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【大自然的搬运工】Steve McCurry的街拍构图九法

lightchaser:

在油管上看到这个视频,很喜欢,转过来给大家看一下。墙外的朋友可以直接点此链接:https://www.youtube.com/watch?v=7ZVyNjKSr0M




Steve McCurry一直是对我影响最大,也是我最喜欢的摄影师之一。提到这个名字大家可能有些陌生,但是说到阿富汗女孩,相信地球人都知道。从70年代末大学毕业之后独自一人穿过巴基斯坦进入阿富汗地区记录当地的武装斗争,到加入马格南,再到2010年受柯达之托拍摄停产前的最后一卷Kodachrome,麦咖喱无疑是史上最成功的纪实摄影师之一。麦咖喱一生中的神作很多,这个视频选取了其中很少的一部分作为例子来分析街拍中常见的九个构图方式。原视频除了图片以外没有配音讲解,我在翻译的过程中加入了一点自己的见解和例子,如有谬误还请多多包含。




一:Rule of Thirds


三分/井字构图法。相信这个大家都熟悉,就不细说了。简单来说就是把被摄者或其他重要原素放在井字的四个交叉点处。





三分构图法的另一种应用是将重要的原素沿着井字的两条线放置,配以明暗或色彩的对比,将画面分割为几个区间。



(搬运工注:三分法第二种应用最有名的一张照片,应该是大家一致表示看不懂的前史上最贵照片,Andreas Gursky的Rhein II。当然这张照片在三分法的基础上又更上了一层楼,用天空,河水和公路配以草地将画面分为六个区间。)



下面是原视频的例子:





二:Leading Lines


这种构图法就是用画面中的一些自然的线条和透视关系来引导观者,使其的注意力从前景过度到背景,反之亦然。最常见的这类自然线条就是道路,蜿蜒的道路一般都会给人很强的空间感。







三:Diagonals


对角线构图。要注意的是这里所说的对角线构图并不是大多数人想像的,将整个画面倾斜45度的构图方法。这种构图是新手或刚接触摄影的人很喜欢用的一种构图方式,一般使用者认为这样会使画面更有动感,但其实这样构图会给观者的观看带来极大的不便。当然,并不是说这种构图方式就是不可触及的禁区。但想要利用这种倾斜构图带来特别的视觉效果往往需要深厚的艺术功底和对画面的理解,所以建议使用前三思而后行。


言归正传,这里所说的对角线构图其实和上一个构图法有所重叠,主要就是在画面中使用一些倾斜的自然线条或形状。视频里举的例子不是特别明显,我在这里补充一个比较明显的例子。



(Photo by José António Fernandes Almeida on 500px)


下面是原视频的例子:






四:Framing


框架式构图。这个很直接没什么好说的,就是寻找可以把主体包起来的框架,如门窗,或其他自然框架。这种构图是强迫症患者的最爱,利用框架来突出被包围的主体。







五:Figure to Ground


找到主体和背景之间的明暗关系。这个也很直接,主要就是通过光影的明暗来突出主体。这里我想再额外举两个例子,一个是我的朋友新加坡摄影师Gerald Chew拍的,另外一个是马格南大师Trent Parke的作品。从这两张图中可以更好的体现如何利用强烈的反差来给主体带来一种特别的效果。



(Photo by Gerald Chew)



(Photo by Trent Parke)


下面是原视频的例子:






六:Get Close to Your Subjects


这里又不能免俗的把Robert Capa的至理名言搬出来了:如果你觉得你的照片不够好,那说明你离的不够近。离你的主体更近可以将画面填满,给观者身临其境的冲击感。在这里打个小广告,关于街拍的一些小技巧可以参考我之前的一篇文章:胆大心细








七:Center Dominant Eye


这种构图方式是在居中构图的基础上,将主体的主眼放在照片的中轴线上。当主体正面面对镜头时,可将任何一只眼选为主眼。当主体侧面面对镜头时,将靠前的一只眼选为主眼。将主眼居中的作用是会给观者一种目光跟随自己的感觉。







 八:Pattern & Repetition


模式与重复。重复的模式或图案会给观者带来一种视觉上的美感。墙外的英文好的同学可以看一下单灯大师Zack Arias的一个与粉丝互动的挑战系列:每个月会有一个特定的题目发布在他的油管主页上,粉丝们可以在flickr或500px上传自己在这一个月内拍的符合题目的照片,大师会在月底随机选出一些例子来点评。这个栏目第一期就是Patterns & Repetitive Forms,视频请戳这里:Part 1 & Part 2






当然,比重复的图案更胜一层的是模式被构图中的主体所打破:







