小,也强化了这种攀登路途中艰辛的情绪。




     (9)关键词---裁剪。裁剪也被称为二次构图。像风光摄影、静物摄影……等等,拍摄时在构图上会有着比较宽松的准备时间,所以后期制作中基本不需要裁剪或者裁剪幅度非常小;而新闻、旅拍、街拍、民俗……等等这些人文纪实类的照片,事、物的发生常常突如其来,拍摄时间如电光火石般稍纵即逝,所以在遵循“首先要拍到”的原则下,对于构图的考虑会弱化许多,得到的照片在构图上往往都不太理想,裁剪就成为了完善图片的重要手段。下图“玩泡泡的男孩”拍摄于摩洛哥索维拉,拍摄是在与男孩交流中进行,为了抓住男孩转瞬即逝的表情,合焦点定在男孩的脸部,所以构图上考虑不完善,很不理想。就需要通过后期剪裁来进行调整,最后把男孩的眼睛放在“三分法则”的焦点位置上来突出表情,这样画面足够饱满扎实。当然,一次性完成构图效果最佳,裁剪是没有办法的办法,切不可把裁剪作为构图的最终手段,如果依赖裁剪来完成构图,损失的不仅仅是像素,长此以往,在拍摄过程中会丧失重新构建次序的能力。




      以上9张图片解读之所以以关键词的方式来进行,是因为如果以样图的唯一特征来解析某一种构图样式,显得教条!而且一张好照片往往是对构图样式的综合运用,目的是把观者的视点集中到主体上来。关于构图的总结是各种各样的,以上一些解读可能并不全面,以及在解读构图的同时所谈到一些实拍经验,供大家参考、讨论。


     摄影是具有写实功能的一个艺术门类,取材于生活应该高于生活,这种提炼在构图上讲就是“选取”式的重新构建,重新构建是通过了解各种各样的构图方式,并灵活运用到拍摄实践中去,来反映作者对于真实所见的所思所想,从而完成从生活的真实到艺术的真实的升华,正如马克﹒吕布说的:“在我镜头的那一边是客观现实世界,而在这一边则是我的梦幻世界!”

关于色温的经验分享

吕强:


很多人都在问我,为什么我的照片的色彩那么漂亮。不可否认我是画画的,在色彩搭配以及调色的方面我相当有经验。

那么现在,我分享我一些经验。近期照片,我调色已经非常少了,近乎不会去改变照片的颜色,那么这时候就需要通过色彩的明暗以及温度来控制一张照片的气氛了。




直接看图说话,第一张是原片,第二张是调整过色温和饱和度的照片,当然,照片的明暗对比调整也是相当重要的,我这里着重讲色彩。


色温可以控制的东西很多:

  1. 色温控制色彩的整个气氛,这个不用多讲,不同的色彩有不同的情感。
  2. 色温控制画面的饱和度,这个可能知道的人也不少,但是不讲出来可能真没有多少人能认识到这个问题。暖色温会增加暖色的饱和度降低冷色的饱和度;冷色温能增加冷色的饱和度降低暖色的饱和度。例如上图,我增加了暖色温,后面的云彩就变得饱和,这是一个很实用的技巧。
  3. 色温控制画面的通透度,何以这么说,和上面一项控制饱和度有所联系,适当的色彩饱和与搭配,更能突出画面的质感与细节。比如一张图片你已经把色温拉到了色彩溢出,那么细节肯定也不复存在了,这张照片就毫无细节了。就像是为什么闪光灯的色温必须是5500k一样,因为这样的色温最能还原最通透真实的皮肤。
  4. 还有很多要素,这里不做多讲了。



