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JingshuZhu:

拍出好照片


仅仅靠设备的支持和娴熟的技术是不够的


照片必须是有灵魂的


这来自于摄影师的构思和意图


也就是说,照片必须有视觉或情感上的冲击力


而这种冲击力通常是通过取景、构图和用光来表现的




很多时候,构图决定着构思的实现


一张好照片必须有鲜明的主题


但并不仅取决于主题是什么


而是取决于主题在画面中是如何被表现和安排的







一、构图是画面的骨骼


构图就是为了表现主题,而指将照片中各元素作出恰当的安排,并运用艺术手段强化或削弱画面中的某些部分,最终达到主体突出,布局统一,结构均衡的艺术效果。


通俗言之,构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法。



构图是摄影的基本功之一,是为了表达自己的意图对画面中各元素所做的安排和处理。所以,好的构图是好照片的第一要素,即使画面缺乏深度的情感,至少还能带来视觉上的美感。


拍摄时还要注意线条,光线,色彩对构图的影响。有时候,一个线条就有可能决定照片的成败,而光线,色彩与构图之间的关系同样密切,在拍摄的过程中一样都不可忽视。





二、画面的结构要素和相互关系




结构要素


就像一个好故事要有开头段落、中间内容和结尾,富于表现力的照片从结构上来说,画面的基本元素应该包括前景、主体和背景。


主体最容易理解,就是拍摄者所要表现的主要对象。照片中的主体既是内容表现的重点,也是照片主题的主要载体,同时还是画面构图的结构中心。它可以是某一个被摄对象,也可以是一组被摄对象。




前景是照片中位于主体之前的景物,前景能给画面增加新的一层兴趣点,把观众带入照片的场景,前景在很大程度上决定了作品是否出彩。


背景通常就是位于主体之后的整体大环境, 一般来说,背景多为坏境的组成部分,可以是高山,大海,天空,街市等等。


并不是所有照片都同时需要这几项内容,但是如果能做到合理安排,利用层次创造深度,照片会具有更强的表现力。







相互关系




主体应该是摄影师首先考虑的因素,对画面的构图也起着主导作用。在拍摄时首先要决定主体在画面中的位置和比例,然后再考虑前景和环境等等其他因素。


安排好主体后,前景和背景也不可忽视。前景可以帮助表达主题、交待内容、体现空间特征、表现拍摄现场的环境等,例如用花朵、冰块、枫叶等做画面的前景,可以给观者留下鲜明的季节印象,还可以与主体形成某种蕴涵特定意味的对应关系。





三、前景的作用




拍出精彩的画面,前景的选择至关重要。 前景具有烘托主体和装饰环境等作用,并且有助于增强画面的空间深度,平衡构图和美化画面。


很多人在拍摄看起来壮美辽阔的大场景时,照片上的影像平淡无奇,拍不出现场感受到的震撼和美丽,就是因为没有很好的安排画面的层次。在拍摄大场景时,松散杂乱是通病,一览无余抓不住读者的视线,缺乏深度感和距离感。最有效的办法,就是在构图时安排前景,画面立刻会收缩,人的视线会由散乱的面集中到一个点上。


尤其是使用超广角镜头拍摄,由于纳入镜头的元素很多,最重要的就是对前景的把握。 照片应该是前景,主体,远景层次分明,内容丰富。前景的选择是多样的,岩石、野花、小路、流水都可以做前景。以我在冰岛犀角山拍摄的两张照片为例。



《魅影》利用小水潭和倒影做前景



这张是用选取了沙丘上的草垛做前景




四、如何利用引导线


一张没有经过精心构图的照片往往会缺少焦点,令观者不知道该看那里。为了避免这种情况,可以在画面中安排引导线,引领观者的目光到主体身上或画面深处。利用广角镜头近大远小的夸张效果,有形或无形的线条集中消失于一个点。把主体安排在消失点的位置,突出主体的同时,还能牢牢抓住光观赏者的视线,增加视线停留在照片的时间。











引导线不一定是实实在在的线,可以是街灯、岩石、道路、台阶等等,总之找到一个角度是可以把这些分开的物体连起来,这时需要摄影师有一定的观察力。


还有一种特殊的引导线,是现场看不见的,海景摄影中常利用海浪做为引导线。因为人眼只能定格一瞬间,而相机可以记录一个时段,相机呈现出的画面是在现场人眼看不到的,这也正是海景摄影的独特魅力所在,拍出的画面往往会带给你惊喜。如何利用海浪做为引导线,需要有一定的海景拍摄经验和预见性。








五、构图形式详解




基本构图形式:九宫格构图







九宫格构图也被称为三分法构图,它是从黄金分割原理简化而来。黄金分割线是一种古老的数学方法,创始人是古希腊的毕达哥拉斯,他在当时十分有限的科学条件下大胆断言:一条线段的某一部分与另一部分之比,如果正好等于另一部分同整个线段的比即0.618,那么这样比例会给人一种美感。后来,这一定律被誉为“黄金分割律”。


这是最为基本的构图方式,将主体安排在“九宫格”交叉点的位置上,不需要非常精确,大概的位置就可以。按照人的视觉习惯,右上方为最佳,左上角次之。这种构图方式较为符合人们的视觉习惯,使主体自然成为视觉中心,具有突出主体并使画面趋向均衡的特点。








三分法则是起点,构图还有很多种形式,而不仅仅是把主体放在画面的某个位置。如何安排画面结构有点类似于几何问题,利用线条和形状来表现各元素之间的关系。下面结合例图来详解各种构图形式。




体现线条的构图形式   




作为摄影语言中的线条,不仅具有长度、方向和位置这些特征,还能表达出动态和情感。线条可以使照片呈现动感及韵律感,让照片更具表现力,使观赏者的视线随着线条的引导而自然集中在主体身上。照片中线条所具有的表现力是其他元素无可取代的, 不同的线条可以表达出不同的情感。


线条具有产生情绪和引导读者视线的作用,随着线条方向的不同,给予观看者的视觉感受与心理影响也会不尽相同。因此在安排画面时,不仅要根据主体和背景之间的关系进行构图,也要处理好线条和主体的关系,让线条错落有致,烘托主体。同时要考虑到画面中线条的方向和作用,会带给观看者怎样的情绪与心理感受。


大自然中线条无处不在,只要我们拥有发现线条的眼力,从错综复杂的线条中发现美并提取到画面中,会给照片带来更多的张力和想象力,使它们成为照片中吸引目光的重要元素。







水平线是摄影中最常出现的线条之一,给画面注入稳定平静的情绪,多用在横构图上。水平线会令画面呈现出平稳、安宁、辽阔、舒适的氛围, 常用于表现湖面、大海、草原等。可依据表现意图,配合经典的三分构图法将水平线放在不同的位置上。











垂直线能充分显示景物的高大和表现纵深感,给人以庄严、秩序、雄伟、奋发向上的视觉感受。适用于拍摄高耸的景物, 如森林、山川峭壁、飞泻的瀑布、摩天大楼等。











对角线富于动感,使画面有活力,容易产生线条的汇聚趋势,吸引人的视线,达到突出主体的效果。把主题安排在对角线上,能有效利用画面对角线的长度,达到纵深效果和立体效果,常用于拍摄水流,瀑布,建筑,道路等。








曲线是指有规律变化且带有圆弧弯曲的线条,是最优雅的线条。具有延长和变化的特点,能在画面中营造出引导视线的韵律感,引导观看者的视线随着曲线移动,感受柔和线条带来的美感,产生优美、雅致、活泼、律动的情绪感受。 常用于表现溪流 、曲径、林间小路,连绵的山峰等。人像摄影中也常用S形构图,展现出女性身材特有的曲线魅力。