九:Symmetry


中心对称。这个也没什么好说的,但在街拍实际操作中,很难能够拍出完美的轴对称的照片,除非你征求到了被摄者的同意,但是这样在某种程度上来说却又违背了街拍的初衷。





调色教程第4发

夏无羁·LoFoTo:

大家好,这里又是夏无羁的拍摄后期教程时间~


 


我的微博:@夏无羁Mingo,约片微信:331742014


 


关注原po微博,转发教程并 @ 一位好友再留下你的邮箱,我将把该图的LR预设和PSD文件一并发送给你


 


★★★★★后期参数等只是提供一个思路,具体调节还是需要因照片而异的。需举一反三,切莫滥套用★★★★★


 


这次这套调色亲测适合部分户外环境的人像


 


成片:



原片:



 


拍摄时依然要记得尽量用RAW格式拍摄,让后期的调整空间更大。


这次的调色思路基本上是以上次的古风色调(古风类型照片的拍摄及后期思路分享)为基础进行加工得来。


 


具体参数调整如下:



 


其中需注意的重点:便是颜色调整部分,将黄色和绿色的饱和度明亮度都拉低,可以让整个画面中树、草地等部分变灰暗。


调整红色与橘色滑块依然是对肤色进行控制



 


其中LR菜单最底下一栏的相机校准里我还调整了阴影的色调,让其偏绿,跟个人喜好有关。


这个滑块调整对整体画面影响还是挺大的,可以尝试看看



 


LR调整基本结束,接下来就是导出保存


再导入PS中做进一步的调整


 


在这次片子里我做了一个比较闲得无聊的尝试,就是对背景中的树干做了模糊处理。


用的是滤镜菜单中的动感模糊


先Ctrl+J将原图复制一层,然后点选动感模糊



 


调整模糊方向与树干的方向平行


 



 


确认后点击蒙版按钮,在这一图层上加一层蒙版



 


蒙版的用法就是相当于在画面上盖了一层可反复擦除与还原的复写纸


而调整它的工具就是画笔与黑白两色



 


点选激活蒙版后,用黑笔在上面仔细涂抹,把不需要模糊的人物部分擦除出来,如果擦除错了,可以换成白笔涂抹,令其还原。



 


擦除完后,我新建了一个图层,然后用黑笔在画面中想加深的部分涂抹,再调整叠加模式。


把画面中我想加深的部分压暗



 


画面依然偏亮,就用曲线整体压暗



 


到这里就完成了


 


END

后期调色没感觉?浅谈主色调、聚焦色和辅助色在摄影后期中的应用

Thomas看看世界:

大多数摄影爱好者都是全凭感觉进行后期调色。但对于美术基础较弱的朋友而言,这种凭感性调出来的色彩往往比较糟糕。




因此托马斯会陆续介绍一些基本的平面色彩知识,帮助大家用理论去辅助调色。




一张平面作品中的颜色,按功能主要可以分为三类: 主色调、聚焦色和辅助色。




理解这三种色彩在画面中的作用,有助于我们合理的安排各种颜色的面积、形态、位置、色相、饱和度、亮度等等参数。






1. 主色调


   