下面看一个实例,我是怎么控制色温来修饰出一张照片的。




原片都为暖色调,主体颜色与画面沾在了一起。



成品,有了明显的冷暖对比。色彩也丰富了。


开始这张照片之前,我想说,所有照片都是在acr里面完成的,如果你是拍的jpg,就可以不用看下去了。


第一步:打开acr,不多说,继续


第二步:调整亮度选项,找回阴影细节高光细节的同时,注意画面整体的素描关系以及噪点控制。我这幅照片上本来就很多噪点,所以我忽略⋯⋯




第三步:调整色温,整体色温,看整幅画面占比例最多的地方,还原那些地方的色温先。注意饱和度、溢出、层次等问题。我现在还原的是灯笼区域,控制好了色温的平衡。




第四步:使用渐变工具再调整其他部分的区域色温,并对该区域的曝光饱和进行简单调整下,使画面统一。这样,一张照片几乎已经处理完成了。




第五步:可以打开ps了,进行可选颜色等操作,我调整了白色选项,是因为我想为白色部分加入更多更饱和的色彩,和右边的暖色进行匹配。




第六步:最后加一点对比什么的,裁裁图,加一点暗角,这张图片就完事了。还是挺简单的吧。


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最后,我想说一下。除了人像创作外的很多作品,建议不要过多的使用主观颜色,这样会让人感觉很怪。调色除了漂亮之外还要合理,这样的图片才会使人觉得有亲切感和现实感。最佳办法就是通过色温控制,在相机上在电脑上都可以加以控制,最主要是先去认识它理解它。无论是风光、人文、人像、婚纱、婚礼、商业、这都是至关重要的。


最后谢谢大家的耐心解读,希望对各位摄影师朋友都会有所帮助。


这算一个经验分享吧,为我要出的专业合成教程做准备,先偷跑一张最简单的合成。





【电影色调】打造完美色彩

Terry F:



不少朋友提过这样的问题“如何调出电影色调”。很遗憾我无法回答,因为不同的电影有着不同的调色方法,同一部电影中也会根据剧情需求在色调上发生变化。但如果就事论事,我今天倒想和大家聊一聊银翼杀手2049这部电影。




更精彩的视频课程:


https://www.bilibili.com/video/av19194180/


之所以选《银翼杀手2049》这部电影,那是因为对于摄影师而言,它简直是一本调色的教科书。它的色调如此出色,以至于影片里激烈的打斗场景都不需要靠倾斜构图来增加动感。



在电影中,我们可以看到大量的逆光场景,高反差场景,我们还能看到冷暖互补色调,浓烈或是清淡的单色调,以及受到许多人青睐的高级灰色调。





首先让我们来到电影中第一个场景,主角K来到Sapper Morton的家中收人头,从一小片高饱和的橙色走进一大片低保和的青绿色之中。



这两个颜色在色环上看起来并不符合色彩和谐原则,



如果是以对等的饱和度出现的话,这种不和谐产生的效果是非常强烈的冲突感。



但处在暗中的青绿色的饱和度非常之低,几乎可以忽略不计,一方面削弱了整体画面的色彩冲撞,让观众看着不会过于辣眼睛,另一方面又可以增加屋内死亡的气息,而且依然起着暗示接下来的冲突的作用。可谓一举三得。





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下一个要聊的画面发生在男主完成一系列调查之后,他决定在红灯区安静地装个逼,乍一看这个画面色彩斑斓,如果要用色环来表示的话,恐怕不便于观看。但是让我们静下心来思考一下这个画面该如何表现。




首先,男主处于人群之中,虽然位置接近画面中心,但所占面积不大,处理不当,存在感就会很低。就像我们在城市中拍摄夜景人像一样,想拍全身的时候,人物很容易被五彩斑斓的环境淹没。那么电影是怎么解决这个问题的呢?仔细观看,我们能够发现画面的颜色虽然丰富,但它们是按照由近到远,从右到左分布的。



近处前景的两位吃瓜群众的头发和衣服都被染成青色,和桌子地面以及右边的背景混为一体。左边远处背景的主色调为高饱和度的橙色。中间区域是主角所处的位置,这也是介于前景和背景之间的中间层,这块颜色染成了原谅色。于是我们可以看到一个这样的色彩渐变。



这个渐变和色环上从橙色到青色这一段是基本吻合的。



当我们感叹这一牛逼调色的时候,千万别忘记了右边隐约可见的橙色出租车,这样一来画面左边右边都有一块橙色区域,让整个场景的色彩分布十分平衡。同时,车身颜色明度和饱和度都相对较低,与这一块背景的青色和谐相处,不会夺取左边高饱和橙色的存在感,也不会改变色彩渐变的大体方向。





这个画面处理的真的相当出色!