汇聚线和交叉线可以使画面产生强烈的视觉冲击效果,线条或影调按A(X)字形布局,透视感强烈,有利于把视线由四周引向中心,是最具引导视线魔力的线条,也让画面更具空间立体感。 常用于大桥、公路、田野等题材。








放射线,顾名思义这种线条是呈放射状的,体现扩散或汇聚的视觉效果,会带来很强的冲击力。在放射线中,通常会有一个中心汇聚点,视线随着线条向中心点汇聚或随着线条向外扩散,因此放射线能够令画面充满张力。例如灯塔的光芒,穿透云层的霞光,或用长时间曝光拍摄云在天空中的动态。










体现形状的构图形式   







用类似于 L 形(C型)的线条或色块将需要强调的物体围绕起来,起到突出主题的作用。L 形如同半个围框,可以是正 L 形也可以是倒 L 形,均能把人的注意力集中到围框以内,使主体突出。










画面上的景物、影调或色彩的变化呈十字形, 常用于有稳定排列组合的物体 。











三角形也能使画面呈现出深度的立体感,可以是正三角也可以是斜三角或倒三角,其中斜三角较为常用,也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡但不失灵活的特点。有些A字形构图也是三角形构图。







对称式构图是打破三分法的构图方法,通常会上下或左右将画面一分为二,形成对称的艺术画面, 它具有平衡、稳定、相呼应的特点。通常用于建筑、倒影等场景。










框架形构图是把要表现的主体,用前景中的树丛、岩石、围墙等围在中心,用前景形成一个框,使观者透过框架欣赏主体。用景物的框架做前景,能增加画面的纵向对比和装饰效果,使照片产生深度感和趣味性。框景构图具有很强的视觉引导效果,引导视觉向画面的中心集中,利用这一点可以将所要重点表现的景物突出呈现在画面之中。








有时一张照片不仅仅体现单一构图形式,会同时呈现出多种构图形式。前面的例图中,一些照片也存在两种以上构图形式。





以上面这张照片为例,照片同时呈现十字形和对称两种构图形式。




构图完美的照片通常需要用心体会,有时还需要耐心等待。经过长期持之以恒的训练,拍摄时不需要再去想这种场景该套用哪种形式,构图将成为摄影思维的一部分,最终转化为直觉。当你真正理解并掌握了这些理论,就能够根据自己的构思去打破法则,呈现出更具有冲击力或是更具个人风格的视角。




作者:朱静姝


微信:JingshuZhu






后期教程-----干净,通透,质感的皮肤处理!

欧大王-FAKETO:

图/文:欧欧-FAKETO


 


写教程没什么感受,总有人问,那就写吧..


 


感谢 @suzy-FAKETO还有V家小龙。让我这种不喜欢打字的人打上了字..


Suzy问我两个问题


 


suzy问:在后期处理照片时,怎样可以让拍摄的照片看起来比较通透和干净?


 


答:那要看拍摄照片的相机设置,设置不同拍出来的色彩和曝光都不一样,通透的一般就是曝光正常色温正常,后期提下曲线、色阶就可以,或者色彩饱和度调整下就可以了。


 


suzy问:后期思路上,对于黑白和彩色的选择取决于什么?是不是有不同的后期思路来体现黑白和彩色的不同特点?


 


答:还是看前期想表现什么样的风格,后期很大部分是跟着前期的感觉走的,即便是很好看的照片,一组造型也不会超出2张黑白照,不太建议一套衣服都是黑白效果,黑白色是经典色,所以越是经典的感觉就不能多,越多反而感觉没看头。


 


话不多说上分解图..




一、常规人像处理


1.打开原图


2.复制图层


3.进行液化


4.修补工具修饰脸上的比较明显的瑕疵


5.插件磨皮插件(Portraiture)选取脸部进行磨皮处理


 



二、高光阴影处理(皮肤精细处理)


再进行双曲线或中性灰均可(双曲线柔一点中性灰硬一点)


注:这一步的关键是加强高光阴影


附:双曲线中性灰视频教程下载观看不打字墨迹了..


下载地址:http://pan.baidu.com/s/1eQpeP26 密码: eqh6



三、盖印可见图层


(快捷键Ctrl+shift+alt+e)


细节上液化(五官比例)


仿制图章将皮肤盖干净,进行锐化。




四、调色


1.打开色彩平衡


这一步的处理是比较关键的,思路也很重要,但是因为每个人的想法和对色彩的见解各不相同,所以基本上每张图的色彩处理都会有不同程度的差别。所以这也是我不建议套用预设的原因所在。在本期教程里我就只给出了这张图的调色数据。



 


2.调整色阶(明暗度)


 




 


3.调整颜色(直接影响肤色)


可选颜色红,黄,黑


 



 




最后一步收尾


从整体视觉上着手再简单做一下细节上的微调


这里我就拉了下对比度降了点亮度和色阶


 



  • 总结



对于前面的常规处理,虽然都是比较基础的东西,但是想要真正做好也是需要花点时间的。其次是皮肤的细节处理上,这里就对大家的耐性有比较高的要求,所谓慢工出细活就是这个道理。最后就是进阶阶段,也是比较关键和复杂的一步。关键是因为它会直接影响到整个后期效果,复杂就是很多因素都是因各人眼光和审美差异的不同导致的输出结果差异。


这里只提供一些大体上的简单后期流程和总体思路,希望可以对大家有点帮助。


但是真的想要达到极致的后期效果,还是要从简单的入手,反复的多看多练。


 


说白了就是:


参数都是次要得


 


有耐心


 


坚持下去


 


最后,练吧..


 


如需原图


PSD 留下邮箱我会发到你邮箱…


 


 


 

九个技巧帮你提升照片神秘感

胖电塔与街头摄影:

翻译&加工: @胖电塔 


原文:《How To Create Mystery & Intrigue In Your iPhone Photos》


作者:Carl Johan Johansson


导语:这篇文章是我在国外一个手机摄影网站上找到的,but you know, 老外写文章多用一组意思相近的句子表达同一观点,不太适合我朝阅读习惯,所以经我翻译和加工分享给大家。所有建议都是针对于手机拍摄,可以看出照片氛围的营造并不需要长枪大炮般的高端器材,只要有创意,就能拍出好照片。一幅成功的作品有时候要引人发问,让受众对作品本身讲述的故事产生好奇与疑问。一张充满神秘气息的作品往往可以将身边日常改变成非同寻常,同样地,在很多街头作品中,神秘感是创造意境的绝妙武器。下面就详述一下这九个技巧。



1,制造剪影效果


     剪影效果想必大家都很熟悉,它是营造作品神秘感的最简单方法。所谓剪影就是主体亮度暗,背景却很明亮,所以明暗对比会产生强烈的视觉冲击力。因为主体亮度很暗,几乎看不到任何细节,这就让受众产生一种好奇感并对此留有深刻印象。



      那么如何创造剪影呢?首先要把主体放在明亮的光源前,然后用手指轻点屏幕对焦到拍摄主体上,随后调节参数降低曝光补偿,使得深色主体在明亮背景中显现出来。太阳光这种自然光是一种非常好的光源,在黄金时间拍摄会得到最好的效果,即日出后一个小时和日落前一个小时,这一时间段太阳在天空中角度较低,光线柔和,天空色彩丰富,所以你可以直接把拍摄主体置于光照背景前。



     当然,你也可以把主体置于窗前或者是人造光前制造剪影。另外一个需要注意的是,尽量将主体放在干净简单的背景前,这样才能更加突出,复杂的背景会干扰到视觉注意力。最简单的方法是用蓝天做背景,使主体处在较高位置,比如山上,然后低角度拍摄。如果这种情况不允许,可以把手机位置放低然后进行拍摄。