主色调是画面中面积最大的1-2种颜色,代表了画面的整体色彩倾向,一般都是作为背景色、环境色或者整体偏色出现。




主色调有助于统一画面,让照片中的各个部分产生共振和呼应。




新手常犯的一个错误,就是像下面这张照片一样,画面色彩太乱太杂,缺少主线。







而下面这张照片,虽然也有很丰富的颜色,如紫色、绿色、红色等等,但他们的面积都比较小,起到的是辅助色的作用。照片整体被主色调 - 深蓝色和淡黄色占据。







蓝色作为整个环境的背景色,和冰天雪地的地貌十分搭配,烘托了北极气候的寒冷。而灯光和房屋的黄色,则与蓝色对比,突出了小镇的暖意。




可以看到,主色调还有一个更重要的意义,是带给了画面某种情绪或者氛围。




人们对不同的颜色,会产生不一样的情感联想。当某种颜色统治画面的时候,自然而然的就让照片带来了这种色彩所固有的情绪。







如果画面中缺少主色调,五彩缤纷的颜色互相干扰冲突,就很难产生一个统一的整体氛围。




比如要表现寒冷的氛围,主色调可以选择白色。冰雪加上白色,就会显得比较寒冷。







较深的蓝色、青色,经常和冰川、海面、黑夜联系起来,因此这两种色彩作为主色调,也可以很好的起到强化画面寒冷感的作用。







不同的主色调可以让照片的感觉大不相同。同样的一个雪山光影画面,如果主色调只选择蓝色,则画面看起来十分的冷峻。







如果主色调中增加橙色,让画面的亮部和暗部形成冷暖对比,照片就会更有冲突感。




和刚刚的冷色版本比起来,蓝橙双主色调的版本,看起来会更加宏伟一些。







不光各种色相会带来不同的感受,不一样的饱和度、亮度、色彩面积、色彩位置等也会带给观者不同的感觉。




比如下面这个正午光线下的沙滩照片,比较适合表现一种阳光、快乐、舒适的氛围。因此后期调成高饱和度、高亮度的颜色更为适合。







假如我把上图中色彩的亮度和饱和度都调低,画面的主色调就会显得很压抑,和主题产生了很强的违和感。




而且降低亮度,让沙滩的细节显示出来后,照片会显得很脏。




照片中的细节并不是越多越好,我们要学会做减法。







低饱和的青色、黄色作为主色调,配合上一定的朦胧感,适合表现一些比较压抑、客观的主题。







而高饱和的黄色,则更加具有热烈的生命力。




下面一张照片,原图中的黄色面积还不够大,只有花朵部分,饱和度也不够强。




画面主色调为天空和阴影中的蓝色,所以整体情感比较冷峻。







当我们通过后期调色,把云层、山峰也渲染成橙黄色,同时把花的黄色也进一步强化。




这样黄色在面积和纯度上都压过了蓝色,成为了画面的绝对主色调,带给照片一种生命蓬勃向上的冲击力。







摄影后期的一个重要步骤,就是去控制画面中的颜色,根据主题选择合适的主色调,去烘托画面的情绪。




而与画面情绪有悖的颜色,我们可以把他向画面的主色调进行统一,或者对这些颜色进行削弱。




下面这张照片原图,画面中色彩就比较杂乱,无法凸显格陵兰岛无人区那种寂寥、安静的氛围。







所以后期调色时,我首先确立了以暗青和淡红色为主色调,来渲染画面的寂静和孤独感。




在具体调整时,我把所有的冷色都统一成了暗青色,甚至原有的褐色岩石上,我也叠加上了一层淡淡的青色。




而画面中的植被,以及被阳光照亮的山峰,我则全部统一成了中低亮度、低饱和度的红色。画面的氛围立马大不一样了。







当然照片的情绪,不光光是通过色彩来渲染的。




孤独的人物背影,安静的水面倒影,去掉杂物后干净的环境,低沉的影调等等,这些因素和色彩一起,烘托了照片的孤独氛围。





2. 聚焦色


   