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再后来,男主在调查中发现了自己的出生是一个真实的谎言,但最终还是个谎言,他义无反顾地坑了自己的长官,千里迢迢来到被遗弃的城市坑自己的亲爹,当然,那也不是他亲爹。



抵达亲爹藏身之处的时候,男主缓慢地走过了赌场大厅。这个画面用彻头彻尾的高饱和橙色渲染了一个充满了辐射与污染的险恶环境,也让这个环境变得十分壮美。



单色的照片视觉冲击力非常强烈,感情色彩也十分浓郁,因为它在颜色上没有给观众任何思考的空间,直截了当地把故事情感塞到观众脑海中。但是当我们试图把照片变成单色的时候,又往往出现这种尴尬的情形。



如果一个画面没有了色相的变化,那么我们在色彩上只能调整明度和饱和度这两个选项。而电影正是运用了这种方法让单色的画面变得有立体感。


让我们利用PS里面的混合模式去掉这个画面的光影只保留颜色,此时可以看到电影画面的饱和度变化



再去掉它的色彩只保留明度



然后我们将这个明度图层和颜色图层同时开启就会得到原本的画面,由此可以发现这个画面的饱和度随着明度而变化,亮部饱和度高,暗部饱和度低。



同理,电影里其他单色画面也是运用了类似的方式表现质感与层次。





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在电影的最后,男主为了救别人的爹终于把自己坑了,倒在雪地里奄奄一息。



这里用到了大家所谓的高级灰色调。整体青色偏绿的雪地上,几条青色的线勾勒出阶梯以及男主的身体,除了皮肤上那一点点血色以外,整个画面都充满了寒冷的色调。



整体明度并不算高,饱和度也不高,色彩搭配完全符合高级灰的特征。但是注意了,倘若你想在雪地里拍妹子,然后调出这样的高级灰色调,恐怕画面会显得十分脏,你的妹子也可能变成别人的女朋友。除非你能找到电影里这样没有任何复杂层次的纯粹之景,而且模特穿着打扮上也没有任何多余或不和谐的颜色,而且需要灰暗的画面所带来的情绪。当然,就我的经验来看,这种情况非常罕见。哪怕是我自己这张环境简单,光线昏暗,题材压抑的观念摄影作品也不敢轻易让照片发灰。让所以咱们可以学习高级灰,但是千万不要以为这是个万用色调。





我们对这部电影的分析就暂时告一段落。希望大家对电影的色调有所收获,重要的是学会我的分析方法,对你喜欢的电影片段进行分析和模仿,把精彩的色彩带到作品中去。也请大家持续关注我的LOFTER,不要错过接下来的课程。那么现在就让我用电影里壮美的画面来结束这节课,咱们下次再见!






小黑桃:

如何将欠曝的照片处理成日系小清新的后期思路。感谢 @daisy-赵 

INS风 建筑调色教程

此圆·FoPoTo·Fanto:



上次尝试着修了一张INS风的建筑,有挺多朋友喜欢的


这次把这张图LR里面的调色部分出一个教程供大家学习参考


首先先介绍下这个楼,它是我们村目前最气派的酒店了


在瓯海大道,名字叫云天楼


当时的拍摄环境还是比较难受的,只能透过斜开窗的一条缝把相机伸出去拍,非常不方便构图,所以这楼还是构图比较局限


现在开始介绍调色


0、基本思路


先看原片,因为原片拍摄的时间是傍晚,太阳已经下山,蓝调时刻马上结束,整体色彩是比较沉闷的,且在raw中对比不够明显整体发灰,而且照片颜色有点杂乱,整体成暖色,因此我调色的思路是偏向黑金的思路,增强对比,同时进行色调同一的后期。