2,仅让主体一部分进入画面


    这种方法也很容易做到,就是选择主体的一部分配合合适的背景画面,创造神秘感的同时也会产生一定的趣味性。在这种拍摄方法中,非常适合以人为主体,画面中可以只包含人的手臂,腿或者头发等等,这种照片经常另人产生联想。有时候你可以用这种方法自拍,不过不是那种大头照,可以只拍手,现在正值夏天,完全可以用绿色为背景,然后给自己的手拍个特写。





3,隐藏主体脸部


     为什么忍者都很神秘,因为他们总是蒙着面。同理,在拍摄人像照片时,如果想制造一些暗黑或者伤感的画面,这种方法很管用。想获得这个效果最简便的方法就是让主体背对着你,如果他能身穿夹克,带着帽子,再有一个明显的身形轮廓,那么效果会更好。



      在街头摄影中其实常用这种方法,看到有趣的主体有时候会拍一张背影,这样不必担心主体发现被拍而产生抵触感。有时候可以让主体面向一个大场景,从而使主体和场景产生关联增加故事性。(如下图)





4,让主体足够小


     如果你拍摄的主体特别小时,看不清主体任何细节,会让受众好奇你拍的究竟是谁,会让人疑问站在远处那个人究竟在作什么。这种手法适合于大场景下,会产生一种视觉张力,给人想要靠近主体的欲望。




      把主体置于画面很远处还可以有效增强景深效果,让主体位于引导线的最远处,受众的视觉路径会从前景近处一直延伸到远处的兴趣中心。(如下图)





5,应用浅景深


        我在上两篇介绍手机摄影中的文章中提到过,现在手机的光圈越来越大,甚至已经达到1.8,玩单反的朋友会知道,1.8大光圈会产生漂亮的背景虚化。无奈手机的传感器很小,所以虚化效果不明显,但是足够创造出神秘的主体模糊。这种方法很容易操作,让需要产生神秘效果的主体位于远处,近处选择一个合适的物体,用手机对焦到近处物体上,远处主体自然模糊起来。为了更好达到模糊效果,需要手机离前景物体足够近,主体与前景保持足够距离。这样,近景的清晰与远景的模糊共存于一个画面,会让人好奇于远处的主体。



      还有一个很有趣的玩法,就是在雨天,让主体处于窗外,然后对焦到玻璃上的雨滴,窗外主体被模糊了,会产生朦胧神秘的美感。





6,利用引导线


      引导线构图是构图技巧中一个很常见的技巧,同时也可以用它增加画面神秘感。所谓引导线就是一条简单的线,可以是实际的,也可以是虚拟的,它能够把你的视线从一点引导到另一点。如果引导线在前景开始到达背景结束,会有非常好的效果。


     那么如何利用引导线创造神秘效果呢?不是任何引导线都有这种效果,只有当你看不到这个线的尽头时,这种效果才显现出来。


例如下面这幅照片中的公路一直延伸到迷雾中,看不到尽头,迷雾非常适合营造神秘感,它会形成一道自然的掩盖屏障。



另外一种方法是可以利用引导线延伸到拐角处,就如下面这幅地铁隧道,由于你的眼睛看不到拐弯处更远的样子,所以产生了好奇与疑问。





最后一种方法是让引导线延伸到光亮处,如下图,结合剪影效果,让人看不到主体的任何细节,效果自然而出。





7,找寻抽象物体


     抽象摄影包括拍摄物体的线条,形状,颜色,结构等。通常情况下,只拍摄物体的一部分可以使得抽象画面具有神秘感。拍摄一个部分时,受众会猜想这个物体的整体究竟是什么。



       有时候会把这个部分充满整个画框,有时候会采用不寻常的角度拍摄以达到不寻常的作品。寻找具有重复结构的建筑,采用低角度拍摄,可以去除地面干扰物进入画面,又能创造出神秘的抽象摄影。





8,使用道具


       在摄影中使用道具其实是非常常见的,它们可以增加趣味,颜色,以及一些美丽的元素。那么如何用道具增加照片的神秘感的,答案很简单:让不该出现的东西出现。比如下面这张照片,在日常生活中是很难会看到这样明亮鲜红的椅子出现在乡村小路上的,所以会让看照片的人产生疑问。





伞也是摄影道具中的明星,特别在人像摄影中常常可以看到手持花伞的美女,如果用伞遮挡住身体的一部分也可以产生一种神秘感。





9,摆出匪夷所思的POSE


     这点其实很容易理解了,如果你的POSE让人匪夷所思,那么画面的故事必定蹊跷离奇。这是最后一点,我也不用过多语言叙述了,上几幅图,大家一看就懂了。



这张照片初看感觉非常行为艺术,拍摄者用错位的方法创造出“头脑中生出的树干”,增加神秘性同时又有一定的故事表达。



这种拍摄手法其实在lofter里很常见了,拍摄人故意裁剪掉地面部分,给人一种在空中在云里的梦幻感觉。




写在最后:


从上周开始决定以后每周三翻译一篇国外的优秀摄影文章,我把这个系列称为"海外汇“,今天这是第一篇。现阶段这个系列暂时写手机摄影类的文章,可能包括手机拍人像,拍风景,拍纪实等等以及手机后期,主要是想和博客的主要内容(街头摄影)做个互补。选题为手机摄影的原因也是想和各位传达要打破器材限制的局限,用创意和热情不断发觉自己的摄影潜能。






通透夜景人像摄影后期教程

帅嘤嘤:










在杂乱环境光、不打灯的情况下如何拍照+后期思路、过程




地点:


拍摄地点选了网红景:锦里


熟悉锦里的人,都知道这灯笼一条街都是夜晚景色很好,很适合拍点古风题材。


我这次去了,确实好看,但是杂乱光线也很多,有绿有蓝有红有黄。


所以不打灯的话,可能画面堪忧。


但是这次我打算使用道具的灯光,所以就不考虑架灯。








下面来看下正片:











前期准备:


这次拍照选择的道具是灯笼,小个轻便易携带。


自然的光线可以给画面带来更真实的感觉,也更符合汉服的感觉。因此在环境光和灯笼光之外不宜打灯。灯笼的光线质量较低,所以拍照时尽量靠近脸部。


买的是暖光的,也就是灯芯是黄光,这样可以让前景和背景光线色温保持一致,画面整体感更强。


使用设备:6D+35mm(主)+85mm(副)(都是适马…)


因为想拍的地方是长亭子,怕用85太远,当时路人多,所以主要用35,光圈全开。


拍照时,在前期策划的动作和角度基础上,尽量避免路人入镜。且尽可能带上环境。


环境中的杂光我无法避免(一会看原图可以看到),因为一套片我不可能全是大头,所以后期修饰补必不可少了。










后期修图:


在LR里的调整


1.首先可以看到原图,黄黄一片,什么都看不出来。





2.调整白平衡和暗部高光之类的





3.这步主要调节图中不需要的颜色,和要保留的颜色,使图片颜色不杂乱





4.最后敲定高光和阴影的颜色,定下所有色调,如图。





在PS里的调整


1.用曲线调整脸部亮度




2.可选颜色去除图中树的黄.绿色,达到整张图和谐。




3.打开插件color efex pro4


魅力光晕数值如图




4.最终效果图(容我最后再放一些图~=v=)













以上就是这次我给大家带来的教程!祝大家拍大片!去的地方人少景多!!!