照片中还有一种作用特别的色彩,这就是聚焦色。




对于一张照片而言,主体或者兴趣点是非常重要的元素,他们的色彩需要我们着重去考虑。




聚焦色就是用于强化照片的主体和兴趣点的颜色,一般是和主色调反差明显,或者和主体周边颜色对比有点大的颜色。




在下面一张照片中,主色调是青色和白色。青色带来寒冷感,白色带来光线感。画面中间的主体人物衣服,后期调成了红橙色。




红橙和青绿形成了色相互补,而且和白色也形成了彩色和非彩色的对比,因此聚焦色在主色调背景中非常的醒目,起到了突出主体的作用。







聚焦色可以通过色相、饱和度、亮度的差异,来强化画面的兴趣点。




下面这张照片中,聚焦色则是花朵的紫色,紫色的色相和较高的亮度,很好的突出了前景的兴趣点。







聚焦色因为作用在画面的关键元素上,因此也能对画面的情绪产生较大的影响。




此时我们需要注意聚焦色带来的氛围,和主色调带来的情绪的互相配合。




下面一副山川大河的照片,主色调是暗青色,打下了神秘魔幻的色彩基调。




河面是画面中重要的兴趣点,起到引导线和透视线的作用,河流的聚焦色我选择了保持青色的色相,这样可以和主色调互相呼应。




但是河流的青色亮度较高,这样就可以吸引到观者足够的注意力。







阳光照射的远处山峰,是我这张照片的主体,山体的聚焦色我选择了紫红色。




阳光后期渲染成紫红色、品红、红色、橙色、黄色、白色等等都看起来比较真实,所以是摄影师的思路和想法,决定了这里阳光的最终后期色彩。




紫红色是在色轮上和青蓝色主色调最为接近的色相,这张照片,我并不想要很强烈的冷暖对比,而是更加和谐的色相配合,来强化画面的神秘感。







红色显得热烈,橙色更有冲击力,黄色比较欢快,而紫色色相带给人的感觉是高贵、神秘,因此也更加符合我想表达的气氛。




紫红色的山体聚焦色,一方面突出了山体的视觉地位,同时也很好的配合了青色的主色调,给照片带来了强烈的世外秘境感。







需要注意的是,很多时候为了让画面更和谐,或者为了保留真实性,并不是所有的聚焦色都要和主色调反差明显。




很多时候聚焦色甚至和主色调一致,只需要和周边的色彩有一定反差即可。




下面一张照片的主色调是白色和青绿色,主体三只海鸥,保留的是与主色调一致的白色。




白色的海鸥更加真实,而且和周围的青绿色反差已经足够明显,与冰川的白色相呼应。并不需要多此一举的把海鸥给调成红色、黄色。







聚焦色一方面要考虑突出兴趣点,另一方面也要考虑照片的整体色彩搭配和氛围营造。




比如下面这张照片,如果人物聚焦色的颜色为青色。青色从整体的红色主色调中脱颖而出。但是人物的跳出感比较强。







人物的聚焦色设置为和主色调一致的红色,此时人物和环境互相呼应,更有一种人物融入环境中,天人合一的广阔感。






3. 辅助色


   

主色调占据画面的大部分面积,聚焦色服务于画面的核心兴趣点,两者共同控制了画面的氛围。




但很多照片如果只有主色调和聚焦色,无疑会显得比较单调。因此我们还需要辅助色来点缀、平衡和丰富画面。




下面一张照片,灰色是主色调,让照片有一种世界尽头的寂静感。但是我仍然保留了房屋淡淡的粉色、橙色、蓝色,这样画面会更加真实丰富。







如果我们去掉画面中的辅助色,照片就会失去很多趣味性和真实感。







下面这张照片也是同理,虽然主色调是蓝色和黄色。但是画面远处一些红色、青色的灯光,我并没有统一成主色调,而是保留了这种色彩的丰富性。







另外照片不同于美术设计,并不是所有的物体都可以自由安排颜色。




除非是特别的主题,否则把皮肤调成蓝色,草莓调成紫色,阳光调成绿色,都会产生强烈的违和感。




因此辅助色在照片中,还可以起到恢复真实颜色的作用。




例如下面一张照片中,主色调是背景的青色,聚焦色是山峰的金色、小花的黄色,而辅助色是灌木的绿色。




灌木的绿色中虽然添加了一些青色调,但没有完全调成和天空主色调一样的蓝青色,否则会显得不太真实。







照片的后期调色,核心是要配合主题的表达或者情绪的传达。




不同的调色风格,比如魔幻风、极简风、Ins绿、赛博朋克等等,看似是主色调和辅助色搭配的不同。




但其实这些不同调色风格的照片,拍摄光线、拍摄主题以及表达情绪都完全不一样。







我们需要根据环境的特点和照片的表达需要,去选择最合适的主色调来烘托气氛,并结合聚焦色突出一些兴趣点和强化情绪,再搭配上适量的辅助色来点缀画面。




这样一张照片中的色彩就能各司其职,和谐共存,产生优秀的视觉效果。







本文内容节选改编自书籍《风光摄影后期基础》。







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作者:Thomas看看世界


90后户外风光摄影师,后期教程博主。托马斯是畅销摄影书《风光摄影后期基础》的作者,在图虫、微博、知乎等平台上,撰写了200多篇摄影教程。


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Thomas看看世界:

现在有不少摄影比赛,都是为了挖坑赚取大家的参赛费。如何建立正确的参赛心态?如何分辨靠谱的摄影比赛和坑钱的野鸡比赛?参赛有哪些需要注意的地方?如何避开那些坑?万字长文为你解惑~

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Thomas看看世界:

一张摄影作品最后的好坏,并不取决于作者使用了多复杂的技术,而是取决于照片最后呈现出来的形式、内容和冲击力。

Thomas看看世界:

蓝色,常常出现于大海、天空、以及大自然的环境光中。


在照片里,蓝色常常作为一种烘托氛围的色彩。除了常见的饱和靓丽的蓝色之外,今天托马斯会介绍一种Instagram上很流行的低饱和蓝色调。


蓝色这样调,看起来会比较沉稳舒服。

摄影后期最重要的一步,好多人都忽略了!