1、基本调整



基本思路是去灰加对比,首先减曝光,提高光,这样亮部不会过曝,提亮阴影,提取暗部细节,提高白色色阶,降低黑色色阶,使画面对比度更强烈,去灰通透,提高清晰度和去朦胧,进一步去灰。


2、镜头的矫正


这步也可以放在第一步,我基本会放第一步进行矫正(这张图忘记了,放在了第二步),勾选删除色差和启用配置文件,可以有效拉直建筑的横竖线,消除镜头畸变。如果镜头色散太过分,我们要进入到手动里,配合放大画面来去除绿边和紫边





3、曲线的调整


曲线的调整就是经典的对比度曲线和提亮暗部曲线,作用是为了增加图片对比图,同时让暗部不会太死黑,让暗部呈现灰度,有种胶片的感觉





4、滤镜调整


这步在完成以上步骤后,使用径向滤镜和渐变滤镜对整体影调进行粗略调整






使用两个径向滤镜提亮了天空和左下地景,这样天空不会太沉闷,而且左下地景不会显得太暗,同时提亮了雨天的路面,显得更有质感


接下来用径向滤镜调整影调。主要强调建筑体几个较亮的区域使其更亮,让建筑更有立体感












有提亮就有压暗,发现屏幕这块因为雨水雾气使得这块区域过亮,整体画面不协调,我用一个径向滤镜压暗处理



这样就完成了整体影调的进一步的调整




5、HSL调色


这步骤是本教程核心关键


思路就是色调统一,将黄、红色往橙色方向统一;绿,紫洋红往蓝色方向统一,使整体颜色趋向同一种色调,画面更加和谐


饱和度方面也是去除了除橙色和黄色的饱和度以外的所有颜色,因为我发现即使使用色相调整,也有一部分色调无法达到我预期理想,直接来个减法,更有效


明度的调整纯粹看你自己的判断,因为我想强调橙色和黄色,因此提亮了这两种颜色





6、色调分离


这步是为高光和阴影上色,同时也有统一画面颜色的作用



我让天空呈现紫色,是为了搭配黑金紫,这样画面会更生动,当然天空也可以去色,呈现黑白,画面会更沉稳。






至此该图的LR调色就完成了,剩下的就是进入到PS里面调整水平,去瑕疵等细节操作,就不在这里赘述了,因为该图的核心调整就是在LR里。


感谢各位的阅读(感谢你们的流量和时间),希望大家喜欢






【看电影学摄影】电影的构图、色彩与光影(综述)

Terry F:

前言:相信大家曾被电影画面感动,想要拍摄一样的摄影大片。
电影里有许多值得摄影师学习的知识,我将在这一系列的教程中尽力为大家详解,希望能对大家有所启发



在看电影的过程中学摄影,真的可行么?似乎在我们眼中,摄影与电影的功能完全不同,除了纯艺术领域的作品,前者主要服务于生活留念以及充实新闻内容的素材,而后者则更多是作为娱乐消遣进入我们的生活。


【本教程为系列课,本篇为综述,课程将持续更新,详细讲解光影、色彩以及构图】


图示来源:网络


但是从本质上来看,电影无非就是一系列静态的摄影照片组成的动态画面。两者在性质上是完全一致的,只不过摄影使用静态画面进行表达的方式自由度较高,不论是抽象派还是堪的派,或者与其他艺术形式相结合,都可以成为完整的作品,但是依赖动态画面的电影则在创意和手段上受着各种各样的约束,缺少一些元素或者内容则不成电影。或许在这个特点之上,我们可以将电影视为摄影在某一方向上的延伸。


不过也正是由于电影制作难度远高于摄影师拍照,它需要高额的投资、庞大的专业团队以及资深导演来确保影片质量,这也赋予了电影极高的门槛,让电影所呈现出来的画面十分专业和严谨,对内容和情绪的表达也更加精确。