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Thomas看看世界:

要真正弄懂调色,首先要理解RGB、CMYK、HSL、互补色等等色彩基础理论。几乎所有的后期调色工具,都是建立在这些色彩模型之上的。

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Thomas看看世界:

调色是大家学习摄影后期时的一大难题。其根源并不在于我们不明白各种调色工具的使用,而是大家常常缺乏思路,不知道怎样搭配色彩才舒服、好看。其实在色彩的搭配上,美术、设计等学科,早已探索出了很多的规律,可以被我们摄影师借鉴学习。

后期合成教程(一):营造真实感

Terry F:

此教程赠给所有学习后期合成的摄影朋友们,以及爱车之人。



合成应该是后期里面比较复杂的工作,并不在于你对工具有多么熟练或是抠图有多么细致就可以把合成做好。最根本的要领在于不同素材的融合叠加,考验的是你对透视、光影和色彩的把握,另外还需要掌握一定的“障眼法”。


后期合成最基本的能力也并不是扣头发扣衣服扣眼珠子,而是从简单的几何体开始,用各种方法把元素完美融合到一起,把这篇课程的理念学明白了,练到位了,可能你甚至会觉得人像合成缺乏挑战。


那么接下来就让我们用一台车模为案例,从拍摄开始慢慢学习后期合成。



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1. 拍摄


用白色泡沫板拼成一个小盒子,便于产生足够的反光(其实建议大家做成两面封闭,两面开放的,这样更利于布光)。


拍摄的时候有两种选择,要么用手电(或者手机灯)照出漆面的光泽,要么用柔光布裹住盒子,营造柔光,强化车身层次和光影变化。


由于这台变色龙EVO的漆面非常光亮,这次拍摄选择用手电轻度扫光。


剪一张黑色的卡纸放在一边,车身上可以倒映出侧面的暗部(否则侧面全是亮的,没有层次感)



相机参数根据光强来调节,但是请注意,务必使用小光圈拍摄,不然焦平面无法覆盖整个车身。本次拍摄使用135mm镜头,光圈设置为f20。快门速度为5秒,给了我足够的时间把光线扫均匀。


扫光的时候,注意不是直接用电筒照车身,而是用手电将背景和侧面白板适度照亮,来回扫动让光线柔和均匀,然后对准车头部位快速地扫一下,增加一点点光泽感。也可以照亮中冷。



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2. 后期

车模后期和风景人像静物建筑后期原则其实都是一回事:


1.       体现主体最美的一面


2.       环境主体影调上的统一


那么我们就事论事,汽车后期是最基础的,一台车最需要表现出来的地方无非就是“轮廓”“大灯”“腰线”“姿态”以及“改装件”。



首先用钢笔把车辆扣出来,然后选择透视类似的背景(同为长焦拍摄效果)放到背后。


接着来看轮廓,用明暗反差来呈现轮廓是最直接有效的。车身亮的地方用暗背景,暗的地方用亮背景。所以在深色大楼的衬托下,车辆上半部轮廓十分清晰,而下半部较暗的区域则P上烟雾烘托。



大灯可以说是这台车的亮点。根据我拍了这么多车模的经验,车模上的“大灯”“雨刷”“车标”是一定要用真车件取代的。所以我也习惯性地找来了真车EVO9的大灯贴到上面。意外的是,完美贴上去之后,我发现这台车的大灯居然和真车的一模一样,每一条线都完美重合。所以说这个部位可换可不换。


原车模车灯


真车车灯贴上去


车身姿态是另一个重点,也是几乎所有真车和车模存在的问题。拍摄视角越低,车身就会看起来越高,除了少数改了气动避震的车,低角度拍其他车都会有一种SUV既视感。所以为了视觉效果,低角度拍车要养成后期降低车身高度的习惯。


这台车的高度可以说是刚合适,但是为了视觉效果,咱还是让它更贴地吧。


把车轮抠出来,往上移动一点点即可。



然后铺上地面



用曲线配合蒙版画上阴影,车子就和地面完美贴合了。


这一步不可能一步到位,要建立多个曲线图层,分不同区域压暗(比如,轮子下方的小范围区域最暗)



地面完成之后,复制并翻转车体图层,作为地面倒影,用类似碎片的笔刷在蒙版中画出水面范围(油漆涂抹,破布碎片之类的笔刷都行,自行百度)。



接下来进一步调色,环境颜色不能和车身差别太大。把楼房倒影变形叠到车身上,让效果更加真实。



AGU的雨刷和BBR这类高端货一样,用的是金属蚀刻片做的,非常精致。但是不好意思,不管是BBR还是CMC还是AM还是AGU,雨刷是必须替换掉的,1:18的车模,没有哪台车能真实还原真车雨刷的结构和质感。


原车模雨刷


换成真车雨刷


最后一步就是用图章或者修补工具清灰,并且把一些调色过程中导致的色差处理一下。这张图就大功告成啦。



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总结


拍车的时候就要想到后期需要的效果,后期的时候还要想着车辆在真实环境中应有的细节特征。合成并不难,对这一块很感兴趣的朋友可以关注我近期发布的合成后期公开课。




(题外话)选车


最早拍车的时候,选了不少肉眼觉得好看的车,结果一到后期的时候简直是噩梦,几乎每一个接缝处都要重新画,结果车p完了,几乎跟重新画了一台车一样。合金车就没有一台是可以不需要大改车身细节的,AA的算合金车里模具比较好的了,不过他们家银色漆面颗粒感太强,严重削弱真实感。像迷你切这样粗制滥造的东西最好还是留着收个型,别指望拍出来能轻轻松松后期。树脂车里面目前就踩了GTSpirit这一个坑,更便宜的OTTO都做得更好。这个以后再对比着聊了。


目前拍过的车里,不需要怎么大修车身线条的除了BBR,AM这类贵的要死的高端树脂品牌,也就是AUG这个EVO了,何况这车的灯还有惊喜。不过AGU车型少了点,希望以后能丰富一下产品线。


如果你也打算拿拍车模来娱乐或者练习一下的话,请参考下面消费建议。


1.       Autoart,CMC等品牌的合金全开车模并不适合拿来拍照,接缝处间隙太大,磨具和漆面虽然可以满足肉眼观赏,但在镜头下面瑕疵一览无余。


2.       BBR,Am等高端树脂品牌非常适合拍照,拍出来几乎不需要修正bug,但价格非常高,不是土豪没必要为了拍照而入手。


3.       GTS的千万不要碰,车型很多,样子酷炫,但是拍照的时候会给你带来巨大的麻烦,做工太烂,品控差,模具不够平整,刻线很肉,细节随意,几乎没有升值空间,不能把玩。


4.       FA,AUG,IG的千元价位的车性价比非常高,非常好看,做工细腻,漆面平整非常适合拍照。


5.       省钱的话,Topspeed和OTTO也可以考虑,不过后期会更辛苦一些。


再来说说今天拍的这台车:


市面上可以找到的1:18 EVO 9非常少,AA的已经炒成了海景房,SuperA的看样品照片就被烂做工吓到退订,还有的就只有AGU的树脂EVO9了。不过值得高兴的是,AGU出的EVO改装款式特别多,居然还有BBS轮毂的变色龙。果断拿下。



说实话我不是很能接受收一台EVO的素车,这种性能车不爆改一番乐趣何在?