Thomas看看世界:

摄影后期最重要的一步是什么?调色?合成?皮肤处理?其实都不是。




对于摄影爱好者而言,常常有一个不好的习惯:拿到一张原图就开始各种后期尝试,这个滑块拉动一下,那个地方液化一下,完全是凭感觉和运气在修图。





殊不知我们忽略了摄影后期最重要的一步,就是在后期一开始,对照片整体的分析和思路的确立。




我们拿到一张原片(甚至在照片拍摄之前),应该先仔细观察和分析照片,以确立照片的整体形式,分析照片的兴趣点,和考虑后期的大致思路,然后再用各种后期技术和工具进行处理。





1 确立照片的整体形式



同样的一张照片,根据表达方向的不同,后期可以调成不同的影调、色彩和风格,这些都是需要我们一开始就大致确定的。




甚至关于后期的尺度,其实也和我们的目的有关,更偏记录的照片,那么后期需要更接近真实,更偏表达的照片,那么后期可以有更多的操作空间。




相似前期构图的照片,如果表达的主题不同,那么后期思路可能大不相同。







上面这张原图拍摄于格陵兰岛,一个比较平静的清晨,没有特别壮阔的风景,我主要是想表达人的一种孤独感。因此后期主要基调定为如下:





  1. 整体影调需要是暗调,这样会比较压抑。对比度不需要很高,烘托环境的平静感。



2. 色彩饱和度不能太高,否则情绪过于热烈。色相上应该更偏冷,带来宁静感。


3. 画面中除了人和山头外,其他地方细节不能过多,特别是比较抢眼的细节。所以天空虽然已经是光板天,但依稀可见的几朵云,还需要进一步的模糊和抹除,水面过多的细节也要减去。



有了整体的思路和方向,后期才能达到一个比较统一的情绪,不至于上面是一个震撼热烈的红山头,下面是一个宁静冷清的水面,后期调整互相冲突。



上面这张照片也是拍摄于格陵兰岛,同样是一个人站(坐)在石头上。




但是由于我的表达主题不同,这张照片我更希望把他和希望、辉煌一类的词语联系起来,因此后期的思路也完全不同:





  1. 影调不能太暗,对比度要比较充分,给人希望的力量。



2. 色彩需要偏暖,高饱和,这样才比较灿烂热烈。


3. 画面细节不能太平淡,要有前方是星辰大海的感觉,因此决定在天空后期添加一些云彩。



我在《风光摄影后期基础》一书中提到过,技术服务于形式,形式服务于内容。




因此我们在后期处理时,首先需要确定的就是内容和方向,到底是雄伟的风景,还是宁静的氛围,还是内心的映射?