这些特点也正是“教科书”所具备的。让尚处在提升阶段的摄影师在电影中学习摄影知识也是十分妥当的方法,大多数成功电影的构图、光影以及色彩,都如教科书一般完美,都可以成为摄影师学习的典范。



在此之前我做过一个分析《银翼杀手2049》电影色彩的视频教程。简单地谈了一下那部电影里有哪些配色方法可以挪用到摄影中来。虽然举例的画面不多,但是在做准备工作的时候,我保存了一百多张电影截图,每一张截图都值得从不同角度大书特书。而以我对电影和摄影肤浅的知识来看,这些见解也只是冰山一角。那么在今天的课程里,就让我们聊一聊电影能够教给摄影师哪些有用的知识吧。


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 1. 构图


许多电影在构图上可谓十分严谨。许多成功电影在构图上可谓做到了每一帧都有理有据。这里用一个很常见的手法来进行讲解。在《银翼杀手2049》中,大量场景都巧妙地运用了消失点这个概念。



所谓消失点并不单纯是画面中的点,而是线条由近到远消失在画面内某一处的透视现象。利用好线条的这种特征可以让画面充满景深和立体感。



实际构图中,消失点需要和其他元素合理搭配才能产生强烈的效果。


下图中,建筑物内部的线条消失在画面左边的黑暗中,三个人物的站位也和线条走向保持一致,呈现出由大到小、由近到远、从右到左的排列顺序。让观众顺着线条把注意力放在最远端的人物身上



下面这个场景也运用了同样的处理方式。两个人物和远处的门形成了三个点,与房间里的线条和谐相处。当然这一次导演不希望大家盯着远处的门不放,因此门的颜色和墙壁一致,降低了存在感,只是作为消失点的区域存在于背景中。



下图这个场景也是如此。将消失点置于画面的一端,近处的主角和远处的人群顺着灯光产生的线条方向分布,让画面纵深感十分强烈。



在摄影的过程中,我们也可以运用电影里的方法,在合适的场景内寻找消失点,并将消失点置于合适的位置,展现场景的纵深。我拍摄的下面两张图都用到了这个构图技巧。


 


第一张风景图,调整相机高度,让两条铁轨产生的线条指向画面中心位置的隧道。



第二张是环境人像,人物作为主体同样出现在画面靠近中心的位置,栅栏以及水面形成的曲线同样可以制造消失点,让人物出现在消失点的位置,可以让线条引导视线走向,突出主体的地位。



除了消失点的运用,电影中还有许许多多值得探寻的构图方式,譬如画面中各个元素的平衡,以及将人物放在边缘或者角落的极端构图方式。这些内容都会在之后的课程里逐一展开。


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 2. 光与影


光影能在电影中产生强烈的视觉效果,表达各种情绪,巧妙对光影进行布置,可以让场景和人物更加立体,也能增加氛围。电影中的布光方式在摄影中也有着同样的作用。我们不妨以《海蒂与爷爷》这部电影中的布光作为案例进行分析。之所以选择这部电影,是因为其中布光简洁有效,同时非常细腻,以至于难以察觉人造光对画面的影响。


下图看似只是简单的室内场景,画面中间靠右窗外射进来的温和的阳光照亮了室内,也衬托出了人物的轮廓。但是实际上当镜头、主体与光源成一直线排列的时候,主体会挡住光源而完全成为黑影。



虽然在某些场景下,剪影的确别有一番风味,但是当环境在光照下十分立体的时候,主体倘若变成剪影了,就会导致地位下降,也不能很好地融入环境。



但是仔细观察一下电影画面,人物并没有变成剪影,反而在左侧出现了轮廓光,十分立体,也在画面中偏暗的区域凸现出来。或许细心的人已经发现了人物的影子方向与窗口光源方向不一致的现象吧。显然,画面以外的左上方还有另一个光源,单独照亮了人物。避免了将人物变成剪影,导致质感降低并且融入黑暗的背景中的问题。