而说到要拿来拍照,也只有AGU的可以达到拍摄标准。AA的车我拍的太多了,原片都是稀烂到惨不忍睹,以至于需要大量特效来遮掩缺陷,现在手上一些aa货都懒得拿出来拍。我也建议喜欢拍车的朋友,直接考虑中高端树脂,所有的合金以及GTs这样的渣渣树脂品牌都可以直接pass。



人像摄影后面的故事

故乡在远方·FoPoTo:

      人像摄影后面的故事


 


     因旅行而结缘摄影,所以我一直把自己当作一位旅行摄影师。有一句调侃旅行的话:“旅行,就是从自己待腻的地方去别人待腻的地方”。确实,从一个自己熟悉的地方去一个陌生的环境旅行,途中常常有不可预知的、好的或者坏的状况发生,然而,从摄影的角度上看,正是这种“不可预知”往往给拍摄带来惊喜。在旅行的过程中会遇到不同的天气、不同的风景、不同的美食、不同的人,所以拍摄题材是丰富多彩的,可以拍民俗、拍建筑、拍静物、拍风光……,其中,人像的拍摄是我旅途中最主要的拍摄内容。


     怯以为,人像的拍摄不完全等同于肖像的拍摄,两者之间有太多的相同之处,似乎又有着某些不同之处。打个比方说,同样是进口的某SUV,只有通过仪表盘上的时速刻表才知道哪个是中规、哪个是美规;又如美国白人与英国白人,都是央格鲁﹒撒克逊民族却分别说着美式英语和英式英语。再回到摄影上来,人像与肖像,无论从主体、构图、影调、曝光等等各个方面上看,大部分时候我们都傻傻的分不清,但隐约又可以感觉到二者之间有着那么一丝不同。如果硬是要“来找茬”这一丝丝的不同!是不是可以这样区分一下?用光上,肖像摄影多数运用人为布置的光线,人像摄影多数运用自然环境下的光线;构图上,肖像摄影大多拍摄特写与近景,人像摄影不仅仅有特写、近景,还有照顾到环境因素的远景;拍摄过程上,肖像摄影有与被摄对象反复沟通、交流的可能,类似于摆拍,而人像摄影则追求自然发生、原汁原味,讲求抓拍。也许没有必要来区分他们之间的不同,这仅代表我个人的一点看法,是否显得多此一举?供大家参考、讨论。


     人像摄影亦或是肖像摄影,拍摄的主体是人,对人物肢体语言和表情的抓取显得尤其重要。影棚里拍摄的肖像拍摄,有充分的时间去构思画面,可以与被摄对象有充分的沟通,再通过精心的环境布置和光线布置,反复多次的去拍摄,相对容易可以拍摄出精美的照片,肖像作品的难度应该是如何拍出新意。区别于影棚拍摄,在自然环境里拍摄的人像,选择什么样的光线、以什么样的角度拍摄,能否准确抓取人物肢体语言和面部表情,对于拍摄的成败起着决定性的作用,机会往往只有一次,难度在于如何把握稍纵即逝的精彩瞬间,正所谓“决定性瞬间”。


     业余时间我喜欢拜读一些大师的著作,尤为喜欢人文、人像一类的作品,其中受格雷戈尔﹒海斯勒《50幅人像杰作背后的奥义》的启发颇深。今天让我做一次尝试,沿着大师的足迹,结合我在旅途中拍摄的图片,来解读人像摄影背后故事,以致敬大师!




1:《雪中》拍摄于四川阿坝县。




     照片拍摄于川西阿坝县。每年正月的莫朗节是阿坝藏族一年中最盛大的节日,起源于宗喀巴大师的宗教改革,是为了纪念佛祖释迦摩尼而创建的节日,距今已经有一千多年的历史,节日期间举行瞻佛、跳法舞、盛装巡游等活动。照片取材于节日的活动现场,在一场不期而遇的大雪中,记录了无法观看盛装巡游的祖孙三代无奈躲避在门檐下的情景。


     光线,在摄影中的重要性无需赘述,摄影师选择光线的角度,以逆光、顺光、侧逆光等来进行拍摄。在所有的光线中,散射光是非常独特的一种光线,太阳被云层遮挡,仿佛套上了一个柔光罩,光比明显减小,物体因为没有明确的投影而缺少立体感,然而,相对于强烈光线下的生硬,在柔软的散射光下拍摄出的照片,则可以得到更为丰富的细节。


     就这张照片而言,散射光下的拍摄由于缺少立体感,构图上对于整体架构的设计显得更为重要。画面中以土墙中间处,恰当出现的门来勾勒画面,门的造型、色彩、“各莫寺57号”的门牌、以及人物鲜明的服饰明确了地域特征;门里的丰富的元素和相对厚重的色彩则强化了主体的突出。层次上似乎平了点,但从灰白的天空到土黄色的墙、再到红色边框的门、再到人物,在区块上、色彩上通过这种渐进式的过渡丰富了画面层次,使画面的层次感并不显得过于平淡。祖孙三代以群像的方式出现,或坐、或站、或回眸、姿态各异,表情落寞,技巧上对于快门速度的控制,为了着重表现雪花飞舞的景象,营造出冬季天气“冷”的氛围,强调了人物无法参与节日活动无奈的“冷”的情绪。


     由于散射光这种柔性,弱反差、不生硬的特质,更利于表达安静、纯美的画面,虽然层次感上有所弱化,但更为丰富的细节则弥补了一些缺憾。


 


  2:《母亲》拍摄于埃塞俄比亚。




     这幅作品拍摄于埃塞俄比亚南部的原始部落。当我们抵达这个部落时已经是正午时分,车子刚一停稳,男人、女人和小孩纷纷从树林与茅屋里走出来,虽然这里与世隔绝,但他们对我们的到来并不感到惊奇,显然,我们不是第一批过来的客人,无须太多的交涉,拍摄就在村寨里开始。


     这位母亲好像不喜欢掺和,躲的远远的,一双眼睛冷静的注视着一切,透过她的眼神,可以看到她对别样世界的注视,我怀疑她真是把我们当成奇怪的人,惊奇我们这些举动的意义所在。襁褓中的小孩正满足的酣睡着,乳头上似乎还残留着没有吮吸干的乳汁,这种温馨且富有亲情的姿态让我们有一种似曾相识的感觉,母爱是一样的,不管是来自现代社会还是原始部落。她很美,五官精致,细长的脖子上缠绕的一串串珠链,或许是财富的象征;披在身上的羊皮衣挂着各种挂饰,脸上的纹面以及穿破下唇的树枝,代表着部落的风俗与传统。拍摄这样的眼神不需要前去沟通,哪怕是极短暂的打扰都会被破坏掉,所要做的就是准确的抓取。


     现在有一种现象,发达地区的摄影师喜欢去欠发达地区拍摄“原生态”的人像,我也是其中一员,但是我厌恶那些刻意的去表现贫穷、丑陋、肮脏、悲伤……这种“冷”的照片,更不喜欢像拍摄模特一样的去摆拍,总是想以自然的且富有情感的方式去拍摄,通过抓取人物的表情、眼神来传达一种生活方式、一种处事态度、乃至一种文化。


     这幅照片,人物的姿态自然、不做作,以天空为背景干净而纯粹,低机位拍摄表达对被摄对象的尊重。原片,蓝色的天空、绿色的树林、黄色的皮衣、多彩的珠串,色彩混杂弱化了对于眼神的关注,照片以黑白的效果呈现,突出肤色的质感,有利于强调主体,增强作品的表现力。


 


3:《吸烟的老者》拍摄于成都。




     2016年拍摄于成都双流老茶馆的“半摆拍”人像,为什么称之为“半摆拍”?其实是一种诙谐的说法。在旅途中遇到伦勃朗光的机会不是很多,遇到了就一定要拍下来。当我举起相机准备拍摄时,老人自然的摆出了经典造型,无论从姿态、表情、眼神都非常到位,可以说这是一次成功的摆拍,然而又不是按照我的要求来刻意摆拍,所以,我称之为“半摆拍”。在国内类似于双流老茶馆这种经典的拍摄场所,像这样半职业、半专业的群众演员还有很多,之所以有这种“半摆拍”的出现,或许是“摆拍”现象严重后的溢出效应吧。