表达方向决定后,才能确定形式上的基调,到底是冷一点暗一点,还是暖一点亮一点。




而具体要用哪种调色工具和后期技术,则是后面具体执行时的细节了。




我们在制作组图时,更需要从一开始,就确认和统一好组图的形式。





比如上面一组原图,是我在暴风雪期间抓拍的格陵兰小镇街景,原片中有比较亮的,也有比较暗的,有偏中性色的,也有偏冷调的。




如果我要把他们整理成组图的形式发表的话,就需要在组图整体的角度,在一开始对他们的色彩影调进行统一,不能这张是明亮欢快的,下一张又是低调压抑的。




写作文需要先立意,我们在修图时,也需要先确认主题、思路和方向。





2 分析照片的兴趣点



我们在写作文的时候,一般都是先立意再动笔。虽然摄影项目也应该是这样,但现实世界总是充满了复杂和惊喜,我们在前期拍摄时,可能很多时候还是在靠直觉进行捕捉。




因此在后期的一开始,我们更需要重新去审视我们的照片,从中提取出那些兴趣点。





上面这张原图,是用无人机航拍的冰山,很有意思,抓怕到了冰山底部隐藏的那些部分。




这张照片的兴趣点无疑是冰山。旁边的小船也是很有趣的,因为它作为参照系,衬托出了冰山的宏大。




后面的陆地,提供了一些背景信息,比如冰山位于海岸边,但这些并不是很有趣或者很重要的信息。因此我后期思考时决定进行二次构图,裁掉多余的部分。



这样的话内容更加统一,视觉上也特别的震撼。





上面一张图片,记录了一个清冷的渔村早晨,整体显得比较杂乱,如果不进行取舍的话,可能读者无法知道摄影师到底要表现什么。




因此我决定对画面只保留一个主要的兴趣点,也就是明亮的路灯,以及两个次要兴趣点,淡淡的房屋灯光和匆匆走过的行人。



这样通过后期的裁图,以及对其他景物的压暗淡化处理,我们就从视觉上提取出了画面的兴趣点,让观者从中感受到北极渔村的别样氛围。




确认兴趣点不仅仅意味着二次裁图,而且对画面局部的明暗、色彩等等都有影响。





比如上面一张巴塔哥尼亚秋色,我们就需要在后期开始前,先对其中的主要景物进行分析。




中间日照金山时的Fitz Roy雪山,无疑是本片亮点,需要突出。




突出的方式有很多种,比如金山左侧的山头,由于距离的关系,竟然看起来比我们的兴趣点还要高,因此需要裁掉。




为了突出金山,我们需要让金山的颜色和明度都从照片中“脱颖而出”。




因此天空需要进行后期压暗,最好做成冷色调,这样金色山峰就可以通过色相、饱和度、明度上的特殊性,在画面中牢牢占据我们的眼球。



甚至有的时候,乍一眼看上去是一张废片,我们也可以通过后期的思考和观察,发现照片中的亮点。





上面一张桂林的雨中航拍,无疑原片并不抢眼。




但是我们仔细观察,还是可以发现其中一些有意思的地方,比如雾气蒙蒙的山峰特别有层次感,画面中的道路和山峰边缘也特别有几何线条感。




但是由于原图画面中复杂的信息,比如暗淡的色彩,凌乱的房屋,茂密的树木,会把读者的关注点吸引到这些并不有趣的地方,就会觉得照片是张废片。



如果我们在后期时大胆的去掉这些无关的色彩、细节和信息,提取出画面中丰富的几何结构,那么就能“变废为宝”。



3 考虑后期的大致思路



摄影后期,技术是基础,关键是思路。




很多照片,并不需要复杂的后期处理,只需要简单的对画面的色彩进行统一、影调进行强化,主体进行突出就可以了。



比如上面这张德国城堡的原片,后期几乎都是在Camera Raw中完成。只要确认了强化天空渐变,突出城堡光辉的思路之后,很快就能搞定。





很多照片,虽然前后期样貌发生了巨变,但用到的技术其实也很简单。



比如上面一张原片,后期主要用到的是加深减淡工具,我在《学会加深减淡工具,提升照片画面表现力》一文中介绍过的后期简单工具。





更关键的还是需要对照片进行分析,知道需要对哪里进行提亮减淡,哪里进行加深压暗。这才是让一张照片后期看起来大不同的关键。




画面并不是细节越多越好。



上面这张海冰的原片,我就决定去掉白色冰雪中的大部分细节,突出海岸线的线条和色彩对比。





但是细节也不是越少越好。





上面这张山峰的照片,我就决定后期用画笔,进一步强化水面纹理的细节,和前景花草的质感,天空也制作了一个原来不明显的渐变过渡。



到底是需要增加细节,还是减少细节?到底画面中哪些地方的细节需要进行处理,其实都是思路的问题,需要我们多看,多想,多分析。




摄影后期最关键的一步,其实就是分析画面和确认思路,思路一旦确定,照片的最终形式就确定了。




到底是用曲线、色彩平衡还是画笔去做具体的处理,其实并没有大家想象的那么重要。




技术决定下限,思路决定上限。摄影后期最重要的一步,就是确认思路!




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作者:Thomas看看世界


90后户外风光摄影师,后期教程博主,海大、富图宝、哈苏等品牌合作摄影师。托马斯是畅销摄影教材《风光摄影后期基础》的作者,在图虫、微博、知乎等平台上,撰写了200多篇摄影教程。


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不要让色彩断层毁了你的照片

Thomas看看世界:

色彩断层在人像拍摄和风光后期中都经常发生,明明应该细腻的渐变过渡,却变成了一块一块的奇怪色带,简直让人崩溃。


本文将谈谈色彩断层的成因,以及如何尽量避免、甚至修复它们。

1. 什么是色彩断层

不知道大家有没有遇到过下图这种情况,本该很干净的蓝色天空,却断裂成了一层层的色彩带。



这种现象我们把它称为色彩断层(色彩带,color banding),多发生在纯净的渐变物体中,比如黄昏天空,棚拍背景,光线投影等等。


色彩断层的原因,是图像的色彩深度不足以表现微小的渐变,因此本该平滑的渐变变成了下图般一块一块的断层。



打个比方,本来平滑的渐变应该是


0,0.25,0.5,0.75,1,1.25,1.5,1.75,2,2.25,2.5。。。


但是由于图像色深不够,导致小数无法显示出来,所以上面一串数字就成了


0,0,0,0,1,1,1,1,2,2,2。。。


色彩断层有时在小图中还不明显。



但是在大图中它就会变得特别引人注目。打印过程更会突出这种色彩断层现象,毁掉一张摄影作品。



为了更好的观察色彩断层现象,我们一般会建立一个solar curve观察曲线。这种曲线长得很像正弦函数,可以夸张的突出局部变化,让摄影师发现很多不容易观察到的瑕疵。