电影中还有其他许多地方都用到了多个光源,或者用人造光模拟环境光来塑造人物立体感,以及烘托主体。上图的片段中,剧组同样使用了画面以外的光源照亮人物正面以及模拟人物身后的蜡烛光源(很显然,蜡烛光强远远不足产生足够的补光)。



这些技巧可以给我们在摄影布光上给予重要的启示:


布光需要立体,需要突出主体,并且要用合适的光比让人造光融入环境光。


(圣诞树作为主光源,外加两灯补光,控制光比)


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 3. 色彩


电影中的富有质感与诗意的色彩似乎一直是许多摄影师所梦寐以求的效果,以至于许多人做了许多电影效果的LUT以及Lightroom预设。但是很遗憾,不少套用这些预设的片子并没有电影效果,反而比原片逊色不少。这是因为对电影本身的配色思路不够了解,盲目套用后期预设所导致的结果。


 


那么学习电影色调,最基本的就是要学会分析电影中的配色和调色思路。我在之前发布的视频中解释了《银翼杀手2046》中灵活运用的配色方式,其中最重要的不一定是后期如何调色,而是利用布光和场景中各个色彩的搭配营造出合适的色彩。感兴趣的朋友可以去看一下我制作的视频课程:


https://www.weibo.com/1575333582/G1TPzlPXe?from=page_1005051575333582_profile&wvr=6&mod=weibotime


以及相应的文字教程


http://terryfengphotography.lofter.com/post/31a2a9_1230c9db


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 4. 形式与内容


我们经常感慨电影中巧妙的构图,绚丽的色彩以及震撼的光影,却容易忽略这一切形式上的安排都是为故事服务的。没有故事内容,一切形式都显得空洞无力。许多摄影师由于太注重作品的形式美,让他们的作品看起来十分“糖水”,缺乏内涵。


 因此我们在讨论电影的时候,一定要将构图、色彩和光影等形式上的技巧与具体的内容相结合,分析清楚了内容对形式的需求才能有效地把握形式美。


 例如在电影猩球崛起3中,为了表现人类的冷酷无情,使用了强烈的分割光将反派人类半张脸完全放进黑暗中,甚至连眼睛都看不到。相反,在他对面人情味十足的猩猩却获得了较为柔和的布光,也能清楚地看见充满人性的双眼。此外,人类在构图上处于画面偏右而猩猩则在正中间,这也是为了在对比中突出猩猩的主角地位而巧妙安排的。




一个看似简单的电影对白画面包含了大量技巧与思路。摄影也是如此,不论采用何种布光,构图,还是色彩,都要和内容紧密结合。


这也就意味着我们在摄影的时候,一定要先明白自己试图在照片中想要表达的情绪或者观点。譬如在上图中,我需表现人物情绪的安静,那么重点就是人而不是景,大环境中突出人物的最基本方法就是把主体放在画面中间,因此使用中心构图。通透明亮的环境可以带来清新的感觉,也能够烘托安静这一情绪,因此选择在太阳落山之前,在逆光方向进行拍摄(太阳落山后光线太柔和,缺乏方向性,情绪略显压抑;太阳角度太高,直射光太强烈,情绪感较强,不符合安静的题材)。最后考虑到表达安静情绪的色彩往往是低饱和度的冷色调,因此在后期调色的时候选择了蓝色和青色为环境色调,渲染气氛。



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 总结


总而言之,我们在摄影中所做的每一个选择都需要有强烈的理由,摄影师需要知道他们的理由,并和画面所需要表达的情绪与观点联系起来。恰好电影中每一个画面都有着很强的故事性以及情绪感,拍摄过程中也非常注重利用各种元素讲述故事,强化情绪。因此在分析电影的过程中,我们可以了解到专业拍摄团队选择构图、光影和色彩的理由,给我们摄影以巨大的启发。


 最后,希望大家在这篇文章中也能有所收获,意识到电影对摄影师的巨大帮助,在今后的课程中,我也会有选择地为大家推荐一些值得学习的电影并讲解其中的摄影奥秘。


这篇教程的视频版将发布于b站(因为时间太长,无法上传微博)




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