     对于伦勃朗光的运用普遍出现在人像摄影里,“伦勃朗光”是因善于捕捉光影明暗变化的荷兰画家伦勃朗而得名。光线从侧面照射被摄对象的二分之一至四分之三处,使画面更有立体感,更具戏剧性。这张照片在运用伦勃朗光上无疑是成功的,光线透过窗户照射进来,勾勒出人物的轮廓、丰富了层次,大光比隐去了背景的杂乱而纯粹了画面。


     都知道摄影是用光的艺术,一次对于光线的恰当运用,原来摄影也可以如此的简单。


 


4:《欢乐少年》拍摄于尼泊尔。




    在通过“景别”的线索来解析构图时,对于“距离”有着多角度的的解读。同样,人像摄影里“距离”也是非常有趣的因素,它可以说是一把双刃剑。在拍摄实践中,如果我们距离被摄对象很远,就会失去了与他们的联系,拍摄出的画面往往缺少情感;如果我们与被摄对象靠的太近,则有可能让他们感到拘谨,拍摄出的画面也许会感到矫情而做作,由此可见,拍摄距离对于人像摄影的重要性。


     照片使用了一只35mm定焦镜头以f2的光圈来拍摄,之所以没有放大到最大光圈拍摄,是因为最大光圈会出现像差与衍射现象,从而会对画质产生重大影响,适当的缩小一、两挡光圈,这种影响可以得到改善,况且f2的光圈已经足够的大,能够满足拍摄的需要。35mm镜头的视角接近于人的双眼视角,拍摄出的照片是最真实的所见,适合人文纪实一类的拍摄,这样,既可以保持与被摄对象的适当距离,又可以有足够广的视角来容纳更多的元素。


    故事发生在加德满都郊外的一个村庄。下午,与一群放学的小孩相遇在小路上,本没有打算拍摄,不知道是我太具有亲和力还是小孩们太过热情,简单的肢体语言交流,我们似乎已经很熟的样子,赠送他们几块随身携带的饼干,又拉近了我们的距离。这个中国叔叔真的太好了!这样一个画面是值得记录下来的,于是我端起相机拍摄,是否因为有之前沟通的铺垫,相机的出现反而激起了他们更大的热情,于是,欢乐的画面就出现了。


 


5:《岩石教堂里的神职人员》拍摄于拉利贝拉。




     世界上最具特色的基督教教堂--拉利贝拉岩石教堂。岩石教堂始建于12世纪后期的拉利贝拉王朝统治时期,有非洲奇迹之称,是12至13世纪基督教文明在埃塞俄比亚的非凡产物。照片拍摄于最大的梅德哈尼阿莱姆教堂,伦勃朗光的运用使神职人员的形象更为突出。然而,最为惊奇的是挂在岩柱上的一幅圣母像,这与我们以前所见到的圣母像截然不同。


     基督教源自犹太教,基督教信仰以耶稣基督为中心,圣经为蓝本,核心思想就是上帝的救赎。基督教最基本的教义,主张人“本着恩典,因着信仰,被神救赎”,这个教义的基本逻辑是,因为人的本性不可救药的堕落,所有的、人的行为都带有罪性,甚至于做好事也是出自于人的自利、自满、自傲的罪性,所以需要来自上帝的救赎。那么救赎怎样体现?教义说,救赎体现在这样一个事实上,上帝作为人子降临于世,在十字架上替他们死了一回,替他们赎罪,并将圣灵赐予“信仰上帝本身替人赎罪这一事实”的人,让他们依靠信仰得到来自上帝的圣灵,使身体与灵魂获得救赎。圣母玛利亚是耶稣的生母,她怀孕、生产、养育了耶稣,在圣殿里将耶稣奉献给圣父,并与死在十字架上的耶稣共受痛苦,所以圣母常常以怀抱耶稣的形象出现。


     当基督教传播到东部非洲的时候,圣母、耶稣的形象似乎本土化了,在岩石教堂的圣母像俨然是以非洲黑人的形象出现,黑色肤色的圣母、黑色肤色的耶稣,宗教在传播过程中出现的变异。这种现象也如同佛教一样,从古印度传入我国中原地区而发展成大乘佛教,传入中南半岛而发展成小乘佛教,传入我国西藏地区而发展成藏传佛教一样,这种宗教在传播过程中本土化的再发展,值得研究。我不是这方面的专家,甚至不是任何一个宗教的信徒,所以没有发言权,只是惊叹于这种现象的神奇。


     回到旅行、摄影上来,旅行的目的就是感受不同地域、不同文化、不同宗教的差异,并把这一切通过相机忠实记录下来。旅行中拍摄这样的题材,不会有充足的时间来熟悉环境,即便带上灯光、脚架等设备,最终可能没有条件使用上,所以,在边走边看的过程当中,需要敏锐的观察与准确的把握。就岩石教堂这样的场景而言,在各个空间里游走,穿梭于乎强乎弱的光线里,需要特别娴熟的调整拍摄参数来捕捉复杂光线下的人物,这对于成功的拍摄尤为重要。


 


6:《对话》拍摄于埃塞俄比亚。




     人像摄影尽量避免证件照一样的拍摄,而是多去捕捉一些具有人文关怀的瞬间,旅途中,除了拍摄一些优美的照片,还要用镜头来关注社会、关注生活、关注周边的人和事,通过有温度的拍摄来感染观者。摄影师的最终追求,是拍摄出一张照片可以阻止一场战争、拍摄出一张照片可以引发社会变革,拍摄出一张照片能够引起社会共鸣,这才是摄影的真正价值所在。摄影师大都带着情感去拍摄,有人善于拍摄美好的“善”的照片,歌颂美好;有的人善于拍摄丑陋的“恶”的照片,鞭挞丑陋,这一切都是源自摄影师的创作态度与价值判断。


     话题好像有些沉重、宏大了!有时候,这种人道主义和人文关怀的价值体现就悄无声息的发生在身边,只是你没有注意而已。


     如图中出现的,同行的摄影师与非洲男孩的“对话”,是一个摄影人对于真实所见的内心表露,她说了什么他不会听懂,但她的肢体语言、她的眼神都表露出了对他的关怀与怜悯,他似乎也看懂、听懂了这一切,我们能够从男孩忸怩的姿态上看得出他发自内心的感应和相通。跨越地域和文明的交流如此神奇,让人感觉到一种温暖情感扑面而来。观看这样的照片无需在拍摄技巧的细枝末节上去纠结,也无需在艺术表现力上去反复推敲琢磨,只要能看到人道情怀的最直白表达就足够了。


 


7:《赞》拍摄于摩洛哥索维拉。




   “人像不给脸”还能称之为人像吗?这是个有趣的话题。


     记得前不久,图片网站--图虫网举行过一次“人像不给脸”的图片征集活动。内容介绍是这样的:


    如果“不要脸”还能拍出一张好的人像吗?子曰:我看行。


    没有脸的人像,就是没有窗的城堡,其中的情绪往往是收敛不外露的,窥探这样的情绪,也往往雾里看花。模糊,需要细腻的心肠。


    然而,身体却是很少撒谎的,所以身体传达的情绪,往往更真,更纯。


     借用组织者的这段话来描述我的这幅图片---《赞》!