比如这张图片建立正弦观察曲线后,就突显出了好几个很难察觉的脏点。



正弦观察曲线下的照片天空,渐变断裂的情况非常明显。


2. 如何尽量避免色彩断层

上面提到过,色彩断层的成因主要是图像色彩深度不够。色深越低的图像,原始信息越少的图像,比如8位的JPEG,运算时越容易出现断裂的渐变带。


因此我们前期应当尽量使用无压缩或者无损压缩的raw格式拍摄。光比很大的时候,尽量包围曝光再后期合成,而不是单张高光-100。


后期处理时,能在ACR、Lightroom等Raw处理器中进行的调整,就不要推迟到Photoshop中再操作,尽量利用raw文件的强大信息量。


Raw处理器进入PS时,使用16位的色彩深度。在ACR中,你只需要点击界面最下面的一栏字,然后在弹出的设置面板中,把色彩深度调整为“16位/通道”。



这样我们在从ACR进入PS的过程中,raw文件会被转化为16位的图像,标题栏最后会显示“RGB/16”,而不是8位图像的“RGB/8”。



在raw文件和16位图像中操作,可以大大减缓色彩断层的发生,却也无法完全避免。有的时候后期压暗提亮、HSL调整、降噪等操作,无可避免的还是会产生断层,只有再用其他的办法修复了。



3. 如何修复色彩断层

图像领域我们可以用仿色(Dithering)的办法来掩盖色彩断层。


所谓仿色就是仿造颜色,主要目的是用较少的颜色,来表达较丰富的色彩过渡。仿色使渐变中的各种颜色不再是一个个生硬的色块,而是互为交融渗透,这样在人眼的整体视觉效果中就会形成平滑、自然的过渡,就像是自然条件下人看到的颜色一样(百度百科)。



比如上面的渐变,右边的图像和左边一样,都只使用了4种颜色。但左边各个颜色间边界分明,过渡断层就很明显。右边由于我们在过渡带把几种颜色混合在了一起,视觉上看起来就平滑多了。


那么我们如何在Photoshop中模拟仿色运算呢?


大家仔细观察一下,仿色过渡中的一个个小颗粒,是不是有点像摄影师们的一位老朋友?



没错,那就是噪点!


所以听起来有些不可思议。要解决色彩断层问题,我们只需要往照片中相应的区域,加入颗粒噪点就行了。


模拟仿色的加噪方式有很多。包括“滤镜 - 杂色 - 添加杂色”、“滤镜 - 滤镜库 - 喷溅”,“滤镜 - Camera Raw滤镜 - 颗粒”等等。我比较喜欢用最后一种方法。


首先按住Ctrl+Alt+Shift+E(苹果键盘Command+Option+Shift+E)盖印可见图层,然后打开“滤镜 - Camera Raw滤镜”。



打开第七个面板 - “效果”面板,找到“颗粒”一栏,往右拖动“数量”滑块。拖动时密切注意图像,你会发现照片中颗粒越来越多,慢慢的色彩断层就几乎消失了。这张图像,我的增加颗粒数量大概在20左右。



点击完成后放大图片,你会发现原来干净的天空中多了很多颗粒。



不过好在色彩断层几乎看不见了,即便在正弦观察曲线下,天空过渡也很平滑。



当然天空中的颗粒感太突兀了一点,我又打开“滤镜 - Camera Raw滤镜”,然后在第三个细节面板中,增加“减少杂色 - 明亮度”滑块的值到60,让照片中的颗粒不要太明显。(这步并不是要消除颗粒,否则我们的色彩断层又会回来了,而是让颗粒更好的融合在天空中,不要太明显。)



完成之后的效果(观察曲线下)。左边是处理前的断层天空,右边是处理后,过渡看起来平滑多了。



最后一步,建立蒙版,让刚刚的操作只作用在有色彩断层的天空上,而不影响地面的细节。



再来对比一下处理前。



处理后:



下面是另外一张类似的照片。



添加颗粒前的天空(观察曲线下),断层惨不忍睹。



添加颗粒之后(观察曲线下),过渡看起来自然多了。



添加颗粒处理之后,天空反而看起来干净细腻了。


总结

1. 后期处理时,天空、背景等渐变区域很容易出现色彩断层现象


2. 使用Raw格式拍摄,尽量在Raw处理器中修图,以及使用16位色深,可以延缓色彩断层的发生。


3. 我们可以用Camera Raw滤镜-添加颗粒的办法,后期掩盖住色彩断层。




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UPON:

关于神秘的悬浮照片,花了一点时间做了一个教程,胶片和数码方法一样,只是我用了胶片,也许很多大神们会了,不过还是发出来分享一下,有兴趣的小伙伴可以发挥你们的想象力试试各种不同的悬浮

论画面的质感与层次

吕强:

最近比较忙,所以教程来的比较慢,由于工作量太大,所以后期合成的教程留到下次。不过这次的内容绝对是对各位摄影师非常有帮助的东西。我希望大家从最基础开始理解一幅画面的构成,并不是只是盲目的追求时下流行的效果。毕竟,每一种效果也都是大家慢慢尝试出来的。

无论是黑白还是彩色,画面的层次与质感都是至关重要的两个东西。记得原来李涛老师的一句话是这样说的,好的作品赏心悦目。赏心=好的创意与内容;悦目=完美细致的画面表现。前者只能靠各位自己的阅历自己的思想去慢慢发展,后者更偏向于技术,很容易在理解后得到质的提升。 

 

这次对这一幅作品进行讲解。这幅作品的风格受大家的喜爱,偏向于国外摄影沙龙风格,在《影像视觉》首期PS挑战赛中也获得了一等奖,且在国外比赛中拿了很多奖。讲解除了技术方面之外,我会更多的讲解为什么这张图片会这样处理!

 

首先看看原图,看似这是一张很普通的照片。颜色泛灰,光线平淡。但正是这样的素材,才能让我们最大余地的发挥自己的主观思维,去创造出一张作品!

 

 

 

下面开始正式的调整步骤!

 

1.保证你拍摄的是RAW格式,如果不是RAW,还是请你点右上角或者是左上角的X吧。

 

2.打开照片,进入ACR面板,进行调整。我这里已经调好了。在调整之前首先了解自己需要什么。有了方向才会慢慢的靠近自己想要的效果,不能盲目的乱搞。我这里想要的是细节和质感。所以我需要让整幅画面都有纹理,高光不能过曝,阴影不能欠曝。总而言之,在ACR里的任务是找回图片的所有细节!

 

色温:根据自己的需要来调整,用于画面的统一,这里我尽量做到还原,因为最正常的色温最能表现出更多的细节!

色调:不做某种特定色调一般不要去动,直接影响整幅画面的色彩偏向,我没动过。

曝光:在高光不曝光的范围内,最大限度的进行调整,曝光的准确性直接影响色彩的还原以及细节的质感。

对比度:尽量不要增加,灰度越多的画面,细节越丰富。

高光:很有用的一个工具,能轻松的把曝光的高光区域找回细节。

阴影:与高光工具相同,找回暗部的细节,但是找回的同时要注意暗部噪点的出现。

白色、黑色:与对比度选项一样。只是分离了白色和黑色单独调整,根据这两项可以控制高光与阴影的明度和灰度。

清晰度:画面的色彩细节过渡,细微的反差调整。我这里调满了清晰度选项,由于画面很灰,所以效果比较自然,平常使用时要慎用。

自然饱和度:对饱和的色彩敏感,调整幅度大,对不饱和的色彩不敏感,调整幅度小,是很聪明的饱和度调整方式。

饱和度:整幅画面的饱和度调整。这里我将饱和度降低,是为了是画面的色彩不刺眼不跳跃,更加统一色调。

上述步骤理解之后,那么现在可以打开PS了。

 

 

3.打开PS,复制图层副本,这个不用多讲了。

 

 

 

4.画面的明度统一。此步骤需要运用素描知识了,需要摄影师主观的把画面的主体与次体以及再次体给分辨出来,进行一个深度的调整。每一个区域是不同的空间,需要不同的明暗来表现画面的空间感,这里我大概分了三个区域。人物,前景,背景。明度表现上人物>前景>背景。这样不仅主次关系出来了,空间感也会更好。工具方面,色阶曲线亮度对比度都可以。我使用的是亮度对比度,方便观察,我用画笔标注出了三个区域。

 

 

5.重复上一步骤的事情,更细致的在人物上和前景上塑造空间感与层次感。光影会直接决定质感,在有细节的情况下主观的对局部进行加深减淡。靠自己的理解,让应该暗下去的区域更黑,让应该受光的区域更亮。当然前提是不能过曝与欠曝。可以复制副本进行加深减淡操作再降低图层不透明度混合。也可以新建图层为叠加模式,用黑色画笔与白色画笔来慢慢涂抹。方法其实都不重要,主要在于大家的美术功底了。这里我就不做那么细致了,只是为了方便大家观察。

 

 

 

 

6.整体效果处理完成之后,进行最后的调色以及裁图。这个都很简单了,根据想要的色彩偏向进行可选颜色的调整。再稍微调整下整体色阶,降低饱和度,增加点暗角,整幅画面就完成了。

 

7,合格的加深减淡调整出来的作品,可以通过转化为黑白的方法来检测。如果一幅画面转换为黑白之后,黑白灰分明,细节丰富。那么说明你成功了!

 

最后,希望能帮助到大家,也希望大家越变越牛逼!

新浪微博、图虫:@摄影匠人小强