 


     拍摄人像,我相信:“‘像’由心生”,你拍到的不一定就是你看到的,却一定是你感知到的。


 



以九种构图样式来聊聊摄影构图

故乡在远方·FoPoTo:

     说到摄影构图,就又和绘画联系上了,必须承认,摄影构图理论是从绘画构图理论发展而来的。在摄影实践中,我们常常会听到“构图安排”这样的说法,这实际上是生硬套用绘画的构图理论来指导摄影构图,往往忽视了摄影本身的特点,把摄影搞成了绘画的替代品。摄影,一个最重要特点在于现场环境里的真实性和突发情况下的戏剧性,这种真实环境里、不可预知情况下拍摄出的图片,从绘画理论上讲往往是不够完美或者是失败的,然而正是这种原生态、未经修饰的构成样式,才应该是摄影的本源与魅力所在。这里不是说借鉴绘画的构图理论来摄影就不可以,而是强调以摄影本身的方式与规律来进行的重要性,要做到有别于绘画,所以,这种“有别于”在构图上讲,最少应该理解为“选取”而不是“安排”。当然,“安排”着来拍摄也不是不好,这也是摄影的一种样式或者是一种摄影分类,比如“商业摄影”、“静物摄影”、“肖像摄影”等等,常常按照构图的一惯理论来布置拍摄环境,是为了达到绘画一样的完美效果或是为了符合某种要求。在没有人为干涉的、自然发生的环境里去拍摄,是有别于以上一些摄影分类的,构图上的“选取”是其最重要的特点,这种“选取”不是简单以“虚化”、“减法”、“剥离”等理念去拍摄,而是在纷繁无序中重新构建次序。“选取”式的构图是一种视觉设计,这种设计不是人为的、生硬的去“安排”,而是在自然发生的环境里来构建,这就需要发现的眼光和一些拍摄技巧。这种眼光和技巧是通过无数次快门闪动来积累的,当然积累不是盲目的,而是有规律可循和有理论指导。


     现代社会是信息爆炸的时代,有关于构图法则的书籍和链接轻易可以找到,诸如:三分构图、对称构图、对角线构图、框架构图……等等不一而足。以下,以我拍摄的图片为实例在构图上做一些解读。在解析这些构图方式前,再简单的了解一下“封闭式构图”与“开放式构图”这两种构图观念。


     封闭式构图和开放式构图。当摄影师用框架去截取生活中的形象,并运用空间、角度、光线等手段重新组合框架内部的新秩序,把框架之内看成是一个独立的天地,追求的是画面内部的统一、完整、均衡等视觉效果,这种构图方式称为封闭式构图。与之相反,开放式构图是把分割与外界联系的框架“切断”,画面注重构建一个可视空间外的虚空间,给观者以无限的想象空间。开放式构图的特点综述以下几点:(1)画面主体不一定在画面的中心,而是强调主体与画外空间的联系。(2)画面形象不完整,以强调外在空间的存在以及与画外空间的联系。(3)故意构建不平衡、不协调,使画面处于从不均衡到均衡、不协调到协调的变化之中。总之,开放式构图不是把观者的视觉感受局限在框架以内,而是引导观者联想画外空间,从而增加画面的容量,因此,封闭式构图相对的保守、规范一点,开放式构图则相对的大胆、激进一些。以上提到的“三分构图”、“对称构图”……等等更多的遵循“封闭式构图”的观念;“开放式构图”的理念则是“没有规则就是第一法则”。 


      不管怎么说,我们终究是为了得到一张好照片!虽然单纯从构图上来解读什么是好照片非常片面,但构图好坏确实是好照片的基本要素。以下我们做一些图片实例来直观的解析构图。




      (1)关键词---对称。对称式的构图是以一条线或一个点为中心,两边形状、大小、影调基本一致的构图样式,这种构图在拍摄风光、建筑、人文都有运用,有工整、严肃、安静之美,但往往缺少变化而略显单调。所以,需要一些元素的介入来打破这种格局,从而使画面内容丰富而更具可读性。下面这张照片拍摄于印度阿格拉红堡,基本符合“对称式构图”平衡、稳定的要求,如果单纯表达图表式的平衡、稳定则没有问题,但终究显得单调呆板。出现在“三分法则”左下黄金点位身着纱丽的人物,既点出了地域特征,也打破了画面这种木纳的平衡,从而使画面生动了许多,这样的构图样式比单纯的对称构图来得鲜活,个人也比较喜欢这种构图样式。




      (2)关键词---框架。框架式的构图是较为常用的构图样式,是运用现场的景、物做一个“框架”,形成某种包围、遮挡、分割,来增强内容的戏剧感、画面的纵深感,引导观者关注“框架”内的主体,来解读作者所要表达的主题。这个“框架”可以门、窗、桥洞……,也可以是树、网、光影……,运用“框架”来构图,需要注意主体与陪体的主次关系,防止喧宾夺主。在拍摄过程当中,当遇到好的“框架”结构时,可以对场景做一定预判,耐心等待“框架”内出现的事物,往往会有惊喜。下图拍摄于蓝色之城---舍夫沙万,下午阳光照入古城狭小的街道,一户人家打开了一扇门,是一个非常好的“框架”,遗憾的是“框架”内没有事物发生。于是,耐心躲在角落预设好场景,期待“框架”内有不可预知的事物发生,不久,当一个奔跑男孩出现时,果断按下快门,完成一张悬浮男孩的照片。




      (3)关键词---虚实。构图中常常运用虚与实的手法来突出主体,一般理解为长焦或者大光圈的虚化效果,达到主体剥离的目的,以至于人们追求镜头的光圈越来越大,以期待焦外得到如奶油般丝滑效果,这实质上是对虚与实关系的简单理解。另外一个方面,从构图的表现手法上也可以做到虚与实的表达。下图拍摄于撒哈拉沙漠,一只驼队逶迤行走在红沙与蓝天之间,如剪影一般的清晰明了,而在夕阳照射下另一只驼队的影子印在沙丘之上,让观者跳出画外想象出另外一只驼队的存在。这种虚与实的对比突破了画面的局限,给观者无限的想象空间,这样增强了图片的可读性,是不是属于开放式构图的一种样式。




      (4)关键词---焦点。每一张照片都要有焦点,而且这个焦点对观者而言也应该是非常明确的。相对于文本阅读自上而下或者由左及右的阅读方式,人们观看照片则来得更为直接,焦点可以通过引导线引导、色彩的对比、明暗的反差等等直入主题,不需要观者盲目地寻找。另一种情况,焦点并不因为出现在画面中间或者黄金点上才突出,在主体不是十分明确的情况下,一些打破平淡的元素则会起到刺激、提醒的作用。如这张“万众之尊”拍摄于川西阿坝莫朗节瞻佛仪式,山脉绵绵,苍穹下万众之尊的活佛淹没在如潮人海中,并不显得突出,一把象征神权威严的伞盖打破了画面的平淡,从而把观者的视线重新吸引过来。




      (5)关键词---图型。生活当中有很多我们忽视的图案,如果运用得当会有不同寻常,具有意想不到的抽象之美,如沙漠的纹理,建筑的结构、大理石的花纹、森林的树影……。拍摄的实践中,在一些有序或者无序的纹理、结构、图案中安排拍摄主体,会更加强化观者对主体的关注,从而提升了整个画面的质感。下图“乌本桥下的另类钓翁”拍摄于曼德勒,夕阳下拉长了桥杆的影子,形成了一张极具韵味的图案,在左下出现的一位站在河里垂钓的钓翁,有一种荒诞、另类、幽默在里面,想想如果平静的水面没有桥杆的光影,画面是不是很平淡?正是因为有了桥杆的影子存在才增添了许多趣味性。                                                                                


 


      (6)关键词---引导线。照片是二维平面通过透视关系展现三围空间,引导线是最能强化这种透视关系的,可以通过一条或者多条具有明显方向性的线条引导而导入视觉中心。这种线条产生于自然环境里,如:河流、沙痕、山脉……;也可以产生于人造环境里,如:回廊、栏杆、道路……;可以是直线、曲线这样的显性线条,也可以是散落在画面里的点,规则或者不规则的隐性线条。下图“聆听圣音”拍摄于埃塞北部城市拉利贝拉的岩石教堂,观者视觉的第一印象应该是树下唯一身着黑袍的妇女,但真正的视点却是画面右边伞盖下颂读圣经的神父,非常靠边的主体之所以没有被忽视,是因为经过众多信徒目光的引导而重新被重视起来,增强了画面的故事性、可读性,这种目光的引导就是隐性的引导线,拍摄实践中往往会忽视这种隐性引导线的存在,而错过一些精彩的画面。发现隐性引导线,需要敏锐的观察与艰难的取舍,运用得当会得到一张与众不同的好照片,这样的构图也符合开放式构图的一些特性。




      (7)关键词---地平线。运用地平线拍摄照片的原理与概念不难理解,尤其是拍摄风光片。地平线就是一条分割天空与大地的分界线,如果天空占主体,画面表现高远或者恢弘;如果地面占主体,画面表现凝重、壮美;地平线居中则画面平衡、缺乏活力,但如果安排一些鲜活的事物,画面会充满生机。下图“赶海的人”拍摄于有“天空之镜”美誉的东海滩涂,超广镜头拍摄,海平面居中显出天空之高远、大海之辽阔,如果没有赶海人的介入,画面平淡无趣,正是因为出现了辛勤劳作的赶海人,如此壮美的天地为歌颂劳动人民的伟大而增加光彩。




     (8)关键词---对角线。对角线不管是直线还是曲线,都是具有几何形状的构图样式,虽然与引导线有一定的联系,但对角线的分割作用大于引导作用,这种分割有贯穿性的也有边缘性的。一些图片在统一背景下的对角线构图,比如:红墙下的梅枝、或者草原上的栅栏,再或者桥梁飞渡……等等的对角线构图,更具有一些引导和框架的属性。而对色彩的分割或者对明暗的分割,所起到的效果则来得彻底和畅快。如下图,沙丘与天空在色彩上形成了反差,沙丘的边缘是一条分割线,对角线的构图样式把图片分割成两块,给观者带来强烈的视觉刺激;努力攀登的人在巨大的沙丘与高远的天空映衬下格外渺小,也强化了这种攀登路途中艰辛的情绪。




     (9)关键词---裁剪。裁剪也被称为二次构图。像风光摄影、静物摄影……等等,拍摄时在构图上会有着比较宽松的准备时间,所以后期制作中基本不需要裁剪或者裁剪幅度非常小;而新闻、旅拍、街拍、民俗……等等这些人文纪实类的照片,事、物的发生常常突如其来,拍摄时间如电光火石般稍纵即逝,所以在遵循“首先要拍到”的原则下,对于构图的考虑会弱化许多,得到的照片在构图上往往都不太理想,裁剪就成为了完善图片的重要手段。下图“玩泡泡的男孩”拍摄于摩洛哥索维拉,拍摄是在与男孩交流中进行,为了抓住男孩转瞬即逝的表情,合焦点定在男孩的脸部,所以构图上考虑不完善,很不理想。就需要通过后期剪裁来进行调整,最后把男孩的眼睛放在“三分法则”的焦点位置上来突出表情,这样画面足够饱满扎实。当然,一次性完成构图效果最佳,裁剪是没有办法的办法,切不可把裁剪作为构图的最终手段,如果依赖裁剪来完成构图,损失的不仅仅是像素,长此以往,在拍摄过程中会丧失重新构建次序的能力。




      以上9张图片解读之所以以关键词的方式来进行,是因为如果以样图的唯一特征来解析某一种构图样式,显得教条!而且一张好照片往往是对构图样式的综合运用,目的是把观者的视点集中到主体上来。关于构图的总结是各种各样的,以上一些解读可能并不全面,以及在解读构图的同时所谈到一些实拍经验,供大家参考、讨论。


     摄影是具有写实功能的一个艺术门类,取材于生活应该高于生活,这种提炼在构图上讲就是“选取”式的重新构建,重新构建是通过了解各种各样的构图方式,并灵活运用到拍摄实践中去,来反映作者对于真实所见的所思所想,从而完成从生活的真实到艺术的真实的升华,正如马克﹒吕布说的:“在我镜头的那一边是客观现实世界,而在这一边则是我的梦幻世界!”

关于色温的经验分享

吕强:


很多人都在问我,为什么我的照片的色彩那么漂亮。不可否认我是画画的,在色彩搭配以及调色的方面我相当有经验。

那么现在,我分享我一些经验。近期照片,我调色已经非常少了,近乎不会去改变照片的颜色,那么这时候就需要通过色彩的明暗以及温度来控制一张照片的气氛了。




直接看图说话,第一张是原片,第二张是调整过色温和饱和度的照片,当然,照片的明暗对比调整也是相当重要的,我这里着重讲色彩。


色温可以控制的东西很多:

  1. 色温控制色彩的整个气氛,这个不用多讲,不同的色彩有不同的情感。
  2. 色温控制画面的饱和度,这个可能知道的人也不少,但是不讲出来可能真没有多少人能认识到这个问题。暖色温会增加暖色的饱和度降低冷色的饱和度;冷色温能增加冷色的饱和度降低暖色的饱和度。例如上图,我增加了暖色温,后面的云彩就变得饱和,这是一个很实用的技巧。
  3. 色温控制画面的通透度,何以这么说,和上面一项控制饱和度有所联系,适当的色彩饱和与搭配,更能突出画面的质感与细节。比如一张图片你已经把色温拉到了色彩溢出,那么细节肯定也不复存在了,这张照片就毫无细节了。就像是为什么闪光灯的色温必须是5500k一样,因为这样的色温最能还原最通透真实的皮肤。
  4. 还有很多要素,这里不做多讲了。



下面看一个实例,我是怎么控制色温来修饰出一张照片的。




原片都为暖色调,主体颜色与画面沾在了一起。



成品,有了明显的冷暖对比。色彩也丰富了。


开始这张照片之前,我想说,所有照片都是在acr里面完成的,如果你是拍的jpg,就可以不用看下去了。


第一步:打开acr,不多说,继续


第二步:调整亮度选项,找回阴影细节高光细节的同时,注意画面整体的素描关系以及噪点控制。我这幅照片上本来就很多噪点,所以我忽略⋯⋯




第三步:调整色温,整体色温,看整幅画面占比例最多的地方,还原那些地方的色温先。注意饱和度、溢出、层次等问题。我现在还原的是灯笼区域,控制好了色温的平衡。




第四步:使用渐变工具再调整其他部分的区域色温,并对该区域的曝光饱和进行简单调整下,使画面统一。这样,一张照片几乎已经处理完成了。




第五步:可以打开ps了,进行可选颜色等操作,我调整了白色选项,是因为我想为白色部分加入更多更饱和的色彩,和右边的暖色进行匹配。




第六步:最后加一点对比什么的,裁裁图,加一点暗角,这张图片就完事了。还是挺简单的吧。


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最后,我想说一下。除了人像创作外的很多作品,建议不要过多的使用主观颜色,这样会让人感觉很怪。调色除了漂亮之外还要合理,这样的图片才会使人觉得有亲切感和现实感。最佳办法就是通过色温控制,在相机上在电脑上都可以加以控制,最主要是先去认识它理解它。无论是风光、人文、人像、婚纱、婚礼、商业、这都是至关重要的。


最后谢谢大家的耐心解读,希望对各位摄影师朋友都会有所帮助。


这算一个经验分享吧,为我要出的专业合成教程做准备,先偷跑一张最简单的合成。